Menschen fotografieren. Der Meisterkurs: mehr sehen, mehr können

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Author: Carina Meyer-Broicher

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Menschen fotografieren Der Meisterkurs

Carina Meyer-Broicher

Menschen fotografieren Der Meisterkurs

Bibliografische Information Der Deutschen Nationalbibliothek Die Deutsche Nationalbibliothek verzeichnet diese Publikation in der Deutschen Nationalbibliografie; detaillierte bibliografische Daten sind im Internet über http://dnb.d-nb.de abrufbar. Die Informationen in diesem Produkt werden ohne Rücksicht auf einen eventuellen Patentschutz veröffentlicht. Warennamen werden ohne Gewährleistung der freien Verwendbarkeit benutzt. Bei der Zusammenstellung von Texten und Abbildungen wurde mit größter Sorgfalt vorgegangen. Trotzdem können Fehler nicht vollständig ausgeschlossen werden. Verlag, Herausgeber und Autoren können für fehlerhafte Angaben und deren Folgen weder eine juristische Verantwortung noch irgendeine Haftung übernehmen. Für Verbesserungsvorschläge und Hinweise auf Fehler sind Verlag und Herausgeber dankbar.

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10 9 8 7 6 5 4 3 2 1 11 10 09

ISBN 978-3-8272-4457-4

© 2009 by Markt+Technik Verlag, ein Imprint der Pearson Education Deutschland GmbH Martin-Kollar-Str. 10-12, D-81829 München Alle Rechte vorbehalten Lektorat: Birgit Ellissen, [email protected] Korrektorat: Marita Böhm Herstellung: Claudia Bäurle, [email protected] Satz: Ulrich Borstelmann, Dortmund (www.borstelmann.de) Covergestaltung: Marco Lindenbeck, webwo GmbH ([email protected]) Druck und Verarbeitung: Firmengruppe APPL, aprinta druck, Wemding Printed in Germany

Inhaltsverzeichnis Einleitung Kapitel 1: Die Geschichte der Porträtfotografie

XI 1

Historie ............................................................................................................................................................................ 2 Technik und Licht im Wandel der Zeit........................................................................................................ 3

Kapitel 2: Das fotografische Sehen

7

Bestandsaufnahme.................................................................................................................................................... 8 Die Bildkritik.................................................................................................................................................................. 9 Training und Wettbewerb.................................................................................................................................... 10 Lernen Sie Sehen......................................................................................................................................................... 12 Das Motiv „Mensch“................................................................................................................................................ 14

Kapitel 3: Die Bildgestaltung

19

Von Objektiven und Brennweiten.................................................................................................................. 20 Festbrennweite oder Zoomobjektiv?............................................................................................................. 22 Weitwinkelobjektive................................................................................................................................................. 23 Auf die Perspektive kommt es an.................................................................................................................... 30 Die Komposition........................................................................................................................................................ 34 Der Goldene Schnitt................................................................................................................................................. 41 Das Aufnahmeformat.............................................................................................................................................. 44 Das Ausgabeformat.................................................................................................................................................. 44 Die Szene vorbereiten.............................................................................................................................................. 47 Umgebung und Hintergrund............................................................................................................................. 49 Frisur & Make-up....................................................................................................................................................... 50 Kleidung & Accessoires........................................................................................................................................... 53

Inhaltsverzeichnis

V

Kapitel 4: Das Licht

57

Die Belichtungsmessung ...................................................................................................................................... 58 Blende und Verschlusszeit.................................................................................................................................... 64 Die Lichtformer........................................................................................................................................................... 70

Kapitel 5: Drinnen & draußen

83

Available Light.............................................................................................................................................................. 84 Das mobile Studio..................................................................................................................................................... 89 Flächenreflektoren..................................................................................................................................................... 92 Der Kamerablitz.......................................................................................................................................................... 95 Das erste Studio.......................................................................................................................................................... 101 Studioblitzanlagen..................................................................................................................................................... 106

Kapitel 6: Low-Key-Fotografie

113

Low-Key oder unterbelichtet?............................................................................................................................ 114 Belichtungsmessung bei Low-Keys.................................................................................................................. 115 Die Anwendungsbereiche..................................................................................................................................... 117

Kapitel 7: High-Key-Fotografie

121

Die Ausleuchtung .................................................................................................................................................... 122 Die Belichtungsmessung........................................................................................................................................ 125 Einsatzbereiche............................................................................................................................................................. 126

Kapitel 8: Die Form

129

Bezeichnungen in der Porträtfotografie nach dem Ausschnitt.................................................... 130 Nahaufnahmen: das Gesicht............................................................................................................................... 132 Oberkörperporträts.................................................................................................................................................. 139 Das Ganzkörperporträt.......................................................................................................................................... 145 Die Details....................................................................................................................................................................... 151

VI

Inhaltsverzeichnis

Kapitel 9: Menschen inszenieren

155

Das klassische Porträt.............................................................................................................................................. 156 Das Porträt im Kontext.......................................................................................................................................... 159 Das inszenierte Porträt............................................................................................................................................ 161 Paare und Gruppen.................................................................................................................................................. 162 Babys und Kinder....................................................................................................................................................... 166 Senioren............................................................................................................................................................................ 173

Kapitel 10: Fashion & Glamour, Beauty und Lifestyle

177

Fashion & Glamour................................................................................................................................................... 178 Die Beauty-Fotografie.............................................................................................................................................. 186 Die Lifestyle-Fotografie............................................................................................................................................ 190

Kapitel 11: Akt und Erotik im Porträt

193

Das Aktporträt............................................................................................................................................................. 194 Erotische Porträts....................................................................................................................................................... 200

Kapitel 12: Event-Fotografie

205

Sportfotografie............................................................................................................................................................. 206 Wintersport................................................................................................................................................................... 207 Wassersport................................................................................................................................................................... 212 Schwimmen ................................................................................................................................................................. 217 American Football..................................................................................................................................................... 220 Aufführungen............................................................................................................................................................... 225 Konzertfotografie ..................................................................................................................................................... 228 Hochzeiten..................................................................................................................................................................... 234 Paraden, Karneval und Umzüge....................................................................................................................... 242

Inhaltsverzeichnis

VII

Kapitel 13: Street-Fotografie

249

Die Rechtslage.............................................................................................................................................................. 250 Können Sie Street-Fotografie planen?........................................................................................................... 251 Wo findet Street-Fotografie statt?................................................................................................................... 252 Die Aufnahmesituation.......................................................................................................................................... 253 Motive erkennen lernen........................................................................................................................................ 254

Kapitel 14: Kreative People-Fotografie

257

Die abstrakte Fotografie......................................................................................................................................... 258 Abstrakt trifft unscharf........................................................................................................................................... 258 Welche Arten der Unschärfe gibt es?............................................................................................................ 260

Kapitel 15: Das Farbmanagement

267

Warum brauchen Sie ein Farbmanagement?........................................................................................... 268 Farbmanagement mit ICC-Profilen .............................................................................................................. 269 Die verschiedenen Farbmodi.............................................................................................................................. 271 Arbeiten mit Farbräumen .................................................................................................................................. 272 Arbeiten mit Profilen in Photoshop............................................................................................................... 274 Die Monitorkalibrierung........................................................................................................................................ 278

Kapitel 16: Die RAW-Entwicklung

281

Das RAW-Format....................................................................................................................................................... 282 Der RAW-Konverter................................................................................................................................................. 283 Die RAW-Entwicklung mit ACR....................................................................................................................... 284 Der Weißabgleich....................................................................................................................................................... 285 Die Belichtung ............................................................................................................................................................ 285 Exportieren..................................................................................................................................................................... 289

VIII Inhaltsverzeichnis

Kapitel 17: Die digitale Retusche

291

Entfernen von Hautunreinheiten..................................................................................................................... 292 Fältchen mindern und beseitigen.................................................................................................................... 295 Hautstruktur verbessern........................................................................................................................................ 297 Make-up und kleine kosmetische Tricks..................................................................................................... 300

Kapitel 18: Digitale Schwarzweißfotografie

305

Wie Sie lernen, in Schwarzweiß zu denken................................................................................................ 306 Schwarzweißkonvertierung mit Adobe Photoshop ........................................................................... 307

Kapitel 19: Das Marketing

313

Die Fotoforen................................................................................................................................................................ 314 Photo Sharing............................................................................................................................................................... 317 Die Blogs.......................................................................................................................................................................... 318 Die Homepage ........................................................................................................................................................... 319 Bildagenturen................................................................................................................................................................ 322

Kapitel 20: Das Fotorecht

329

Das Urheber- und Nutzungsrecht................................................................................................................... 330 Das Recht am eigenen Bild und der Modellvertrag ........................................................................... 334

Stichwortverzeichnis................................................................................................................................................. 338

Inhaltsverzeichnis

IX

X

Inhaltsverzeichnis

Einleitung Die Fotografie boomt wie nie zuvor und noch nie hatten so viele Menschen die Möglichkeit, Ihr gesamtes Leben in Bildern festzuhalten wie heute. Egal ob mit dem Handy, Kompaktkameras oder mit der Videokamera, alles mit einer Linse macht Fotos, auch Ihre Webcam. Daneben sind aber auch digitale Spiegelreflexkameras erschwinglich geworden und mit einer solchen DSLR steigen die Ansprüche an die Ergebnisse. Im Internet schießen immer neue Foren und Plattformen aus dem Boden, auf denen Sie Ihre Fotos zeigen und mit anderen Fotografen diskutieren können. Und damit steigt auch der Ehrgeiz, immer bessere Fotos zu machen. Das Ausgangsmaterial, nämlich Ihre Spiegelreflexkamera, unterscheidet sich nicht so wesentlich von der Ihres Kollegen und die Menge der Pixel ist in keinem Fall ausschlaggebend für ein tolles Bildergebnis. Also müssen es andere Kriterien sein, die den Betrachter eines Fotos überzeugen. Warum löst also das eine Porträt Begeisterungsstürme aus und das andere erhält kaum Aufmerksamkeit? Natürlich trägt gerade in der Fotografie von Menschen das Modell zur Bildwirkung bei und auch die Bildbearbeitung kann so manches Foto noch aufpeppen. (Wenn ich in diesem Buch von Modellen spreche, sind damit alle Menschen, die vor der Kamera stehen, gemeint, vom Baby bis zum Urgroßvater, und keinesfalls nur professionelle Fotomodelle beiderlei Geschlechts.) Aber hierbei kommt es nicht auf das Aussehen des Modells an, sondern darauf, es vorteilhaft in Szene zu setzen. Gerade Menschen sind zu verschieden, als dass Sie von mir nun ein Patentrezept für das ultimative Porträt erwarten können. Vielmehr möchte ich mit Ihnen gemeinsam „Sehen“ erfahren und Ihnen Möglichkeiten aufzeigen, mit geschickter Gestaltung Ihrer Fotos Ihre Sicht auch dem Betrachter näher zu bringen. Regeln sind dazu da, sie zu brechen – wir wollen neue Wege gehen und innovative Porträts machen. Doch um die Regeln zu brechen, müssen wir uns zunächst noch einmal einige Formalien ins Gedächtnis rufen, um uns anzuschauen, wie sich diese gerade in der People-Fotografie auswirken. Unterschiedliche Szenarien und Aufnahmesituationen erfordern verschiedensten Umgang mit Ausrüstung und Licht, auch hier kann ich Ihnen nur Anregungen geben, damit Sie Ihre Ideen optimal umsetzen können. Als letztes schauen wir uns noch in der digitalen Dunkelkammer um. Hier bekommen Ihre Bilder den letzten Schliff wie schon zu analogen Zeiten im Labor. Doch bitte denken Sie stets daran, auch Photoshop macht aus einem verunglückten Schnappschuss kein Titelfoto. Oder wie ich gerne sage: Ich male nicht, ich fotografiere. Alle Beispielbilder finden Sie unter www.mut.de/Meisterkurs_Menschen_fotografieren. Die Bilder dürfen aber nur für private Zwecke genutzt werden. Viel Spaß und Erfolg beim Entdecken der People-Fotografie wünscht Ihnen Carina Meyer-Broicher P.S. Bitte nehmen Sie sich auch ein wenig Zeit, die Bildunterschriften zu lesen. Oft versteckt sich dort noch ein Tipp oder eine Information. Alle verwendeten Brennweiten werden hier umgerechnet auf Kleinbildformat angegeben.

Danke Mein Dank gilt allen Modellen in diesem Buch ebenso wie den Kollegen, die mich dort mit Bildmaterial unterstützt haben, wo ich ihre Fotobeispiele einfach überzeugender fand. Besonderer Dank gilt Martin Schwabe, Torsten Brandt und Jörg Böh für Ihre redaktionelle Mitarbeit sowie meinen beiden Männern für Ihre Geduld mit mir. Einleitung

XI

xii Kapitel 1 | Die Geschichte der Porträtfotografie

Die Geschichte der Porträtfotografie Porträtaufnahmen sind fast so alt wie die Fotografie selbst. Früher saßen die Menschen Malern Modell, denn schon immer war es ihnen ein Bedürfnis, Bilder von sich und ihren Lieben um sich zu haben. Solche Bilder zu besitzen, war, bei Gemälden ebenso wie in den Anfängen der Fotografie, ein Privileg des Adels und der Reichen. Von jeher ist die Menschenfotografie das vielleicht aussagestärkste und spannendste Genre der Fotografie.

Eine Aufnahme meiner Tante Catherine und ihres Ehemanns Maurice Weill. Entstanden ca. 1910 in Brasilien mit einer Plattenkamera. Foto: unbekannt Kapitel 1 | Die Geschichte der Porträtfotografie

1

Historie Die Menschenfotografie hatte bereits in der Frühzeit der Fotografie eine große Bedeutung. Mitte des 19. Jahrhunderts gelangte das Bürgertum zu neuem Selbstbewusstsein, das sich unter anderem in der Popularität der Porträtfotografie zeigte. Denn diese neue Technik bot für breitere Bevölkerungsschichten die Möglichkeit, sich porträtieren zu lassen, was bisher dem wohlhabenden Adel vorbehalten war. In den Anfängen der Fotografie verlangten Personenaufnahmen dem Fotografen ebenso wie dem Modell enorme Disziplin und Ausdauer ab. Die extrem langen Belichtungszeiten, die sich erst im Laufe der Zeit durch immer lichtstärker werdende Objektive verkürzten, machten es notwendig, das Modell zu fixieren. Haltevorrichtungen wie „Saronnys UniversalKopfhalter“ reduzierten die Gefahr des Verwackelns, aber Sie können sich denken, dass dies natürlich nicht zu entspannten und natürlichen Porträts führte. Auch orientierte man sich bei den Sujets stark an gemalten Porträts, was die Kulissen mit Palmen, Krügen und Vasen, sitzend auf Korbstühlen und Sesseln, einschloss. Viele dieser Aufnahmen wirken heute auf uns sehr grotesk, fast schon parodistisch. Doch schon bald fanden die Fotografen neue Wege und betonten damit auch die künstlerischen Aspekte der Menschenfotografie. Der charakteristische Ausdruck der Por-

Pauline Viardot und Pierre-Jules Michot in „Alceste“, Pariser Oper um 1860. Albium, ungeschnittenes „Carte-de-visite“-Blatt, 19,8 x 23,3 cm. Foto: André Adolphe Eugène Disdéri Fotosammlung der Neuen Galerie Graz 2

Kapitel 1 | Die Geschichte der Porträtfotografie

trätierten stand bald im Vordergrund und die Bildkomposition reduzierte sich auf einfache Licht- und Schatteneffekte. Zu Beginn der Fotografie hatten die Kameras noch riesige Ausmaße. Belichtet wurde auf Glasplatten, die mit lichtempfindlichem Brom-Jodsilber beschichtet wurden und dann getrocknet werden mussten. Die Platten mussten vom Fotografen selbst hergestellt werden, was Geduld und naturwissenschaftliche Kenntnisse erforderte. So wurde auch meistens nur ein Foto erstellt. Auch bei der ersten kommerziellen Anwendung der Fotografie handelte es sich um Porträts. André Adolphe Eugène Disdéri (1819–1900) erfand 1854 kleine Visitenkartenporträts (carte-de-visite), die in Serie billig hergestellt werden konnten. Diese Karten kamen schnell in Mode und es herrschte schon fast ein gesellschaftlicher Zwang, solche kleinen Porträts bei sich zu tragen, um sie auszutauschen und wieder nachmachen zu lassen. Disdéri hatte diese Kamera zum Patent angemeldet: eine Multi-Lens-Kamera, die imstande war, mit mehreren Optiken gleichzeitig acht kleine Porträts auf eine Platte aufzunehmen. In der Folgezeit entstanden zahlreiche Porträtstudios, die das Gewerbe der Porträtmaler und Scherenschnitter verdrängten. Allein in Paris verloren etwa 30.000 dieser Handwerker ihre Einkommensquelle.

Technik und Licht im Wandel der Zeit Die Aufnahme- und Kameratechnik Es mag Ihnen für das Ergebnis Ihrer eigenen Porträts unwichtig erscheinen, wie sich Aufnahmematerial, Kameras und Objektive im Laufe der Zeit entwickelt haben. Ich finde zum einen ein wenig Hintergrundinformation immer ganz interessant und zum anderen hilft mir das Verständnis der technischen Mittel einer Aufnahme, ein Foto zu beurteilen. Für die Bildwirkung älterer Aufnahmen, auch solcher des gerade erst zu Ende gegangenen 20. Jahrhunderts, ist es wichtig zu wissen, ob einige Stilmittel und Sujets aus der Not geboren sind oder ob sie ganz bewusst eingesetzt wurden. Also zum Beispiel warum ein Fotograf ein Großformat verwendet hat, ob kein lichtstärkeres Objektiv zur Verfügung stand oder ob Schwarzweiß die Bildwirkung verstärken sollte oder schlicht kein Farbmaterial zur Verfügung stand. Wurden anfänglich Porträts noch handkoloriert, ist die Geschichte der Farbfotografie dennoch älter, als man annehmen mag. Bereits 1861 entstand mit Hilfe von drei Schwarzweißaufnahmen, die durch drei verschiedene Farbfilter fotografiert wurden, das erste Farbfoto.

Daguerrotypie-Kamera


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Links : Als „Kabinettkarte“ wurde ein um 1866 aufkommendes Format bezeichnet, das größer war als die zuvor kleineren Visitenkartenporträts. Foto: Wilhelm Lau Photograph, Bregenz. Rechts: Fotos in diesem Retro-Look sind auch heute wieder gefragt. Aus einem ganz normalen Foto entstand mit dem Photoshop-Plug-in Silver Efex Pro™ von NIK Software mit nur wenigen Mausklicks ein Bild mit historischem Aussehen. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 180 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher

1870 versuchte man es in Frankreich mit drei Teilaufnahmen, die mit drei farbigen Pigmentfolien auf einer weißen Unterlage zum Aufsichtsbild übereinander montiert wurden. Die ersten kommerziell produzierten Materialien für die Farbfotografie kamen mit den sogenannten Autochrome-Platten, die von den Brüdern Lumière ab 1907 in Lyon hergestellt wurden, jedoch erst im 20. Jahrhundert auf den Markt kamen. Das Grundprinzip beruhte auf einem feinen Raster aus durchsichtigen Partikeln in Violett, Rot und Grün, die wie kleine Farbfilter wirkten. Diese Platten konnten sich aber nicht durchsetzen, da sie sehr teuer waren und ihre Lichtempfindlichkeit sehr gering war. 4


Erst nach dem Ersten Weltkrieg 1918 wurde an der Entwicklung der Farbfotografie weitergearbeitet. Agfa produzierte bald ähnliche Farbplatten wie die Brüder Lumière. Auch Kodak beschäftigte sich mit der Farbfotografie. 1935 war der Kodachrome-Film fertig, der in drei Schichten das Farbbild erzeugte. Es gab auch später noch immer wieder Verbesserungen, doch im Grunde blieb das Material bis heute das gleiche. Agfa forschte ebenfalls weiter und entwickelte den Agfacolor-Film, der 1936 erschien. Die Farbpositive hielten Einzug, doch was man wirklich wollte, war der Farbnegativfilm, um farbige Papierabzüge zu erhalten. Agfa erreichte dies 1939. Allerdings gelangten erst 1941 Ergebnisse an die Öffentlichkeit. Kodak produziert seit 1940 einen Farbnegativfilm, der nach dem Krieg zu immer größerer Perfektion gebracht wurde. Parallel zu den Fortschritten beim Aufnahmematerial entwickelte man auch lichtstärkere Objektive, um die Steifheit der Aufnahmen und die Strapazen der langen Belichtung zu mildern. Mit der Erfindung des Rollfilms – die Idee dazu geht auf einen gewissen Reverend Hannibal Willston Goodwin (1822–1900) aus New Jersey zurück – wurde erstmals die Konstruktion einer kleineren, handlicheren Kamera möglich, die George Eastman (1854–1932) konstruierte. So wurde Fotografie jedermann zugänglich und erschwinglich. Auch Eastmans Firmenname sollte einfach sein: „Kodak“. Die „Kodak-Box“ kam 1888 auf den Markt und erforderte keinerlei Einstellungen. Sie war mit 100 Aufnahmen geladen, nach deren Belichtung die Kamera samt Film an Eastman zurückgeschickt wurde. Die Fotos wurden hier entwickelt und samt neu geladener Kamera an den Fotografen zurückgeschickt. Eastmans Lebenswerk, die Fotografie zum Allgemeingut der Menschheit gemacht zu haben, ist ein historischer Wendepunkt in der Geschichte der Fotografie.

Das Modell „A“ der Firma Kodak wurde in der Dunkelkammer mit einer RollfilmBox gefüllt und von 1891–1895 gebaut. Die Bildgröße betrug 2¾ x 3¼ Zoll. Die Kamera wurde damals für 6 Dollar verkauft, ein „De-Luxe“-Modell kostet 2,50 Dollar mehr. Kodak warb damit, dass die Kamera kinderleicht zu bedienen sei, und empfahl sie für Jugendliche ab 10 Jahren.

Der Sprung zur digitalen Fotografie Hundert Jahre lang wurde die analoge Kamera verbessert und ab 1950 auch mit elektronischen Bauteilen für die Blitzsynchronisation und automatische Entfernungsmessung versehen. Belichtungsmesser wurden in den 1930er Jahren erstmals in der Kamera integriert. Der Autofokus hielt in den 1980er Jahren Einzug in die SLR- und Kleinbildfotografie. Bereits Anfang der 1980er wurde der Grundstein der digitalen Fotografie gelegt. Aber erst Anfang dieses Jahrhunderts kamen die ersten Kameras mit sinnvoller Auflösung auf den Markt. Ab diesem Zeitpunkt hat die digitale Fotografie eine extrem rasante Entwicklung genommen und fast jeden Tag erscheinen Kameras mit neuen Features, die so narrensicher sind, dass selbst ein Kleinstkind nichts mehr falsch machen kann.


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Kapitel 2 | Das fotografische Sehen

Das fotografische Sehen Während meiner Arbeit sind mir immer wieder zwei Grundtypen von Fotografen, Frauen wie Männer, Hobby- wie Profifotografen, begegnet: die Techniker, die jedes Schräubchen an ihrer Kamera kennen und technisch absolut fehlerfreie Bilder machen, und die intuitiven Seher, die ein Motiv erkennen, auslösen und sich keine Gedanken über Formalien machen. Ein guter Fotograf und ein exzellentes Foto braucht aber von beidem etwas.

Mit einem „falschen“ Weißabgleich und leichter High-Key-Bearbeitung wurde dieses Winterfoto in die richtige Farbstimmung gebracht. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 138 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher


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Bestandsaufnahme Wahrscheinlich haben Sie sich sofort in einer der beiden Gruppen wiedergefunden, oder? Es spielt keine Rolle, zu welcher Gruppe Sie gehören, denn beide können, so hoffe ich, aus diesem Buch etwas mitnehmen. Egal, ob Sie sich bereits der People-Fotografie verschrieben haben oder sich erstmals mit diesem Genre auseinandersetzen. Denn wir haben alle ein gemeinsames Ziel: bessere Fotos zu machen. Gemeinsam ist uns auch die Freude am Fotografieren, ganz egal, ob als Hobby oder zum Broterwerb. Und das Wichtigste ist, dass Sie Ihre Begeisterung für die Fotografie beibehalten und Sie sich nicht von kleinen Problemen aus der Bahn werfen lassen. Damit dies nicht passiert, müssen Sie zunächst einmal Ihre Schwächen analysieren und damit Ihre Ziele definieren.

Wo stehen Sie derzeit als Fotograf und wo möchten Sie hin? Zunächst sollten Sie einmal die Kamera beiseite legen und sich zurücklehnen, um sich ein paar Fragen zu beantworten. Zuerst wäre da die Frage, warum Sie fotografieren und wie wichtig Ihnen die Fotografie ist. Dann sollten Sie darüber nachdenken, ob Sie die Aufnahmen ausschließlich für sich selbst machen oder anderen zeigen möchten? Wenn ja, was möchten Sie dem Betrachter mit Ihren Fotos zeigen? Wie gut kommen Sie mit Ihrer Kamera zurecht? Schöpfen Sie alle technischen Möglichkeiten aus oder würden Sie manchmal gerne etwas anders machen, wissen aber nicht wie? Wenn Sie ein Motiv sehen, drücken Sie dann spontan auf den Auslöser oder überlegen Sie zunächst noch einmal, ob es sich wirklich lohnt, ein Foto zu machen? Gestalten Sie Ihre Bilder bereits ganz bewusst, indem Sie gezielt den Ausschnitt bestimmen, die Schärfeverteilung wählen und den Bildaufbau bewusst wählen? Setzen Sie sich kritisch mit Ihren Fotos auseinander und sind Sie mit Ihren Bildern zufrieden? Haben Sie die Möglichkeit, auch andere Meinungen zu Ihren Fotos zu erhalten? Wenn Sie mit Ihren Aufnahmen bisher nicht zufrieden sind, analysieren Sie ganz genau, was Sie an den Fotos stört, damit Sie genau an diesen Bereichen arbeiten können. 8


Egal, in welchem Bereich Sie Ihre Schwächen sehen, wenn Sie sie erkennen, können Sie sie auch ausmerzen.

Die Bildkritik Auch wenn Sie noch so selbstkritisch sind, wird es Sie auf jeden Fall weiterbringen, wenn Sie Ihre Fotos auch anderen zeigen und diese Sie beurteilen, bewundern, bewerten oder kritisieren. Auf irgendeine Weise ist jede Meinung zum Bild interessant und nützlich, egal ob Sie vom Fotoprofi oder Ihrer Großmutter kommt, denn jeder beurteilt das Bild unter seinen subjektiven, technischen oder emotionalen Kriterien.

Der unvorbelastete Betrachter Familie, Freunde und Bekannte, die sich selbst nur als Konsument mit der Fotografie beschäftigen, sind keine Fachleute, aber in der Regel ehrlich und spontan, wenn Sie sie darum bitten. Sie können selten kompositorische und technische Kritik üben, liefern aber aus meiner Erfahrung häufig Anregungen, warum sie ein Bild mögen oder ablehnen. Einige werden wahrscheinlich außer Lob nicht viel beitragen können, was daran liegen kann, dass Ihre Bilder wirklich gut sind oder Sie der Kritiker einfach gerne hat. Wenn Sie Antworten hören wie „Das ist aber toll“ oder auch ein spontanes „Das mag ich nicht“, haken Sie einfach nach. Warum gefällt dem Betrachter das Bild besonders gut? Ist das Modell einfach toll und hat er den Rest vom Bild gar nicht gesehen oder mag er die Farben und das Sujet? Lehnt jemand das gleiche Bild ausschließlich wegen des Modells ab, findet aber die Pose und den Hintergrund toll? Ich habe oft festgestellt, dass winzige Kleinigkeiten den Betrachter für oder gegen ein Bild einnehmen. Auf Nachfrage bekomme ich Antworten, die durchaus weiterhelfen. Einmal ist das eine Auge „komisch“, der Mund irgendwie nicht richtig oder das Bild zu kalt, zu warm oder zu bunt. Und wenn ich das Bild dann noch einmal kritisch betrachte, muss ich dem Betrachter zumeist Recht geben, denn das Auge wirkt durch Perspektive, Fokus und Licht wirklich nicht harmonisch, weil mein Fokus vielleicht auf dem Mund lag. Das sagt mir zum einen, dass ich darüber andere Bildpunkte nicht vernachlässigen darf, aber auch, dass ich den Mund nicht so betont habe, wie ich wollte, denn sonst wäre dem Betrachter die Unstimmigkeit am Auge, ebenso wie mir, gar nicht aufgefallen.


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Ambitionierte Mitfotografen In Fotoclubs oder in Fotoforen im Internet haben Sie die Möglichkeit, Ihre Bilder mit Gleichgesinnten zu diskutieren. Eine aus mehreren Gründen zwiespältige Geschichte. Zum einen treffen Sie hier sicher auf Menschen mit geschultem Auge, die Ihnen technische und gestalterische Tipps geben können, zum anderen aber auch auf Bewunderer, die Ihr Bild völlig kritiklos betrachten und nicht zuletzt auf Neider, die in jeder Suppe, pardon, in jedem Auge noch ein Haar finden. Wenn Sie lernen, die Spreu vom Weizen zu trennen, bringen Sie diese Kritiken auf jeden Fall weiter. Bitte machen Sie sich aber klar, dass weder ausnahmsloses Lob Sie auf die Idee bringen sollte, Sie könnten oder müssten sich fotografisch nicht mehr weiterentwickeln, noch dass derbe Kritiken Ihnen die Freude am Fotografieren nehmen.

Profis Zeigen Sie Ihre Fotos unbedingt auch professionellen Fotografen, das können durchaus auch anerkannte Amateure sein. Ich habe bei vielen mehrtägigen Workshops immer einen Programmpunkt „Bildbesprechung“ optional angesetzt. Abends nach dem Essen kann dort jeder seine Fotobeute des Tages zeigen und besprechen. Anfänglich dachte ich immer „Da kommt sowieso keiner“, wurde aber schnell eines Besseren belehrt, als ich die Veranstaltung einmal ausfallen lassen wollte. Die gemeinsame Beurteilung der Fotos brachte den meisten Teilnehmern mehr als das tägliche Fotografieren unter Anleitung. Wundern Sie sich aber bitte auch hier nicht über herbe Kritik und lassen Sie sich durch nichts ins Bockshorn jagen. Fragen wie „Wo ist das Motiv“ und Aussagen wie „Da kann man noch was retten“ sollten Sie anspornen und nicht demotivieren. Das Vorstehende stellt praktisch einen Ist-Zustand fest, dort wo Sie im Moment fotografisch stehen. Und Sie werden sich auch durch die Bildkritiken schneller weiterentwickeln, als Sie vielleicht zunächst annehmen würden. Aber Sie können noch mehr tun, um sich Ihren Zielen in kleinen oder großen Schritten zu nähern.

Training und Wettbewerb Workshops Damit die Kritik nicht ins Leere läuft, werden Sie selbstverständlich versuchen, bei Ihren nächsten Shootings die bemängelten Punkte zu vermei-

10 Kapitel 2 | Das fotografische Sehen

den. Daneben können Sie aber auch noch versuchen, mit professioneller Unterstützung Ihre Bildergebnisse zu verbessern. In allen Regionen werden Fotoworkshops zu vielen Themen angeboten, aber diese Angebote müssen Sie sorgfältig auswählen. Leider werden sogenannte „Model-Sharings“ häufig als Workshops verkauft. Wie erkennen Sie einen seriösen Anbieter? Wenn ein Workshop ausgeschrieben wird, bei dem zehn Fotografen in drei Stunden mit nur einem Trainer und einem Modell auf einem Set arbeiten sollen, ist das garantiert nichts für Sie. Wenn aber ein Referent zu einem bestimmten Thema drei Stunden etwas erklärt, sieht die Sache schon anders aus. Zuerst entscheiden Sie also, ob Sie besser von praktischem Arbeiten oder von theoretischem Wissen lernen können. Achten Sie in praktischen Kursen darauf, dass die Proportionen von zur Verfügung stehender Zeit, Anzahl der Trainer und Modelle stimmen. Erfahrungsgemäß kann ich als Trainer höchstens mit einer Gruppe von maximal drei bis fünf Personen über einen ganzen Tag lang so sinnvoll Arbeiten, dass am Ende des Tages auch jeder etwas von dem Workshop mit nach Hause nehmen kann und damit sind nicht nur Fotos gemeint. Dazu wechseln sich am besten zwei Modelle ab. Aber auch dann kann nur ein spezielles Thema innerhalb eines bestimmten Genres angesprochen werden und nicht das ganze Spektrum. Noch besser sind 1:1-Trainings über drei Stunden, mit denen ich die besten Erfahrungen gemacht habe. Prüfen Sie also die Angebote und achten Sie auch auf die Möglichkeit der Bildbesprechung im Anschluss. Solche Trainings sind in der Regel zwar etwas teurer, bringen Ihnen aber garantiert auch mehr für Ihre fotografische Entwicklung.

Fotowettbewerbe Wettbewerbe bieten Ihnen ebenfalls gute Möglichkeiten, sich weiter zu entwickeln. Zum einen können Sie den Stand Ihrer Arbeit durch Ihre Platzierung besser einschätzen und zum anderen kann eine Jury sich mit Ihrem Foto auseinandersetzen und Ihnen ein Feedback geben. Wählen Sie solche Wettbewerbe aus, die von einer Fachjury und nicht vom Publikum bewertet werden. Ein anderer Aspekt der Wettbewerbsteilnahme ist die Schulung Ihres konzeptionellen Arbeitens. Das Thema der Competition ist in der Regel vorgegeben und Sie sind gezwungen, sich Gedanken über die Umsetzung zu machen. Das betrifft in der Regel alle Aspekte der Menschenfotografie: vom Modell über die Location bis hin zur Ausstattung und dem Licht.


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Lernen Sie Sehen Ja, das ist etwas provokant, ich weiß, und wahrscheinlich ist Ihr Augenlicht sogar wesentlich besser als meines. Doch Fotografie und das damit verbundene fotografisch geschulte Auge sieht anders. Sich die technische Seite der Fotografie anzueignen, stellt keine allzu große Schwierigkeit dar. Vielleicht dauert es ein wenig länger, alle Einstellungen zu verinnerlichen und grobmotorisch anzuwenden, damit Ihr Kopf für das eigentliche Motiv frei ist, aber ich kenne niemanden, der es nicht in relativ kurzer Zeit gemessen an einer Fotografenlaufbahn gelernt hätte. Diese Seite der Fotografie ist wie Auto fahren, in der ersten Fahrstunde überfordert Sie das Zusammenspiel der Pedale und Sie überlegen jedes Mal, wann Sie schalten und kuppeln müssen und obendrein sollen Sie auch noch auf den Verkehr achten. Genauso ist es beim Fotografieren: Die Blende, die Brennweite und die Belichtung sind die Pedale, Sie müssen entscheiden, wie Sie die Werte kombinieren, und obendrein sollen Sie auch noch darauf achten, dass das Modell gut aussieht. Etwas anders verhält es sich mit Motiv und Bildaufbau, also den eher kreativen und künstlerischen Aspekten des Fotos. Natürlich hilft Ihnen auch hier das theoretischen Wissen um alle Bildparameter und Gestaltungselemente weiter, doch im richtigen Moment auf den Auslöser drücken – das müssen Sie. Auch das praktische Arbeiten und das damit verbundene Training hilft, Ihr Sehen zu schulen und auch hier startet, solange Sie fotografieren, ganz automatisch ein immerwährender Entwicklungsprozess.

Schauen Sie sich Fotos an Aber die für mich einfachste Methode, ein Gefühl für den richtigen Moment zu bekommen, ist das Betrachten von Bildern. Zum einen, finde ich, macht es großen Spaß und zum anderen können Sie aus jedem Foto lernen, aus den guten ebenso wie den schlechten. Kaufen Sie sich Bildbände von Fotografen, deren Bilder Ihnen besonders gut gefallen, und nehmen Sie sich Zeit und Ruhe, sie immer wieder einmal zu betrachten. Unter Umständen sehen Sie während Ihres eigenen Entwicklungsprozesses die Fotos beim dritten Mal völlig anders als noch in Ihrer ersten Begeisterung. Ach ja, und machen Sie das am besten auch mit Ihren eigenen Fotos.


Daneben quillt das Internet über von Bildern berühmter und weniger berühmter Fotografen, guten wie schlechten. Schauen Sie sich ganz bewusst jeden Tag ein paar Fotos an. Stellen Sie fest, warum Ihnen ein Foto besonders gut gefällt, wie der Autor also erreicht hat, dass Sie das Bild länger anschauen, sich mit ihm auseinandersetzen. Drucken Sie das Foto vielleicht sogar aus und machen Sie sich Notizen, welche Aspekte Sie besonders gelungen finden. Lesen Sie auch Kommentare der Betrachter oder Anmerkungen des Fotografen zu dem Bild und trauen Sie sich ruhig nachzufragen, warum und wie ein bestimmter gestalterischer Aspekt des Fotos entstanden ist. People-Fotografen sind in der Regel eher extrovertierte Menschen, die gerne kommunizieren. Also werden Sie auch Antworten bekommen, wenn Sie nett nachfragen. Aber achten Sie auch besonders auf Fotos, die Ihnen nicht gefallen oder misslungen erscheinen. Analysieren Sie genau, was Ihnen falsch erscheint, und vergleichen Sie Ihre Meinung mit anderen Kommentaren zu dem Foto. So lernen Sie schnell aus den Fehlern anderer. Über all das dürfen Sie aber eines nicht vergessen: Ein Foto ist neben allem Technischen und Gestalterischem vor allem eines: Geschmackssache. Das heißt, dass Sie zu Ihrem eigenen Stil finden müssen und Ihre persönliche Sicht der Dinge nicht verbiegen, um der Masse zu gefallen. Und auch nicht alle fotografischen Regeln, Grund- und Merksätze anwenden müssen, wenn Ihnen das Ergebnis nicht gefällt.

Sehen Sie die Welt durch den Sucher Auch oder gerade wenn Sie sich auf Menschenfotografie spezialisiert haben oder konzentrieren möchten, nehmen Sie Ihre Kamera überall hin mit. Zumindest einmal für den Anfang. Sie werden sehen, alleine der Vorsatz zu fotografieren reicht aus, um die Dinge im wahrsten Sinne des Wortes in einem anderen Licht oder aus einer anderen Perspektive zu sehen. Nichts trainiert Ihr Sehen mehr. Und vielleicht machen Sie ganz nebenbei noch ein paar tolle Street-Fotografien. Belasten Sie sich aber nicht mit Ihrer gesamten Ausrüstung, die Kamera und ein Normalobjektiv reichen dafür völlig aus. Betrachten Sie auch Ihre Mitmenschen beim gemeinsamen Plausch unter dem Aspekt des Fotografen. Sie werden plötzlich feststellen, dass das Gesicht Ihrer besten Freundin oder Ihres besten Freundes zwei völlig verschiedene Seiten hat, und eventuell auch ein Muttermal entdecken, das Sie noch nie zuvor bemerkt haben, weil es einfach zu dem Menschen gehört.


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Beim inszenierten Porträt setzt nur Ihre Fantasie den Requisiten oder zusätzlichen Bildelementen Grenzen. Diese Gesichtsbondage lässt dem Betrachter Spielraum zur Interpretation. Der Fokus liegt bewusst auf dem der Kamera weiter entfernten Auge ebenso wie auf dem Mund des Modells. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Das Motiv „Mensch“ Mit dem meiner Meinung nach spannendsten Motiv in der Fotografie, dem Menschen, haben Sie sich zugleich auch ein Genre ausgesucht, das viel Einfühlungsvermögen, Geduld, auch mit sich selbst, Kommunikation und ein wenig Psychologie erfordert. Dafür werden Sie aber auch mit Feedback vom Motiv belohnt, das haben Sie in keinem anderen Genre. Alle Ihre tollen Bildideen sind abhängig von dem Menschen, mit dem Sie sie umsetzen: Ihrem Modell. Eigentlich müsste es überflüssig sein, es zu erwähnen, der Alltag zeigt mir aber, dass es notwendig ist: Behandeln Sie Ihr Modell gut. Seien Sie höflich, respektvoll und aufmerksam. Ihre Modelle werden aus allen Bereichen kommen: Hausfrauen, Geschäftsleute, Kinder, Rentner, der Lebenspartner, Ihnen völlig Fremde und bestens


vertraute Menschen und die wenigstens davon werden jemals zuvor im Leben vor einer Kamera gestanden haben. Wann haben Sie sich das letzte Mal fotografieren lassen? Noch nie? Dann sollten Sie sich das als Erstes zur Aufgabe machen. Nur so können Sie sich in das Modell hineinversetzen und den Stress spüren, dem es ausgesetzt ist. Selbst wenn für Sie das Studio ein gewohntes Umfeld ist, werden Sie sich unsicher und unwohl fühlen, wenn Sie sich plötzlich auf der anderen Seite der Kamera wiederfinden. Ich unterziehe mich dieser Tortur einmal im Jahr, um mich besser in die Situation des Modells versetzen zu können.

Das Vorgespräch Um die wesentlichen Charakterzüge eines Menschen darzustellen, ist es zwingend notwendig, ihn zumindest ein wenig kennenzulernen. Deswegen rate ich jedem Fotografen zu einem persönlichen Treffen bei einer Tasse Kaffee vor dem ersten Shooting. Das hat neben dem praktischen Vorteil, die gewünschten Aufnahmen, Kleidung und Aufnahmeort etc. detailliert zu besprechen, auch psychologische Gründe. Das Modell lernt auch Sie in diesem Gespräch ein wenig kennen, ein Stressfaktor weniger beim eigentlichen Shooting. Manchmal stellt sich in so einem Gespräch auch heraus, dass eine kreative Zusammenarbeit gar nicht möglich ist, weil sich kein Draht zueinander finden lässt, die Vorstellungen völlig voneinander abweichen. Oder dass das Modell sich, aus welchen Gründen auch immer, nicht für Ihre geplanten Aufnahmen eignet. Dann kann man immer noch gemeinsam über andere Fotos nachdenken. Lassen Sie sich bei einem Fotoauftrag vom Kunden, Ihrem Modell, genau beschreiben, welche Art und welcher Umfang von Aufnahmen gewünscht werden, und notieren Sie die Details. Beraten Sie das Modell, wenn von vornherein klar ist, dass sich einige Fotos aufgrund von individuellen Gegebenheiten nicht umsetzen lassen. Seien Sie ehrlich. Auch wenn Sie ein Modell treffen, mit dem Sie Fotos nach Ihren Vorstellungen umsetzen möchten, klären Sie jedes Detail im Vorfeld. So kommen Sie beide entspannt zu den eigentlichen Fotoaufnahmen.

Beim Shooting Zum einen ist es wichtig, das Shooting gut zu planen. Dazu kommen wir später. Denn wenn Sie hektisch oder nervös sind, weil etwas mit der Ausrüstung nicht stimmt, überträgt sich das automatisch auf Ihr Modell.


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Deswegen sollten Sie Ihre ersten Schritte besser mit einem vertrauten Menschen gehen, der es Ihnen nachsieht, wenn die Aufnahmen nicht wie geplant ausfallen und Sie während des Shootings noch ein wenig mit der Technik kämpfen.

Fotografieren von Menschen bedeutet auch immer, den richtigen Augenblick zu erkennen und zu nutzen. Kamera: Fujifilm FinePix S2 Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/11 – Brennweite 140 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Egal, ob Sie Tante Erna fotografieren oder einen wildfremden Menschen, ständige Kommunikation ist das Wichtigste am Set. Und das betrifft keinesfalls nur Posing-Anweisungen. Sie „verstecken“ sich die meiste Zeit hinter der Kamera, das bedeutet, das Modell kann Ihre Gestik und Mimik nicht sehen und deuten und muss sich auf Ihr Wort verlassen. Und sicher sein, das alles in Ordnung ist. Deswegen erkläre ich immer, was ich gerade tue und warum, selbst kleinen Kindern, die kein Wort verstehen. Aber auch allgemeine Gespräche lockern die Atmosphäre ebenso auf wie die Lieblingsmusik Ihres Modells. Auch wenn Sie die Fotos vorher besprochen haben, gehen Sie jede einzelne Einstellung mit dem Modell noch einmal durch, bevor Sie mit dem

Fotografieren anfangen. Zeigen Sie noch einmal ein Beispielfoto oder noch besser, machen Sie die Pose vor. Und machen Sie kurze Pausen, wenn eine Einstellung fotografiert ist. Stellen Sie sicher, dass genügend zu trinken und auch Kleinigkeiten zum Essen da sind, und nutzen Sie die Pause zum Anschauen und Besprechen der Bilder. Auch wenn die gewünschte Pose eingenommen wurde, sind immer noch Kleinigkeiten zu verändern. Zwei wichtige Dinge: „Guck mal anders“ ist keine Anweisung und wenn die Bluse oder das Haar nicht korrekt sitzt, bitten Sie das Modell, es zu richten, und lassen Sie sich nicht verleiten, das Modell anzufassen. Es mag Ausnahmen bei Tante Erna oder unter weiblichen Modellen und weiblichen Fotografen geben, aber ansonsten ist diese Regel unumstößlich. Präzisieren Sie Ihre Anweisungen und denken Sie auch daran, dass Sie “rechts“ und „links“ vom Modell oder von Ihnen aus gesehen angeben müssen. Dennoch führt die Anweisung „Schauen Sie bitte zu mir“ in der Regel dazu, dass sich der ganze Kopf und nicht nur die Augen der Kamera zuwenden. Überlegen Sie also genau, was Sie sagen. Richtig wäre: „Bitte bewegen Sie den Kopf nicht mehr und versuchen Sie trotzdem, in meine Richtung zu schauen.“

Weitere Personen beim Shooting Häufig werden Modelle vom Partner oder einer Freundin zu den Aufnahmen begleitet. Oder Sie arbeiten mit einem Assistenten oder einer Visagistin zusammen, die ebenfalls beim Shooting anwesend ist. Das kann sich vorteilhaft auf die Atmosphäre auswirken, kann aber auch für Unruhe am Set sorgen. Auf jeden Fall sollten Sie wissen, wenn das Modell jemanden mitbringt, und auch erklären, wer und zu welchem Zweck von Ihrer Seite aus anwesend sein wird. Oft lässt sich eine Begleitperson auch als Helfer ins Shooting integrieren und ebenso wie Assistenten und Visagisten mit letzten Korrekturen an Kleidung und Haaren betrauen oder bei Außenaufnahmen zum Halten von Reflektoren abstellen.

Manchmal kann es dem Modell beim ersten Shooting helfen, das Studiolicht und den Blitz einfach einmal aus zu lassen. Wenn es zum Sujet passt, können auch bei hohen ISO-Werten gute Porträts entstehen. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 1600. Foto: Carina Meyer-Broicher


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18 Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

Die Bildgestaltung Wie bei allem im Leben ist es auch bei der Fotografie so, dass vor der Kür die Pflicht kommt. So folgen Porträts bestimmten Formalien, die es Ihnen leichter machen, sehr gute Aufnahmen zu machen. Deswegen möchte ich Ihnen in diesem Kapitel noch einmal ein paar Grundlagen ins Gedächtnis rufen. Gemeinsam schauen wir uns an, wie sich bestimmte Aufnahmeparameter insbesondere auf Porträts auswirken und wie Sie so gut vorbereitet ins nächste Shooting gehen. Wodurch unterscheidet sich das eine Porträt von dem anderen? Was macht ein Foto so besonders, dass Sie es sich länger anschauen und fasziniert sind? Wenn wir einmal von der abgebildeten Person absehen, müssen es andere Kriterien sein, die den Unterschied ausmachen. Fragen wir uns, welche Auswirkungen die Aufnahmeparameter auf das Gesicht des Menschen haben. Von der Wahl des Objektivs bis hin zum finalen Format des Bilds tragen viel kleine Bausteine zum Gelingen eines ausgezeichneten Fotos bei.

Schon kleine Änderungen wie eine andere Brennweite und eine leichte Veränderung des Aufnahmepunkts verändern das Bildergebnis völlig. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/2.8 – Brennweite links 200. rechts 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

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Von Objektiven und Brennweiten Verschiedene Komponenten Ihres Objektivs sind wichtig für die Gestaltung eines perfekten Porträts. Dabei spielt es keine Rolle, ob es sich um ein Wechselobjektiv an einer digitalen oder analogen Spiegelreflexkamera handelt oder die eingebaute Optik an Ihrer Kompakt- oder Bridge-Kamera. Wir wollen uns in diesem Kapitel mit der Brennweite des Objektivs befassen und anschauen, welchen Einfluss sie auf die Gestaltung Ihres Fotos nimmt. Der Begriff Brennweite (f = „focal length“, aus dem Englischen = Brennweite) definiert den Abstand eines Brennpunkts (F = Fokus) von dem zugeordneten Hauptpunkt (H) auf der Bildebene. Alles klar? Nein? Mir auch nicht. Aber das Prinzip kennen Sie noch aus Ihren Kindertagen: Sicher haben auch Sie als Kind einmal versucht, mittels einer Lupe im Sommer draußen ein Feuer zu machen, indem Sie die Lupe zur Sonne gehalten haben und trockenes Gras oder Papier auf dem Boden damit in Brand gesetzt haben. Der Abstand zwischen Lupe (F) und dem Gras (H) ist die Brennweite (f).

Der Abstand zwischen der Lupe und dem Papier auf dem Holzbrett ist die Brenn weite. Foto: Tino Hemmann

Die Bauweise Anders als die Lupe besteht ein Objektiv nicht nur aus einer Linse, sondern aus mindestens drei Linsen, die in Linsengruppen angeordnet sind. Diese Linsensysteme bündeln das Licht auf dem Sensor. Je größer die Brennweite eines Objektivs ist, desto länger ist es in der Regel auch. Dies ist bei digitalen Kompaktkameras nicht auf den ersten Blick zu erkennen, deswegen wird die Brennweite immer angegeben. Allerdings bemühen sich die Hersteller um eine immer kompaktere Bauweise, auch bei Wechselobjektiven. Diese werden auch bei Zoomobjektiven mit langen Brennweiten immer kürzer, leichter und kompakter. Durch bewegliche Linsengruppen in Zoomobjektiven muss das Objektiv nicht mehr verlängert werden, um den Abstand zur Hauptebene zu verändern. Die Linsengruppen innerhalb des Objektivs sind beweglich und verändern so den Brennpunkt.

Egal, ob in Objektiven mit Festbrennweite oder Zoom sind die Linsen in Linsengruppen angeordnet. Im Querschnitt sehen Sie ein 50-mm-Objektiv links, ein 105-mmMakro in der Mitte sowie ein 70-200-mmZoom rechts. Grafik: Nikon


Die Funktion Die Brennweite eines Objektivs wird in Millimetern angegeben. Lange Brennweiten zeigen einen kleinen Ausschnitt des Motivs, der groß auf dem Foto abgebildet wird – kurze Brennweiten bilden einen großen Ausschnitt des Motivs ab, wobei die Details dann ziemlich klein sind. Einfach gesagt: Die Brennweite bestimmt, wie nah Sie ein Objekt aufnehmen. Die Brennweite bei digitalen Kameras wird zum besseren Vergleich des Bildwinkels umgerechnet auf das Kleinbildformat 24 x 36 mm angegeben. Der Bildwinkel ändert sich, wenn sich bei gleicher Brennweite die Größe der lichtempfindlichen Fläche (Sensor) ändert. Für Digitalkameras bedeutet dies, dass die Umrechnung der Brennweite auf Kleinbild abhängig von dem verwendeten Sensor ist. Da der Sensor von Digitalkameras bis auf wenige Ausnahmen kleiner ist als ein Kleinbildfilm, ist der Bildwinkel ebenfalls kleiner.

Brennweite und Bildwinkel Die gebräuchlichsten Brennweiten für digitale Spiegelreflexkameras mit dem dazugehörigen Bildwinkel umgerechnet auf Kleinbild. Sie können deutlich erkennen, wie sich mit zunehmender Brennweite der Bildwinkel verkleinert. Dies gilt auch für kompakte Zoomkameras ohne Wechsel objektiv. Foto: Martin Schwabe


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Es hat sich eingebürgert, diesen Effekt als Brennweitenverlängerung zu bezeichnen, was aber nicht richtig ist. Denn nicht die Brennweite verlängert sich, sondern der Bildwinkel und damit der Bildausschnitt. Besser ist es, hier vom Brennweiteneffekt oder Formatfaktor zu sprechen. Der englische Begriff für diesen Effekt, Crop-Faktor (aus dem Englischen „crop“ = zuschneiden/beschneiden), trifft es wesentlich genauer, denn das ist es, was durch den im Vergleich zum Kleinbild kleineren Sensor mit dem Foto passiert ist: Da der Ausschnitt kleiner wird, wird das Motiv beschnitten. Crop-Faktor

Sensorgröße

Typische Auflösung

Sensordiagonale

8,7

1/3,2“

ca. 2–3 Megapixel

5 mm

7,2

1/2,7“

ca. 3–5 Megapixel

6 mm

6,8

1/2,5“

ca. 3–7 Megapixel

6,4 mm

4,9

1/1,8“

ca. 4–10 Megapixel

8,9 mm

4

2/3“

ca. 8 Megapixel

11 mm

2

4/3“

ab 5 Megapixel

21.3 mm

1,6

APS-C

ab 6 Megapixel

27,1 mm

1,5

APS-C, DX

ab 6 Megapixel

28,3 mm

1,3

APS-H

ab 8 Megapixel

34,7 mm

1

Vollformat, FX

ab 6 Megapixel

43,3 mm

Die Crop-Faktoren der verbreitetesten Sensorgrößen im Verhältnis zum Kleinbildformat

Festbrennweite oder Zoomobjektiv? Bei digitalen Kompaktkameras stellt sich diese Frage nicht. Fast alle Digitalkameras sind mit Zoomobjektiven ausgestattet, so dass Sie die Brennweite den Bedürfnissen der Aufnahmesituation anpassen können. Der Vorteil von Zoomobjektiven bei digitalen Spiegelreflexkameras mit Wechselobjektiv liegt in der Flexibilität, die sie Ihnen bieten. Statt dreier Objektive in der Fototasche, zum Beispiel einem Weitwinkel, einem Normalobjektiv und einem Teleobjektiv, spart ein modernes 18-200-mmZoomobjektiv viel Platz, Gewicht und auch Kosten. Bei den Abbildungseigenschaften und der Lichtstärke müssen Sie allerdings Abstriche machen. Kompakte Zoomkameras wie hier die Canon PowerShot SX1100 IS bieten Ihnen einen großen Brennweitenbereich. Für dieses Modell wird eine Brennweite von 6 bis 60 mm angegeben, das entspricht einer Brennweite von 36 bis 360 mm auf Kleinbild umgerechnet. Foto: Canon


Die Einstiegsblende liegt zumeist nicht unter f/3.5. Auch Randabschattungen und Verzeichnungen bei Weitwinkel- oder Telestellung sind ein Manko von einigen Zoomobjektiven. Zoomobjektive mit größerer Lichtstärke, zum Beispiel durchgängig, also bei allen Zoomstellungen, f/2.8, und einer Brennweite von 70 oder 80 bis 200 mm sind in der Anschaffung sehr teuer.

Weitwinkelobjektive Wie der Name „Weitwinkel“ schon sagt, erweitert sich bei dieser Objektiv art der Bildwinkel gegenüber der Normalsicht. Das Motiv wird also nicht mehr so abgebildet, wie Sie es natürlich wahrnehmen, sondern der Radius erweitert sich auf zum Beispiel 75° bei 28-mm-Kleinbild. Man bezeichnet Objektive ab einer Brennweite von 35-mm-Kleinbild oder weniger als Weitwinkel. Durch den Crop-Faktor der Digitalkameras würden 35 mm jedoch einem Normalobjektiv entsprechen. Je nach Kamera und Sensorgröße zeigen hier erst Objektive ab 22 mm den gewünschten Weitwinkeleffekt. Das Weitwinkelobjektiv kommt immer dann zum Einsatz, wenn Ihr Aufnahmestandpunkt sich durch die örtlichen Gegebenheiten nicht so weit verändern lässt, dass der Abstand zum Motiv mit einem Normalobjektiv den gewünschten Bildausschnitt aufnehmen kann. Dies trifft zum Beispiel häufig bei Fotos in geschlossenen Räumen zu. Wenn Sie eine Aufnahme machen möchten, die den gesamten Raum um ein Modell zeigt, werden Sie nicht genug Platz haben, um den Raum mit einem Normalobjektiv abzubilden, der Bildwinkel wäre dafür zu klein. Aber auch im Freien kann die Begrenzung des Aufnahmestandpunkts es erfordern, ein Objektiv mit einem größeren Bildwinkel zu verwenden.

Wie das Beispiel zeigt, eignet sich ein Weitwinkelobjektiv insbesondere nicht für eine Gesichtsaufnahme. Die Verzeichnungen karikieren das Modell und die Aufnahme eignet sich höchstens zum Scherz. Foto: Carina Meyer-Broicher

Weitwinkelobjektive, hier ein Weitwinkelzoom von Nikon, eignen sich hauptsächlich für Ganzkörperporträts, bei denen viel vom Umfeld des Modells gezeigt werden soll. Foto: Nikon

Bei der Bildgestaltung erzielen Sie mit dem Weitwinkel eine größere räumliche Tiefenwirkung. Bei Brennweiten unter 24-mm-Kleinbild müssen Sie jedoch auch mit Verzeichnungen rechnen, die sich besonders bei Linien im Raum und beim Porträt auch in den Gesichtszügen bemerkbar machen. Einen Vorteil bietet der Weitwinkel jedoch bei Fotos mit schwachem Licht: Durch die geringe Brennweite ist die Schärfentiefe bei offener Blende wesentlich größer als bei langen Brennweiten. Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

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Normalobjektive Unter einem Normalobjektiv versteht man an einer analogen Spiegelreflexkamera (Kleinbild) das 50-mm-Objektiv. Der Bildwinkel dieses Objektivs entspricht nahezu dem des menschlichen Auges (45°). Sie empfinden also die Bildperspektive als normal, eben so, wie Sie das Motiv auch ohne Kamera sehen. An der digitalen Spiegelreflexkamera verändert sich aber wegen der im Vergleich zum Kleinbild geringeren Aufnahmefläche (Sensor) der Bildwinkel, es sei denn, Sie haben eine Kamera mit Vollformatchip. Er wird entsprechend dem Crop-Faktor kleiner, ein Normalobjektiv an der DSLR müsste also je nach Kamera und verwendetem Sensor 28 bis 35 mm Brennweite haben (Crop-Faktoren 1,5-1,6).

Ein Normalobjektiv an einer DSLR weist selbst bei geringem Aufnahmeabstand kaum Verzeichnungen auf und bildet das Modell so ab, wie Sie es auch ohne Kamera wahrnehmen würden. Foto: Carina Meyer-Broicher

Normalobjektive werden in großen Serien hergestellt und sind daher auch mit großer Lichtstärke (f/1.8) bei allen Herstellern günstig zu bekommen (um 100 Euro), leicht und vielseitig einsetzbar. Dramatische Perspektiven oder ungewöhnliche Abbildungsmaßstäbe sind damit jedoch nicht möglich. Um mit der 50-mm-Festbrennweite trotzdem beeindruckende Fotos zu machen, müssen Sie den Bildausschnitt besonders sorgfältig wählen.

Normalobjektive sind klein, leicht und auch mit hoher Lichtstärke erschwinglich. Um damit spektakuläre Aufnahmen zu erzielen, müssen Sie Ihre Fotos sorg fältig gestalten. Foto: Nikon

Teleobjektive Als Teleobjektiv werden Brennweiten ab 50-mm-Kleinbild, also alle Brennweiten, die einen kleineren Bildwinkel als 45° haben, bezeichnet. Teleobjektive verringern den Bildwinkel und somit den Bildausschnitt. So werden entfernte Objekte formatfüllend abgebildet. Bei der Verwendung von Teleobjektiven kommt Ihnen der Crop-Faktor zugute, so wird aus einem 200-mm-Teleobjektiv an der DSLR je nach Sensorgröße ein 300er Tele. Der Abbildungsmaßstab gegenüber dem Normalobjektiv hängt von der


Brennweite ab: So bildet ein 100-mm-Objektiv das Motiv doppelt und ein 200-mm-Objektiv das Motiv viermal so groß wie ein 50-mm-Objektiv ab. Teleobjektive haben neben dem vergrößerten Abbildungsmaßstab weitere Nebeneffekte: Die Abstände von den abgebildeten Objekten verkürzen sich scheinbar, so, als wenn Sie ohne Kamera parallel zu einem Zaun stehen und an ihm entlangschauen: Die Abstände zwischen den Pfosten werden immer kleiner. Der andere Effekt ist die geringe Schärfentiefe. Beide Mittel eignen sich ausgezeichnet zur Bildgestaltung. So lässt sich ein Porträt, mit langer Brennweite aufgenommen, vor einem unruhigen Hintergrund mittels der selektiven Scharfstellung einfach freistellen.

Eine lange Brennweite, bei diesem Foto 200 mm (300 mm KB), schmeichelt dem Modell immer. Fältchen und Hautunreinheiten werden schon bei der Aufnahme deutlich gemildert. Foto: Carina Meyer-Broicher

Teleobjektive mit Zoom sind keine Leichtgewichte und mit großer Lichtstärke auch nicht eben günstig in der Anschaffung. Dennoch sind sie ideal für Nahaufnahmen. Foto: Nikon. Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

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Brennweite

Gesicht

Oberkörper

Ganzkörper

Ganzkörper

Ganzkörper Gruppe

Hochformat

Hochformat

Querformat

Hochformat

Hochformat

20 mm

n/a

n/a

1,50 m

1,00 m

1,50 m

35 mm

n/a

n/a

3,00 m

2,00 m

3,00 m

50 mm

1,00 m

1,50 m

3,00 m

4,00 m

4,00 m

100 mm

2,00 m

3,00 m

6,00 m

8,00 m

8,00 m

150 mm

3,00 m

4,50 m

9,00 m

12,00 m

12,00 m

200 mm

4,00 m

6,00 m

12,00 m

16,00 m

16,00 m

400 mm

6,00 m

8,00 m

21,00 m

24,00 m

32,00 m

Häufig können Sie nicht frei entscheiden, welche Brennweite Sie verwenden möchten. Sie sind oft durch die lokalen Gegebenheiten in der Wahl des Objektivs eingeschränkt. Die Tabelle zeigt Ihnen, welchen Abstand Sie für den jeweiligen Porträttyp bei welcher Brennweite benötigen.

Wer die Wahl hat, hat die Qual: Wann welches Objektiv verwenden?

Beachten Sie, dass neben den empfohlenen Entfernungen für eine bestimmte Brennweite bei einem Porträttyp die Objektive in der Regel auch eine Nahgrenze haben. Unterhalb dieser Nahgrenze ist das Objektiv nicht in der Lage zu fokussieren. Kompaktkameras haben ebenso wie Makroobjektive besonders geringe Nahgrenzen. Bei den meisten Telezoomobjektiven liegt die Nahgrenze jedoch bei 2,50 m oder höher.

Den Satz: „50 mm sind eine gute Porträtbrennweite“, werden Sie auch schon öfter gehört haben. Aber wie Sie wissen, hat ein 50-mm-Objektiv an Ihrer Kamera keine 50 mm, bedingt durch den Crop-Faktor wird der Bildwinkel wahrscheinlich mindestens 75 mm entsprechen. Es sei denn, Ihre Kamera hat einen Vollformat-Chip. Und dann trifft diese alte Regel eher auf formale Brustbilder oder Ganzkörperporträts als auf Nahaufnahmen oder das Gesicht zu. Es gehört mehr zu einem außergewöhnlichen Porträt, als den Menschen nur abzubilden. Erschwerend für Sie als Fotograf kommt hinzu, dass das Modell, egal, ob aus dem privaten Umfeld, professionelles Modell, männlich oder weiblich, natürlich auch gut aussehen möchte – möglichst besser als in Natur. Deswegen hängt die Wahl der Brennweite neben den möglicherweise räumlichen Verhältnissen auch vom Modell ab. Bis Sie die Routine haben, auf einen Blick zu sehen, welches die beste Brennweite für ein bestimmtes Bild eines bestimmten Menschen ist, sollten Sie verschiedene Objektive beziehungsweise Brennweiten ausprobieren. Was nun kommt, mag Ihnen etwas mühevoll erscheinen, Sie werden aber sehen, wie schnell so Ihre Porträts den letzten Schliff bekommen: 1. Setzen Sie Ihr Modell auf einen Stuhl und bitten Sie es, möglichst die Körperhaltung nicht zu verändern.


2. Nehmen Sie ein Zoomobjektiv oder mehrere Objektive mit verschiedenen Brennweiten – einen Weitwinkel, eine Normalbrennweite, ein Tele und eine sehr lange Brennweite. 3. Daneben benötigen Sie Klebeband. 4. Fotografieren Sie auf Augenhöhe mit dem Modell und behalten Sie Blende und Belichtungszeit bei. 5. Beginnen Sie mit dem 50-mm-Objektiv, suchen Sie sich einen Aufnahmestandpunkt, von dem aus Sie das Gesicht des Modells formatfüllend im Bild haben, und machen Sie ein Foto. 6. Markieren Sie Ihren Standpunkt auf dem Boden mit Klebeband. 7. Wechseln Sie nun das Objektiv beziehungsweise die Brennweite und verwenden Sie möglichst den gleichen Bildausschnitt mit den anderen Brennweiten. 8. Dazu müssen Sie die Position wechseln, der Weitwinkel erfordert mehr Nähe zum Objekt und das Teleobjektiv einen wesentlich größeren Motivabstand. 9. Versuchen Sie auch mit den anderen Objektiven ein Foto von dem zuvor markierten Standpunkt aus.

So kann das Ergebnis Ihres BrennweitenTests aussehen: Das erste Foto wurde mit 27 mm (40 mm Kleinbild) aufgenommen und weist eine leichte Verzeichnung auf. Die Aufnahme mit dem Normalobjektiv (50 mm, 75 mm Kleinbild) wurde aus dem gleichen Abstand wie das erste Foto aufgenommen. Die beiden letzten Bilder entstanden mit einem Telezoom (145 mm > 217 mm Kleinbild und 200 mm > 300 mm Kleinbild) und unterschiedlichem Aufnahmeabstand, um den gleichen Bildausschnitt zu erreichen. Die Entscheidung für die beste Brennweite richtet sich, vorausgesetzt, die räumlichen Gegebenheiten lassen es zu, auch immer nach dem Modell. Fotos: Carina Meyer-Broicher Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

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Verwackeln Bei Aufnahmen mit langen Brennweiten besteht eine größere Verwacklungsgefahr. Wenn Ihre Kamera oder Ihr Objektiv nicht über eine Bildstabilisierung verfügt, gilt für Ihre Fotos folgende Faustregel: Verwacklungsfreie Bilder erhalten Sie ab einer Verschlusszeit von 1/Brennweite. Das heißt, dass Sie bei 200 mm mindestens eine Belichtungszeit von 1/250 Sek. wählen sollten, besser jedoch noch kürzer. Wenn die Lichtverhältnisse keine kurze Verschlusszeit zulassen, verwenden Sie ein Stativ.

Vergleichen Sie nun die Aufnahmen und achten Sie auf die unterschiedliche Bildwirkung der verschiedenen Brennweiten. Die meisten Fotos werden Ihnen gut erscheinen, andere wieder werden durch die Verzerrung des Objektivs, beim Weitwinkel zum Beispiel, eher lustig wirken. Eines werden Sie aber schnell erkennen: Bei einem sehr schlanken Gesicht lassen sich mit Weitwinkel- oder Normalobjektiv noch gute Aufnahmen machen, etwas fülligere Gesichter wirken durch die Verzerrung noch voller und nicht vorteilhaft. Ein mittleres Teleobjektiv (105 mm) wird in beiden Fällen ein gutes Ergebnis bringen, alle Telebrennweiten schmeicheln dem Modell generell. Eine lange Brennweite bringt noch einen weiteren Vorteil mit sich: Die Brennweite kontrolliert auch die Bildstaffelung und damit den Hintergrund. Kurze Brennweiten lassen den Hintergrund größer und dominanter erscheinen, die lange Brennweite reduziert das Foto auf das Wesentliche – das Modell. Bei Menschen, die es nicht gewohnt sind, vor der Kamera zu posieren, haben Sie auch noch das Plus, dem Modell nicht zu nahe auf die Pelle rücken zu müssen. Die Präsenz der Kamera rückt im wahrsten Sinne des Wortes in den Hintergrund und das Modell ist entspannter. Wenn Sie mich nach meinem Lieblingsobjektiv für Nahaufnahmen des Gesichts fragen: ein 80 bis 200 mm Telezoom, am liebsten in der 200-mm-Stellung.

Bei dieser Aufnahme wurden gleich zwei Gestaltungselemente für räumliche Tiefe angewendet: Der Vordergrund ist ebenso wie der Hintergrund sowohl unscharf als auch deutlich dunkler als das Hauptmotiv. Foto: Carina Meyer-Broicher

Räumliche Tiefe Es ist nicht ganz einfach, die dreidimensionale Welt auf einem zweidimensionalen Foto abzubilden, aber mit einigen Tricks auch nicht so schwierig. Ein Foto wird gerne zum Hingucker, wenn es scheinbar eine plastische Wirkung hat und den Betrachter förmlich ins Bild zieht. Solche Aufnahmen mit räumlicher Tiefe bestehen in der Regel aus mehreren Bildebenen, mindestens jedoch dreien: dem Vordergrund, der mittleren Bildebene und 28 Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

dem Hintergrund. Meistens wird das Hauptmotiv auf der mittleren Ebene platziert. Der Hintergrund sollte möglichst ruhig und undeutlich sein, die Hauptebene scharf und klar. Der Vordergrund dient dazu, die räumliche Tiefe zu vermitteln und den Betrachter ins Bild zu führen. Sie können das Foto auch spannender gestalten, indem Sie die Hauptebene in den Vorderoder Hintergrund legen und so den Zuschauer zum genauen Hinsehen zwingen. Sie können mittels Farben, Formen, Lichtführung und Schärfelage so bewusst jede Bildebene gestalten. Eine scharfe Hauptebene wirkt gegen einen unscharfen Hintergrund noch schärfer.

Gestaltungsmöglichkeiten Sie haben verschiedene Möglichkeiten, mit Ihrem Foto den Eindruck räumlicher Tiefe zu erzielen: ●

Die Schärfentiefe: Setzen Sie die Ebenen durch ihre unterschiedliche Schärfe deutlich voneinander ab. Dabei spielt es keine Rolle, ob Sie die scharfe Hauptebene in den Vordergrund, die Mitte oder den Hintergrund legen.

●

Das Größenverhältnis: Gleich große Bildelemente wirken kleiner, je weiter Sie vom Kamerastandpunkt entfernt sind.

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Die Linienführung: Linien, die in das Bild hineinführen, erzeugen auch Tiefe. Dies können sowohl Gegenstände wie auch Schattenlinien sein. Am wirkungsvollsten sind solche Linien, die in Fluchtpunkten münden.

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Die Helligkeit: Sie können auch durch die natürliche abnehmende Helligkeit vom Bildvorder- zum Bildhintergrund unterschiedliche Bildebenen erzeugen. Oder Sie überraschen auch hier den Betrachter mit einem hellen Hintergrund und einem dunklen Vordergrund.

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Die Schatten: Jeder Schattenwurf gibt den Bildelementen eine räumlichere Wirkung.

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Die Überlagerung: nicht vollständig sichtbare Bildelemente, die hinter sichtbaren Bildelementen versteckt liegen.

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Die Farben: Kräftige, leuchtende Farben wirken auf den Betrachter näher als verblassende, zumeist ins Bläuliche gehende Farben. Dies sieht man häufig bei Landschaftsaufnahmen, Sie können dies aber durchaus auch bei Ganzkörperporträts mit viel Umfeld anwenden.

Auch die Spiegelfotografie eignet sich sehr gut, um räumliche Tiefe zu erzeugen. Foto: Carina Meyer-Broicher


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Auf die Perspektive kommt es an Leiter oder Boden? Das ist hier die Frage. Wenn wir in der Fotografie von Perspektive reden, meinen wir die Beziehung zwischen dem Modell und dem Fotografen beziehungsweise der Kamera. Dabei bezeichnen wir die Aufnahmeperspektive aus Ihrer Sicht, also der des Fotografen. Bei Porträts soll das Modell in der Regel direkt in die Kamera schauen und so den Betrachter direkt anblicken. Das erfordert eine Aufnahme auf Augenhöhe. Aber sowohl aus Gründen der emotionalen Wirkung als auch durch eventuell zu kaschierende Schwächen des Modells ist ein Wechsel der Perspektive sinnvoll. Sie können das Szenario für die Brennweite auf Seite 26 noch um die Parameter erhöhter und niedriger Aufnahmestandpunkt ergänzen, um die veränderte Bildwirkung zu kontrollieren. Aber erliegen Sie nicht dem Irrtum, das die Brennweite die Perspektive beeinflusst. Wie Sie wissen, verändert die Brennweite nur den Bildwinkel und bildet die gewählte Perspektive damit verschieden ab.

Die Normalsicht

Die Perspektivenänderung muss nicht gleich extrem sein. Eine leichte Aufsicht wie hier schmeichelt dem Modell. Kamera: Nikon D200 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/3.0 – Brennweite 157 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


In der Regel fotografieren wir Menschen in der Normalsicht, also auf derselben Höhe. Auf Augenhöhe zu sein, ist hier wörtlich zu nehmen, Fotograf und Modell sind gleichberechtigt. Diese Ebene geben Sie als Fotograf an den Betrachter weiter. Wir sind diese Perspektive aus dem Alltag gewohnt und wählen Sie darum auch als die wohl häufigste Aufnahmeperspektive. Hierbei kommt es bei der Abbildung des Modells zu keinerlei Verzerrung und die Bildwirkung ist neutral. Dies ist für formale Porträts mit Sicherheit die beste Wahl, für kreative und künstlerische Porträts aber auf Dauer ein wenig langweilig. Eine frontale Aufnahme eines sitzenden Modells lässt dieses wuchtiger erscheinen. Außerdem wirkt diese Aufnahme statisch. Abhilfe schafft eine seitliche Körperdrehung der Person, wobei der Kopf sich wieder der Kamera zuwendet. Geringe Änderungen in der Kopfhaltung können dem Foto eine komplett andere Aussage verleihen. Das vorgestreckte Kinn und der leicht nach vorne gebeugte Oberkörper können dem Bild eine freundliche oder offene Note verleihen, zusammen mit har-

tem Licht aber auch Aggressivität darstellen. Lehnt das Modell Kopf und Oberkörper hingegen nach hinten, kann so Distanz oder auch Verletzlichkeit symbolisiert werden.

Die Untersicht Die Kamera befindet sich bei der Untersicht unterhalb des Modells. Je größer der Höhenunterschied zwischen Fotograf und Modell ist, umso stärker ist die Wirkung dieses Effekts. Das Modell erscheint größer, kann sogar bedrohlich wirken, ist auf jeden Fall wichtig, dem Betrachter überlegen und dominant. Machen Sie sich diese Wirkung auf den Betrachter bei der Wahl der Perspektive unbedingt klar. Deswegen wählen Sie die extreme Untersicht nur dann, wenn genau das Ihre Bildaussage ist. In abgeschwächter Form lässt sich so zum Beispiel auch Stolz darstellen, ohne beim Betrachter unter Umständen ein Unwohlsein zu verursachen. Die Untersicht erfordert einen gewissen Abstand zum Modell, um nicht von unten gegen das Kinn oder in die Nase zu fotografieren. Andererseits machen Extreme Ihr Foto auch interessant, der Blick bleibt länger beim Bild, wenn eine ungewöhnliche Perspektive gezeigt wird.

Eine Ganzkörperaufnahme aus der Vogelperspektive. Die extreme Aufsicht dient hier der Dokumentation des Umfelds. Kamera: Canon EOS1Ds Mark II mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/83 – 0.67 EV Sek. bei f/8.8 – Brennweite 42 mm – ISO 100. Foto: Yuri Arcurs

Die Aufsicht Bei dieser Perspektive befindet sich die Kamera oberhalb des Modells. Der Fotograf, also Sie, schauen auf das Modell herab und geben so diese Sicht auch wieder an den Betrachter weiter. Die Wirkung dieser Ansicht vermittelt Unterwürfigkeit, aber auch Verletzlichkeit. Das Modell wirkt kleiner, verliert an Macht und Bedeutung. Für diese Perspektive ist es gut, eine Leiter im Studio zu haben. Auch hier bedenken Sie bitte die psychologische Wirkung des Bilds. Mit der Aufnahmeperspektive verändert sich auch die Körperform des Modells in der Abbildung und Sie können so Problemzonen kaschieren. So schmeicheln Sie einem etwas fülligeren Modell mit einer Aufnahme von oben und auch große Nasen


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werden so zu netten kleinen Nasen. Die Untersicht lässt auch lange Beine noch länger wirken. Sie können also die Aufnahmeperspektive sowohl zur Verstärkung der Bildaussage als auch zum Vorteil der Abbildung nutzen. Ein Viertelprofil, das seine Bildwirkung aus dem Hintergrund und der farblichen Abstimmung zieht. Kamera: Nikon D100 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/100 Sek. bei f/9.0 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicherr

Ansichten Häufig auch als Perspektive bezeichnet wird die Kopfhaltung des Modells. Hier unterscheiden wir folgende Ansichten nach dem Blickwinkel des Modells:

Die Frontalansicht (en face) Das Gesicht ist dem Betrachter zugewandt und das Modell schaut den Betrachter direkt an. Dadurch wird eine große Nähe vermittelt. Eine Situation, wie wir Sie sonst nur im direkten Gespräch haben. Obwohl der Betrachter sich dem direkten Blick in die Augen nicht entziehen kann, wird sein Blick wegen der Intimität nur kurz auf den Augen verweilen.

Das Dreiviertelprofil Das Gesicht ist leicht aus der Frontalansicht gedreht. Dabei wirkt rein optisch die dem Betrachter zugewandte Seite voller, die vom Betrachter abgewandte Seite ist verkürzt und liegt dann auch häufig auch etwas im Schatten. So können sowohl breite als auch schmale Gesichtsformen bei der Aufnahme optimiert werden. Da sich die beiden Gesichtshälften eines Menschen stark unterscheiden, finden Sie heraus, welches die „Schokoladenseite“ des Modells ist, also welche Seite sich vorteilhafter abbilden lässt.

Das Halbprofil Im Halbprofil wird das Gesicht so von der Seite dargestellt, dass das zweite Auge zu erkennen ist. Auch diese Ansicht wirkt auf den Betrachter 32 Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

normal, so wie er seine Mitmenschen in einer größeren Gesprächsrunde wahrnimmt. Auch hier müssen Sie wieder die Schokoladenseite finden. Experimentieren Sie hier auch mit unterschiedlichen Blickrichtungen und deren Wirkung.

Das Viertelprofil Hierbei handelt es sich schon fast um ein Profilfoto, das zweite Auge ist nicht mehr zu sehen, aber eventuell noch seine Wimpern oder der zweite Nasenflügel.

Profilansicht (en profile) Das Gesicht wird von der Seite abgebildet. Die für uns wohl ungewöhnlichste Ansicht des Gesichts, die wir eher von der erkennungsdienstlichen Erfassung als aus der künstlerischen Fotografie kennen. In der Malerei wurde diese Ansicht gewählt, weil sie zeitgenössischen Forderungen nach Genauigkeit und Überprüfbarkeit entsprach, wie eben auf einem Fahndungsfoto heutzutage. Es findet bei dieser Art von Aufnahmen keine Kommunikation zwischen Modell und Betrachter statt. Es geht hier darum, die Kopfform des Modells hervorzuheben und die Konturen zu betonen.

Das verlorene Profil (profil perdu) Diese Dreiviertelansicht von hinten lässt nur noch die Konturen der Wangenknochen erkennen. Das Hauptmotiv sind nicht mehr die Augen, dafür werden Haare, Nacken und eventuell ein Ohr zu bildwichtigen Elementen. Der Betrachter wird zum stillen Beobachter, da er das gesamte Bild vom Modell unbeobachtet betrachten kann.

Die Profilansicht gibt dem Betrachter die Möglichkeit, „unbeobachtet“ vom Modell das Porträt lange zu studieren. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicherr


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„Komposition ist ein Mittel, nicht ein Ende, und die vollkommenste Komposition rechtfertigt nicht ein belangloses Bild. Komposition ist ein Werkzeug, um den Eindruck des Bilds zu steigern. Vorausgesetzt, dass Bildinhalt und fototechnische Behandlung gleichwertig sind, macht ein gut komponiertes Foto einen stärkeren Eindruck als eines mit schwacher Komposition. Das ist das ganze Geheimnis.“ Andreas Feininger

Die Komposition Die Komposition eines Fotos übt einen ersten wesentlichen Eindruck auf den Betrachter aus. Gestaltung und Aufbau sind hierbei Geschmackssache, aber einige Regeln sind in unseren Gehirnen fest verankert und für eine harmonische Komposition notwendig. Dennoch sind die Bildgestaltung und die dazu verwendeten Gestaltungsmittel kein Dogma. Wenn Sie mit der Fotografie beginnen, lernen Sie zunächst diese Regeln. Nach und nach werden Sie sie verinnerlichen und die Komposition fließt dann nur noch unterbewusst in Ihre Bildgestaltung ein. Und am Ende werden Sie vielleicht sogar einige dieser Gestaltungsregeln brechen, um Ihrem Foto eine ganz besondere Sichtweise zu verleihen. Aber der Prozess der Bildgestaltung ist für den Fotografen nie abgeschlossen. Ständig sucht er neue Ansätze, findet, beurteilt und verwirft sie eventuell auch wieder. Auch Sie haben Ihre bisherigen Fotos gestaltet, wenn vielleicht auch ganz unbewusst. Sie haben sich für ein Format und eine Brennweite entschieden, bewusst eine Belichtungszeit mit Blende gewählt und damit Ihr Foto gestaltet. Die Komposition entbindet Sie also nicht davon, ein gutes Motiv für Ihr Foto zu finden. Denn das Motiv steht immer an erster Stelle, es macht das Bild aus. Gestaltungsmittel wie Symbole, Farben, Flächen und Linien sollen das Motiv lediglich unterstützen und das Bild für den Betrachter „lesbar“ machen. Die Bildgestaltung ist also kein Selbstzweck, sondern eine Notwendigkeit, um dem Foto eine Aussage zu verleihen. Die Fähigkeit zu einer guten Komposition muss nicht zwingend eine natürliche Begabung sein, sie kann auch mit Sehtraining erlernt werden. Das Sehtraining selbst ist ein Prozess, der ein Leben lang andauert. Doch er verselbstständigt sich mit der Zeit, so dass Sie zum einen unbewusst weiter lernen und sich zum anderen Ihr professioneller Blick entwickelt. Aus eigener Erfahrung kann ich nur sagen, dass auch hier das Anschauen von Fotos weiterhilft. Wenn ein Foto eine starke Wirkung auf Sie hat, analysieren Sie, mit welchen Gestaltungsmitteln der Autor sie erzielt hat. Übertragen Sie das Gesehene motivabhängig auf Ihre eigenen Bilder.

Der Bildaufbau In Ihren Fotos steckt sicherlich viel Mühe und Liebe. Doch immer wieder werden auch Sie auf die Annehmlichkeiten von Autofokus und Automatik hereinfallen oder sich von Ihren Motiven in die Irre führen lassen, statt sie für Ihre Zwecke zu nutzen. Dabei sind es nur einige wenige Regeln, die eine gelungene Bildkomposition schaffen. Denn die Gestaltung des Bilds


ist die entscheidende Tätigkeit beim Fotografieren, die aber auch durch besondere Anwendungen der künstlerischen Technik bestimmt wird. Ein entscheidender Faktor für die Bildgestaltung in der Fotografie ist die richtige Proportion, also das Verhältnis von Breite und Höhe eines Fotos. Eine generelle Formel für die Bildgestaltung gibt es jedoch nicht. Gute Bilder sind – abgesehen vom Zeitgeist – mit völlig unterschiedlichen Gestaltungsprinzipien zu erzielen.

Die Gestaltungsmittel Der Blickpunkt In den meisten Quellen liest man immer wieder, dass das Auge des Betrachters eine Bildfläche immer von der linken oberen Bildecke nach rechts unten hin abtastet. Doch mittlerweile haben Versuche mit Augenkameras dies scheinbar widerlegt: Der Betrachter schaut zuerst auf den Gegenstand, der ihm am meisten ins Auge fällt. Erst dann sucht er das Bild nach weiteren interessanten Details ab. Deshalb sollte es in jedem Bild einen solchen Anziehungspunkt geben. Man nennt ihn auch Blickpunkt oder Haupt element. Hierbei ist es interessant zu wissen, dass hier eine gewohnte Form schneller erfasst wird als eine ungewohnte. Je enger Objekte im Foto zueinander angeordnet sind, desto mehr scheinen sie zusammenzugehören. Das gilt auch für Gegenstände, die durch Linien optisch verbunden sind. Wenn man dies weiß, kann man den Betrachter gezielt durch Komposition und Aufbau des Bilds lenken. In der People-Fotografie sind in erster Linie die Augen der Blickpunkt. Unterschätzen Sie aber nicht die Anziehung von zum Beispiel einer hellen Stelle im Hintergrund des Fotos, die den Betrachter auch dann ablenkt, wenn sie völlig unscharf ist.

Ein weiteres Element im Bild, hier die Rose, sollte so platziert werden, dass der Blick des Betrachters zum Hauptelement geführt wird und nicht vom eigentlichen Motiv ablenkt. Hier wurde das zum einen durch die Anordnung und zum anderen durch die Schärfentiefe gelöst. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Haupt- und Nebenelemente Bei einigen Fotos können Sie neben dem Haupt element noch mit einem Nebenelement arbeiten. Das kann zum Beispiel eine Blume oder ein anderer Gegenstand sein, den das Modell in der Hand hält. Das Nebenelement können Sie dann über die Schärfe


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steuern und gewichten. Aber dennoch wird der Blick des Betrachters auch bei einem unscharfen Nebenelement zwischen Haupt- und Nebenelement wandern und er wird selbst entscheiden, welches Motiv für ihn das wichtigere ist. Zwischen diesen beiden Aufnahmen liegt nur eine Sekunde. Es verdeutlich sehr schön die Flüchtigkeit des Augenblicks und damit das Element des zeitlichen Ausschnitts. Und es zeigt, wie wichtig es ist, im richtigen Moment den Auslöser zu drücken. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/8 – Brennweite 200 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Der Ausschnitt Mit Ihrem Foto zeigen Sie immer nur einen Ausschnitt des tatsächlichen Geschehens – sowohl in räumlicher als auch zeitlicher Hinsicht. Dabei haben Sie verschiedene Möglichkeiten, das eigentliche Motiv zu isolieren: durch die Wahl des richtigen Ausschnitts, der überflüssige Bildelemente weglässt und den Blick des Betrachters auf das Wesentliche lenkt. Denn auf einem Foto sollte es in der Regel nur einen Teil geben, der für die Bildaussage wichtig ist und entsprechend herausgestellt wird. Wenn eine

Szene mehrere Motive enthält, machen Sie auch mehrere Fotos und versuchen Sie nicht, alles in ein einziges Bild zu packen. Fragen Sie sich bei der Bildkomposition also immer, ob alles, was Sie im Sucher sehen, auch etwas zu Ihrem Foto beiträgt. Wenn nicht, ändern Sie den Bildausschnitt, indem Sie den Aufnahmestandpunkt oder die Perspektive wechseln. Gehen Sie näher an das Motiv heran oder zoomen Sie es ein, um unerwünschte Bildelemente auszuschließen. Geraten Sie nicht in Versuchung, den Ausschnitt erst später bei der Bildbearbeitung korrigieren zu wollen. Zum einen weil Sie beim Zuschneiden unweigerlich Bildpixel verlieren, zum anderen weil sich Disziplin beim Fotografieren auszahlt: Sie werden schnell lernen, die richtige Bildeinstellung zu wählen, und schulen so Ihr Auge.

Der räumliche Ausschnitt Den räumlichen Ausschnitt legen Sie durch die Wahl der Brennweite und den Objektabstand fest. Damit bestimmen Sie hier tatsächlich ein räumliches Volumen, von dem Sie auf dem Foto nur noch die zweidimensionale Projektion sehen. Eine lange Brennweite komprimiert den Raum und zeigt nur einen schmalen Ausschnitt, während eine kurze Brennweite einen großen Raum abbildet. Wenn die Umstände, große Entfernungen oder kleine Räume, Sie bei der Wahl der Brennweite nicht einschränken, müssen Sie sich also Gedanken darüber machen, welche Wirkung Sie erzielen möchten.

Der zeitliche Ausschnitt Den zeitlichen Ausschnitt legen Sie zum einen durch die Belichtungszeit fest und zum anderen durch den Zeitpunkt der Aufnahme, denn auch die Tages- oder Jahreszeit beeinflusst Ihre Aufnahme, es sei denn, Sie fotografieren im Studio. Sehr kurze Belichtungszeiten können eine Bewegung einfrieren, längere Belichtungszeiten können eine Bewegung sichtbar machen. Auch diese zeitlichen Komponenten gestalten Ihr Foto. Letztlich gibt es noch eine zeitliche Komponente, welche mit Sicherheit die schwierigste ist: im richtigen Moment auf den Auslöser drücken. Bei beweglichen Objekten gibt es oft nur einen flüchtigen Moment, in dem sich die Bewegung und alle anderen Elemente genau richtig zueinander bewegen. Genau in diesem Moment auszulösen, hat mehr mit Instinkt als mit Nachdenken zu tun. Auch die Serienbildfunktion ist hier keine Garantie: In einer Bildfolge wird oft das eine Bild zu früh und das nächste zu spät gemacht. Also verlassen Sie sich auf Ihre Intuition.


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Die Linienführung Jedes Bild besteht aus Linien und Flächen. Profi-Fotografen wissen, wie sie diese anordnen müssen, um ihre Fotos perfekt zu gestalten. Sie analysieren zuerst die Grundlinien eines Motivs, die sie zunächst vielleicht gar nicht wahrnehmen. Dies erfordert einiges an Übung und Erfahrung. Oft werden Sie bei Porträts einfach losfotografieren. Doch sehr schnell werden Sie merken, dass es sich lohnt, das Motiv vor der Aufnahme zu analysieren und seine Grundlinien zu finden. Grundlinien können zum Beispiel in Form von Armen, Schmuck oder Kleidung auftreten. Aufgrund solcher Linien, aus denen sich durch den umschlossenen Raum wieder Strukturen und Formen ergeben, bekommt das Foto Spannung. Schon nach kurzer Zeit werden Sie feststellen, dass Ihre Fotos interessanter werden. Die wichtigsten Linien im Bild sind die Waagerechte, die Senkrechte, die ansteigende Diagonale und die fallende Diagonale. Diese werden im Foto als Hauptoder Nebenlinien eingesetzt. Zusätzlich gibt es immer auch weitere freie Linien im Bild. Achten Sie darauf, dass diese die Komposition nicht stören. Die Hauptlinien, auch Kraftlinien genannt, sind wie unsichtbare Strukturen, die den Betrachter durch das Bild führen. Das Auge folgt ihnen, sie leiten es zum Hauptmotiv und verleihen dem Bild zusätzlich Dynamik.

Hier wurde das Modell zur aufstrebenden Diagonale. Zusätzlich bildet die Kleidung noch einen Winkel. Durch die Gestaltung wirkt das Foto positiver als eine Kompo sition mit senkrechter Achse. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/8 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Es macht einen großen Unterschied, ob Sie ein Foto diagonal, schräg, waagrecht, senkrecht oder gar mit Winkeln aufbauen. Bevor Sie beginnen, Gestaltungsprinzipien anzuwenden, versuchen Sie sich vorzustellen, ob Sie einen dynamischen, bewegten oder eher einen ruhigeren, sachlichen Bildaufbau erzeugen wollen. Schon durch kleine Veränderungen können ganz verschiedene Wirkungen entstehen. Denn Linien können verbinden, trennen, Bezüge herstellen und dem Bild eine Balance geben. Wenn mehrere Linien zusammentreffen, entstehen Rechtecke, Dreiecke oder Winkel, die Bewegung ins Bild bringen. Wie bei allen Kompositionen gilt auch hier: Erst wenn Sie diese Gestaltungsprinzipien verinnerlicht haben, können Sie damit beginnen, Ihr Bild bewusst entgegen dieser Prinzipien aufzubauen und zu experimentieren. Die Linienführung ist oft nicht auf den ersten Blick erkennbar, denn auch angedeutete, imaginäre Linien wie die Blickrichtung des Modells können die Bildobjekte verbinden oder in Bezug zueinander setzen und dadurch die Bildwirkung verbessern.

In der Fotografie werden neun Grundformen der Komposition unterschieden. In diesen Bildaufbau lassen sich fast alle Motive einordnen, auch der Mensch.

Die Diagonale Unter einer Diagonalen versteht man eine Linie, die von der linken unteren Ecke zur rechten oberen führt oder von der rechten unteren Ecke zur linken oberen. Alle anderen schräg verlaufenden Linien in einem Bild werden als Schrägen bezeichnet. Diagonale Linien bringen Dynamik und Bewegung ins Bild, sie assoziieren Mobilität und Fortstreben. Eine diagonale Linienführung von links unten nach rechts oben wird im westlichen Kulturkreis aufgrund der Lese- und Schreibgewohnheit positiv und somit als aufstrebend empfunden. Eine umgekehrte Linienführung, also von links oben nach rechts unten, nennt man Gegendiagonale, weil sie ein Gefühl des Abstiegs vermittelt. Wenn das Foto also keinen negativen Ausdruck erhalten soll, müssen Sie dieser Gegendiagonale eine aufstrebende Linie entgegensetzen.

Schrägen Im Gegensatz zu den Diagonalen sind die Schrägen Linien, die in einem Bild schräg verlaufen, also nicht genau von einer Bildecke in die andere. Schrägen verleihen einem Foto Dynamik. Schrägen lassen sich in allen Genres der Fotografie finden. Besonders gut können sie auch in der People-Fotografie angewendet werden. Hier kann die Schräge entweder durch die Körperhaltung des Modells oder auch durch die Perspektive der Kamera bewirkt werden. Oder halten Sie die Kamera einfach einmal schräg. Auch Hintergründe, die zusätzliche Schrägen aufweisen, können so mit in die Komposition einbezogen werden. Bei der Aufnahme von mehr als einer Person kann über imaginäre Schrägen eine Beziehung zwischen den Personen hergestellt werden. Die Waagerechte Waagerechte oder horizontale Linien sind Linien, die parallel zum unteren und oberen Bildrand verlaufen. Bildkompositionen dieser Art wirken oft statisch und das Ergebnis ist relativ langweilig. Man sollte auf jeden Fall vermeiden, nur eine waagrechte Linie in die Mitte des Bilds zu stellen, denn diese Linienführung zerschneidet das Bild in zwei Teile. Besser ist es, mehrere waagerechte Linien zu verwenden. Dies kann auch einem Foto durch die Staffelung Tiefe und Räumlichkeit verschaffen. Die Senkrechte Senkrechte oder vertikale Linien vermitteln uns aufstrebende Energie, Standhaftigkeit und Vitalität. Besonders in der Architekturfotografie wird dieses Gestaltungsprinzip sehr oft angewendet. Auch bei Personenfotos und Porträts kann man dieses Prinzip bewusst einsetzen und so von der Gestaltung her diese Attribute erreichen.


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Symmetrie und Senkrechte Diese Art der Bildaufteilung ist im Grunde nichts anderes als die spiegelbildliche Wiederholung von Bildelementen. Solche Bilder werden in der Regel als streng, klar, aber oft auch als relativ langweilig empfunden.

Winkel Wenn zwei Linien innerhalb eines Bilds aufeinandertreffen, erhält man einen Winkel. Spitze Winkel können aggressiv auf den Betrachter wirken, stumpfe Winkel wirken eher entspannend oder beruhigend, in jedem Fall aber harmonisch. Generell kann man sagen, dass Fotos mit winkelförmigen Linienverläufen nie langweilig wirken, sondern durch das Zusammenspiel zweier gegensätzlicher Richtungen Spannung entsteht.

Weitere Elemente zur Komposition Formen und Flächen sind die geometrischen Elemente der Bildgestaltung. Das Bildformat und die Einteilung der Bildfläche sind von großer Bedeutung in der Komposition. Bei Formen und Flächen muss es sich nicht um natürliche Motivbestandteile des Fotos handeln, sie können in der Porträtfotografie auch das Resultat der Linienführung sein.

Die Farben eines Fotos beeinflussen den Informationsund Stimmungsgehalt. Sie haben neben einer optischen Wirkung auch eine psychologische Komponente. Sie beleben oder beruhigen ein Bild. Das umfasst auch das Fehlen von Farben in monochromen oder schwarzweißen Bildern. Hier kann die fehlende Farbinformation verschiedene Wirkungen haben: Der Betrachter wird nicht durch Farben vom Motiv abgelenkt. Dies trifft auch auf klassische oder eher sachliche Fotografien zu. Dunkle monochrome oder schwarzweiße Aufnahmen können eine beabsichtigte düstere Bildstimmung besser vermitteln.

Muster und Strukturen Muster wirken zumeist ordentlich und harmonisch und nichts liebt das menschliche Auge mehr. Doch Muster können auch schnell langweilig sein, da sie innerhalb kürzester Zeit vom Auge abgetastet werden. Wichtig für gute Bilder mit Struktur ist der richtige Ausschnitt oder Blickwinkel. Ein gutes Bild muss eine Unregelmäßigkeit enthalten oder etwas, das aus dem Gleichklang ausbricht, das wird dann der eigentliche Blickpunkt.


Die Grafik veranschaulicht die Raumaufteilung eines Bilds nach dem Goldenen Schnitt. Die roten Linien und die daraus resultierenden grauen Flächen entsprechen der klassischen Aufteilung. Zur Festlegung des Bildpunkts reicht auch die vereinfachte Darstellung, hier die schwarzen Linien mit dem Bildpunkt im Schnitt. Im Vergleich dazu zeigen die blauen Linien die einfache Drittelung, die als grobe Faustregel verwendet wird. Diese Grafik kann beliebig gedreht und auch auf ein Hochformat angewendet werden.

Der Goldene Schnitt Es gibt viele Theorien, warum nun gerade der Goldene Schnitt mit seinem Teilungsverhältnis als „golden“ bezeichnet wird. Eine der plausibelsten Antworten ist wohl, dass der Goldene Schnitt völlig außerhalb ganzzahliger Werte und Teilungsverhältnisse liegt. Die Regel für den Goldenen Schnitt entstammt der Harmonielehre der Antike: Ein Punkt muss eine Strecke so teilen, dass sich das längere Stück zum Ganzen verhält wie das kürzere Stück zum längeren. Klingt einfach – die Formel zur Berechnung ist dagegen eher kompliziert und soll Sie hier nicht verwirren. Sie fußt auf der Zahl Phi. Es reicht, sich die Faustregel zu merken: Das längere Teilstück entspricht etwas über 60 Prozent des Ganzen, das kürzere fast 40 Prozent. Der Blickpunkt eines Fotos sollte genau im Goldenen Schnitt liegen. In der Fotografie werden die unterschiedlichsten Aufnahmeformate verwendet, angefangen beim 4:3-Format mit einem Teilungsverhältnis von ca. 1,3, über das sehr verbreitete 2:3-Format mit einem Teilungsverhältnis von 1,5 bis hin zum Breitwandformat 16:9 mit einem Teilungsverhältnis von ca. 1,7 in der Panoramafotografie. Alle diese Formate lassen keinen wirklichen Goldenen Schnitt zu, sofern man das Bild nicht im Nachhinein in der Bildbearbeitung beschneidet. Der Goldene Schnitt sollte daher nicht als zwingendes Format für ein gelungenes Foto betrachtet werden, sondern als ein Hilfsmittel zur harmonischen Gestaltung eines Bilds. In der Symbol- oder Architekturfotografie ist es dagegen oft ein bewusst eingesetztes Stilmittel, vom Goldenen Schnitt abzuweichen und so zum Beispiel perfekte Symmetrie Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

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zu zeigen. Der Effekt dieser Abweichung vom Goldenen Schnitt ist, dass das Auge an einem solchen Foto aufgrund seiner ungewohnten Linienführung hängen bleibt, um herauszufinden, was den Betrachter stört. In der People-Fotografie wird strenge Symmetrie, abgesehen von wenigen Fotos, als störend empfunden. Gerade in der Porträtfotografie haben symmetrische Bilder schnell Passbildcharakter und wirken langweilig.

Hier ist die Raumaufteilung des Fotos (siehe auch Seite 41 unten) nach dem Goldenen Dreieck gewählt. Auch hier gilt die Regel, dass die Linien sich ungefähr in einem Verhältnis von 68:32 schneiden. Wie Sie sehen, kann man die aufgelegte Grafik beliebig spiegeln oder drehen, ohne dass die Linien ihren Sinn verlieren. Die Bildpunkte, hier die Augen, liegen knapp neben den gewünschten Schnittpunkten des Goldenen Dreiecks. Diese gering fügige Abweichung ist kein Beinbruch, Sie müssen sich nicht sklavisch an diese Vorgabe halten. Auch mit dieser Verschiebung wird die grundsätzliche Harmonie des Fotos nicht gestört.

Harmonische Bildwirkung Um bessere Fotos zu machen, muss man sich intensiv mit dem Bildaufbau beschäftigen. Neben der technischen Qualität spielen der Ausschnitt sowie die Gestaltung des Bilds eine große Rolle. Bilder, die im Goldenen Schnitt angelegt sind, wirken auf den Betrachter immer harmonischer als solche, die die Grundregel nicht befolgen. Dabei ist die Anordnung der einzelnen Bildelemente wichtig. Doch warum wird diese Aufteilung überhaupt als harmonisch empfunden? Es wird behauptet, der Grund läge darin, dass diese Aufteilung auch in der Natur, zum Beispiel beim Körperbau des Menschen, festzustellen ist. Wissenschaftliche Studien haben jedoch bewiesen, dass für dieses Harmonieempfinden nicht unbedingt ein Verhältnis im Goldenen Schnitt vorliegen muss, sondern auch andere Teilungsmöglichkeiten wie eine Drittelung als harmonisch empfunden werden können. Neben dem Goldenen Schnitt gibt es auch noch weitere „Goldene Verhältnisse“, denen jedoch allen die mathematische Grundformel gemeinsam ist: das Goldene Dreieck und die Goldene Spirale sowie weitere „Goldene Teilungen“, die sich daraus ableiten lassen.

Der Goldene Schnitt in der Praxis Ein Klassiker zum besseren Verständnis des Goldenen Schnitts ist der Sonnenuntergang. Bei derartigen Aufnahmen wird der Horizont meist bildmittig und die Sonne im Bildzentrum angeordnet. Solche Fotos sind bestimmt eine schöne Erinnerung, langweilen aber schon alleine wegen des Aufbaus den Betrachter. Spannender wird das Foto, wenn Sie die Horizontlinie in das untere Bilddrittel versetzen und die Sonne ebenfalls auf einer Drittelline rechts oder links platzieren. Das Foto wirkt auf den Betrachter harmonischer, weil es annähernd den Regeln des Goldenen Schnitts entspricht. Bei vielen Kameras lassen sich Bildraster zuschalten, an denen Sie sich bei der Aufnahme orientieren können. Die Umsetzung des Grundgedankens lernen Sie schnell. Schon nach kurzer Zeit platzieren Sie die zentralen Motive des Fotos durch die Wahl des Bildausschnitts automatisch so vor dem restlichen Hintergrund, dass eine Aufteilung von etwa 68:32 gegeben ist. 42 Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

Vorgehensweise Die Gestaltung von Fotos beginnt schon im Sucher. Es macht daher Sinn, den Blick für den Goldenen Schnitt zu üben. Betrachten Sie die Grafik durch den Sucher Ihrer Kamera und versuchen Sie, sich die Teilung des Bilds mit Hilfe der eingeblendeten Sensorfelder des Autofokus oder anderer eingeblendeter Linien und Marken zu merken. Nehmen Sie sich die Zeit und entdecken Sie Ihr Motiv durch den Sucher Ihrer Kamera, es dauert nicht lange und Ihnen geht die neue Bildeinteilung in Fleisch und Blut über und Sie nehmen Ihr Motiv unbewusst aus der Mitte heraus und gestalten das Foto, bevor Sie überhaupt den Auslöser der Kamera drücken. Wenn Ihnen der Goldene Schnitt zu streng ist, dann beschäftigen Sie sich mit der Goldenen Spirale. Die Goldene Spirale entsteht durch die Aufteilung eines Goldenen Rechtecks in ein Quadrat und ein weiteres Goldenes Rechteck, dieses Rechteck lässt sich ebenso teilen und so weiter. Die Spirale ist manchmal gedanklich das bessere Hilfsmittel für die Gestaltung des Motivs durch den Sucher, weil es ausreicht, die Teile eines Motivs entlang dieser Linie auszurichten oder den Sucher so lange zu bewegen, bis das Motiv der Linie folgt. Für die Umsetzung des Goldenen Schnitts gibt es auch viele Möglichkeiten, die sich nicht nur an den Linien und Kanten eines Motivs orientieren. Auch die Licht- und Schattenverteilung in einem Porträt lässt sich in den Goldenen Schnitt legen, wobei das Licht den größeren Teil des Bilds einnehmen sollte. Zwar lässt sich bei hohen Auflösungen auch nachträglich ein Goldener Schnitt herstellen, wenn um das Motiv herum genug Raum ist, doch gehen dann immer Teile eines Fotos verloren, was durch eine bewusste Motivplanung vor der Aufnahme hätte vermieden werden können.

Auf das gleiche Foto wurde hier die Goldene Spirale gelegt. Auch sie lässt sich beliebig spiegeln oder drehen, ohne dass die Linien ihren Sinn verlieren. Hier schneiden die Linien die Augen besser.

Abweichungen Feininger fasst die Bedeutung des Goldenen Schnitts wie folgt zusammen: „Herstellung harmonischer Formatverhältnisse, Festlegung der Lage des Mittelpunkts des Interesses, Aufteilen der Komposition in einem guten Verhältnis und Festlegung der Lage des Horizonts“. Doch die Bildaufteilung nach den Regeln des Goldenen Schnitts muss nicht immer eingehalten werden. Die moderne Fotografie setzt sich gerne über die klassischen Vorgaben hinweg und hat damit auch viel Erfolg. Durch das Brechen der Regeln produziert sie ebenso ungewöhnliche wie kontroverse Bilder. Der Goldene Schnitt darf nicht als allein selig machendes Mittel angesehen werden, um spannende Fotos zu erzeugen.


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Unterschiedliche Aufnahmeformate erfordern auch unterschiedliche Bildkompositionen. Das 2:3-Format rechts lässt Ihnen gegenüber dem 4:3-Format links deutlich mehr Spielraum für die Arbeit mit den Flächen.

Das Aufnahmeformat Das Aufnahmeformat Ihrer Bilder basiert auf dem verwendeten Film beziehungsweise der Größe des in der Kamera eingebauten digitalen Sensors. Das Aufnahmeformat schränkt Ihren Gestaltungsspielraum insofern ein, als dadurch immer ein festes Seitenverhältnis vorgegeben ist, das sich nicht oder nur in sehr geringem Umfang ändern lässt. Während man zu Beginn des letzten Jahrhunderts noch einen Film mit einer Negativgröße von 4,5 x 6 cm als Kleinbild bezeichnete, gilt dieses Format aufgrund des höheren Auflösungsvermögens von Film und Sensor inzwischen als Mittelformat. Heutige Kameras orientieren sich in ihrer Bezeichnung an dem Kleinbildformat von 24 x 36 mm. Nachdem unsere Sehgewohnheiten lange Zeit durch die Filmformate bestimmt worden waren, übernahm ab den 1970er Jahren das Fernsehen zunehmend die bestimmende Rolle bei der Beeinflussung des Sehempfindens. Das häufigste Bildformat im Fernsehen war 4:3 und dieses Format wurde mit Aufkommen der digitalen Kompaktkameras auch als klassisches Sensorformat übernommen. Derzeit sind fast alle Kompaktkameras mit Sensoren im Format 4:3 ausgestattet. Bei den digitalen Spiegelreflexkameras bietet nur Olympus das Format 4:3 an. Alle anderen Hersteller haben im Bereich der Spiegelreflexkameras das Format 3:2 beibehalten. Die Kameras unterscheiden sich nur in der verwendeten Sensorgröße, nicht jedoch im Seitenverhältnis.

Das Ausgabeformat Während der Aufnahme sind Sie an das vorgegebene Format des Aufnahmemediums gebunden. Bei der Ausgabe der Bilder, sei es digital am Moni44 Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

tor oder als gedrucktes Bild, sind Sie deutlich flexibler, zumal die heutigen Digitalkameras ausreichend hohe Auflösungen haben, um auch Ausschnitte aus einer Aufnahme in einer ansprechenden Qualität darzustellen. Bei der Ausgabe der Bilder auf Fotopapier sollten Sie auf die Formatvorgaben achten, da sich diese leider nicht immer mit den üblichen Aufnahmeformaten decken. Je nachdem, wie Sie Ihre Bilder belichten lassen, entstehen weiße Ränder an den Längs- oder Querseiten oder Teile des Bilds werden abgeschnitten. Die bei den Ausbelichtern angebotenen Abzüge orientieren sich fast immer an den beiden Bildformaten 4:3 und 3:2. Sie müssen also bei der Auswahl des Ausgabeformats darauf achten, in welchem Aufnahmeformat Ihr Bild vorliegt. Noch komplizierter wird es, wenn Sie Ihre Bilder mit einem Fotodrucker selbst drucken. Fotopapier hoher Qualität wird häufig im Format DIN A4 angeboten. Leider deckt sich DIN A4 weder mit dem Format 4:3 noch mit dem Format 3:2, sondern es liegt genau dazwischen. Sie werden beim Drucken also nicht umhinkommen, Ihre Fotos im Bildbearbeitungsprogramm passend zuzuschneiden oder nach dem Druck die unschönen Ränder abzuschneiden. Viele Belichter bieten heutzutage auch noch diverse Zwischenformate an. Allerdings sind diese Zwischenformate aufgrund des höheren Aufwands teilweise deutlich teurer als die Standardformate, die Sie anschließend selber beschneiden können.

Das Bildformat und die Bildwirkung Neben den rein technischen Abhängigkeiten des Formats gibt es noch einen wichtigen Aspekt, der bisher nicht berücksichtigt wurde: die Wirkung eines Bilds aufgrund des Bildformats.

Das Querformat Das Querformat kommt unseren Sehgewohnheiten am nächsten. Nicht ohne Grund finden wir es im Film, Fernsehen und auf dem Computerbildschirm wieder. Da unsere Augen nebeneinander angeordnet sind, ist unser Sichtfeld eher auf breit denn hoch fixiert. So werden auch die meisten Fotos im Querformat aufgenommen. Allerdings orientiert sich beim Fotografieren das Format nicht an den Sehgewohnheiten, sondern am Motiv. Und der Mensch als Motiv, besonders im Porträt, verleitet uns automatisch zur hochformatigen Aufnahme. Das Querformat eignet sich am besten für Gruppenaufnahmen oder stark angeschnittene Close-ups. Allerdings gibt Ihnen bei der Aufnahme eines stehenden Modells der leere Raum im Foto auch Spielraum für spannende Kompositionen.


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Das Hochformat Obwohl das Hochformat sich besser für Porträts eignet, wird es vom Betrachter immer als etwas Unerwartetes betrachtet. Das menschliche Gehirn empfindet es aufgrund der Sehgewohnheiten als Ausschnitt und versucht automatisch die vermeintlich fehlenden Bildteile rechts und links zu ergänzen. Das gibt Ihnen als Fotograf die Möglichkeit, spannendere und dynamischere Bilder zu schaffen als im wesentlich statischeren Querformat.

Das Quadrat Das quadratische Format findet sich heute nur noch selten. Nur Mittelformatkameras haben nativ eine gleiche Kantenlänge. So bedeutet das Quadrat immer einen nachträglichen Beschnitt der Aufnahme, egal ob das Original im Hoch- oder Querformat aufgenommen wurde. Planen Sie diesen Beschnitt aber unbedingt bereits bei der Aufnahme des Fotos und stimmen Sie Lichtführung und Bildkomposition darauf ab. Wenn Sie im Querformat aufnehmen, bildet das Bildraster eine gute Orientierung, indem Sie das letzte Drittel der Aufnahmefläche gedanklich ignorieren.

Das Panorama Aufnahmen in der Menschenfotografie, die dieses Format haben, sind eher selten. Manchmal dient eine Dehnung des Seitenverhältnisses zur Unterstützung des Motivs. Es gibt dem Modell eventuell mehr Raum in Blickrichtung oder wird notwendig, weil das Bild zum Beispiel für ein Banner im Internet verwendet werden soll. Das Panorama bietet Ihnen auch bei einer Ganzkörperaufnahme die Möglichkeit, eventuell störende Bildelemente durch Beschnitt zu eliminieren.

Angelegt wurde das Foto für ein quadratisches Ausgabeformat und nur so wirkt das Ergebnis stimmig und die Komposition bewegt sich wieder im Goldenen Schnitt. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 230 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Die Szene vorbereiten Besonders dann, wenn Sie neu im Genre Menschenfotografie sind, sollten die Vorbereitungen für ein Shooting gut geplant werden. Aber auch als alter Hase passiert es mir häufig, dass ich ein bestimmtes Accessoire einfach deswegen vergesse, weil ich mir keine Merkliste gemacht habe. Das ist nicht nur ärgerlich und kostet Zeit, sondern ist häufig auch nicht zu ersetzen und so müssen Sie eventuell eine ganze Szene streichen. Überlegen wir uns also zuerst, was wir bei der Planung berücksichtigen müssen. Dazu leihen wir uns aus dem Journalismus einfach einmal die Fragen „Wer, wann, wo, was und warum?“ aus. Das sollte alle Bereiche unserer Planung abdecken.

Wer? In der Regel sollten Sie Ihr Modell bereits im Vorgespräch kennengelernt haben. Wenn das aus Gründen der Entfernung nur telefonisch stattgefunden hat, kennen Sie aber zumindest den Namen, das Geschlecht und das Alter. Eventuell haben Sie auch bereits Fotos gesehen und können aus diesen Informationen bereits Entscheidungen hinsichtlich der benötigten technischen Ausstattung treffen wie zum Beispiel weiches oder hartes Licht.

Wann? Tages- und Jahreszeit haben Einfluss auf die Lichtverhältnisse. Sie planen Außenaufnahmen oder Fotos on Location hinsichtlich der Lichtverhältnisse und der Lichtrichtung. So wissen Sie genau, ob Sie zusätzliche Lichtquellen benötigen und bestimmte Aufnahmezeiten unbedingt meiden müssen. Das „Wann“ wird allerdings in der Event-Fotografie durch einen festen Termin bestimmt.

Wo? Der Aufnahmeort bestimmt nicht nur, ob eventuell zusätzliches Licht benötigt wird, sondern beeinflusst auch den Bildhintergrund, wenn Sie nicht gerade im Studio fotografieren. Das fließt in Ihre Überlegungen hinsichtlich des Bildausschnitts und der Brennweite ein.

Was? Das Modell, so weit klar. Aber hier geht es mehr darum, in welchem Rahmen die Aufnahmen stattfinden. Das Umfeld nimmt Einfluss auf die Art des Porträts. Entstehen formelle Aufnahmen oder entspannte Fotos in gemütlichem Umfeld? Kapitel 3 | Die Bildgestaltung

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Warum? Die letzte Frage ist wahrscheinlich die wichtigste. Es geht um den Zweck der Aufnahmen. Benötigt das Modell die Bilder für private oder berufliche Zwecke oder sollen Aufnahmen für eine neue Sedcard des Modells entstehen? Sollen sie in einer Zeitschrift oder einem Buch veröffentlicht oder in einer Ausstellung gezeigt werden? Der Verwendungszweck der Fotos gibt Ihnen in der Regel eine ganz bestimmte Richtung der Fotos vor. Anhand der Antworten auf diese Fragen stellt sich Ihre Ausrüstung zusammen und Sie können mittels Erfahrungen aus ähnlichen Shootings auf eventuell auftretende Probleme vorbereitet sein. Das schließt Notfallpläne für schlechte Wetter- und Lichtverhältnisse ebenso ein wie Verspätungen und den Ausfall von Technik wie zum Beispiel die Ersatzkamera und den Zweitblitz bei einmaligen Events wie Hochzeiten. Listen sind ein sinnvolles Hilfsmittel, um gegen fast alle Eventualitäten gewappnet zu sein.

Listen: Ausrüstung Alles, was in die Fototasche muss, von Kamera über Objektive bis hin zu geladenen Akkus ebenso wie zusätzliches Licht in Form von Reflektoren über Blitzgerät bis hin zu Studioblitzen oder -lampen.

Zeitplan Planen Sie den zeitlichen Ablauf besonders dann, wenn Sie oder das Modell nur ein eingeschränktes Zeitfenster zur Verfügung haben oder die Location nur für einen begrenzten Zeitraum zur Verfügung steht.

Motivliste Halten Sie stichpunktartig oder mit Beispielbildern alle Motive fest, die Sie aufnehmen möchten. Ordnen Sie die Liste nach Wichtigkeit. Oftmals vergeht die Zeit schneller als geplant und so nehmen Sie die wichtigen Motive am Anfang auf und ärgern sich nicht, wenn am Ende keine Zeit mehr dafür bleibt.

Personen Die Mobilfunknummern aller Beteiligten an den Aufnahmen. Das können neben der des Modells oder der Modelle auch die des Assistenten, der Visagistin oder die von Helfern sein. So können Sie Ihre eigene Verspätung mitteilen und sich über Verspätungen der anderen informieren und gegebenenfalls den Zeitplan über arbeiten.


Umgebung und Hintergrund Das Umfeld Wenn Sie nicht im Studio fotografieren, hat das Set Ihnen viel mehr zu bieten als einen einfarbigen Hintergrund. Und auf einmal werden die Umgebung und der Hintergrund zu einem wichtigen Teil Ihres Porträts. In der Regel beherrscht das Gesicht des Modells das Porträt. Aber häufig kann es für die Bildaussage auch wichtig sein, dem Umfeld einen prominenteren Platz im Foto einzuräumen. Das trifft sowohl auf Arbeitsporträts zu als auch auf Homestorys, bei denen das Modell in seiner gewohnten Umgebung gezeigt wird. Oder Inszenierungen erfordern ein ganz bestimmtes Umfeld, um die Bildaussage zu stützen. Wenn Sie on Location arbeiten, müssen Sie abgesehen vom Modell auf viele Kleinigkeiten achten, die den Bildeindruck später mindern können. Kalkulieren Sie hier entsprechend mehr Zeit ein.

Checkliste: Ordnung Muss das Set aufgeräumt werden? Stören herumliegende Gegenstände und lenken vom Hauptmotiv Mensch ab? Stehen Türen, Schranktüren und Schubladen offen? Eventuell müssen Gegenstände im Vordergrund entfernt und Lampen umgestellt werden.

Hintergrund Ist der Hintergrund zu dominant und zieht die gesamte Aufmerksamkeit auf sich? Achten Sie hier besonders auf kontrastreiche Farben in Wandschmuck jeglicher Art. Entweder lässt sich das Bild abnehmen oder durch Veränderung des Ausschnitts weniger auffällig in das Foto integrieren. Aber mit offener Blende und etwas Abstand des Modells von der Wand bietet ein Wandschmuck eventuell sogar einen hervorragenden Hintergrund. Reflexionen Gibt es stark reflektierende Elemente im Raum? Achten Sie auf Spiegel sowie spiegelnde und glänzende Oberflächen. Zum einen können unbeabsichtigte Reflexionen die Bildwirkung stören und zum anderen müssen weder Sie noch Ihre Ausrüstung unbeabsichtigt als Spiegelung im Bild erscheinen. Auch hier hilft eine Veränderung des Ausschnitts. Im schlimmsten Fall müssen Sie auch hier wieder etwas umdekorieren.

Requisiten Oftmals scheitert ein tolles Foto an einer Kleinigkeit, nämlich an einem fehlenden Requisit. Stellen Sie sicher, dass alle geplanten Gegenstände vor Ort vorhanden sind. Das können zum Beispiel für ein Business-Porträt eine Wirtschaftszeitung und ein Laptop sein.


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Beleuchtung Stellen Sie fest, ob Sie zusätzliches Licht benötigen und wenn ja in welcher Form. Oft reichen der Aufsteckblitz und ein Reflektor aus. Wenn Sie Studioblitze mitnehmen, überprüfen Sie, ob genügend Steckdosen in Reichweite sind oder noch eine Kabeltrommel benötigt wird.

Der Hintergrund Bei Aufnahmen außerhalb des Studios ersetzen Sie zumeist einfarbige Hintergründe und absolut planbares Licht durch eine spannendere, aber auch schwierigere Umgebung. Der Hintergrund ist all das, was sich hinter dem Modell befindet, also die letzte Ebene im Bild. Sie werden sich in der Regel einen Aufnahmeort wählen, der zum Modell und der Art der geplanten Aufnahmen passt. Aber trotz weit geöffneter Blende kann sich ein solcher Hintergrund deutlich stärker auf das gesamte Bild auswirken, als Sie es geplant haben. Das menschliche Gehirn setzt auch aus unscharf abgebildeten Bildelementen wieder das scharfe Ganze zusammen. Je stärker also das Hauptmotiv, Ihr Modell, das Foto dominieren soll, um so schlichter in Farbe und Struktur muss der Hintergrund sein. Aber auch eine farbneutrale Hauswand birgt kleine Tücken wie Schmutzflecken oder Reflexionen. Versuchen Sie, die gröbsten Störungen zu vermeiden, und retuschieren Sie kleine Stellen anschließend digital.

Frisur & Make-up Haare und Frisuren Bei Porträts spielen die Haare eine nicht ganz unwesentliche Rolle. Dabei geht es zunächst einmal gar nicht um das Styling, sondern ihre Bedeutung für die Beurteilung des Modells durch den Betrachter. Auch Haare oder ihr Fehlen vermitteln bei Männern wie Frauen Gesundheit und Frische. Ausgenommen hiervon sind modische Kahlköpfe, die andere Anforderungen an Sie stellen.

Foto: Martin Schwabe


Exotisch anmutende und farbenprächtige Haartrachten können so dominant wirken, dass sie sogar vom Gesicht ablenken und das Haar zum Hauptmotiv machen, eine Wirkung, die höchstens in den Bereichen Fashion, Glamour und Beauty gefragt ist, aber nicht bei einem eher klassischen oder formalen Porträt. Tückisch sind auch einzelne Haare oder Haarsträhnen, die sich immer wieder ins Gesicht verirren, durchs Auge laufen und nur mühsam in der Retusche wieder zu entfernen sind. Bitten

Sie Modelle mit langen Haaren, sich diese noch einmal sorgfältig aus dem Gesicht zu streichen, denn Sie werden einzelne Haare weder im Sucher noch im Display sehen, sondern erst zu Hause am Monitor. Grundsätzlich sollten die Haare das Gesicht nur umrahmen und weder Augen noch andere bildwichtigen Elemente verdecken. Kommt der Frisur mehr Bedeutung zu, sind wir schnell wieder weg vom klassischen Porträt und in der Modefotografie. Dennoch sollten Sie die Haare insbesondere bei der Ausleuchtung nicht vernachlässigen, auch wenn sie bereits im Bereich der Unschärfe liegen. Besonders dunkle Haare neigen dazu, zu einer schwarzen Masse ohne Struktur zu verschmelzen, wenn sie nicht beleuchtet werden. Lockern Sie die Haare etwas auf und gönnen Sie ihnen ein zusätzliches Licht oder einen Reflektor.

Make-up Auch beim Make-up sprechen wir nicht von einem Beauty-Styling, sondern ebenfalls wieder von einem klassischen Porträt. Hier geht es in erster Linie um den Hautton, mit dem der Betrachter Gesundheit und Schönheit von Frauen wie Männern in Verbindung bringt. Hautrötungen oder -flecken lassen sich vor dem Foto wesentlich einfacher reduzieren als anschließend am PC. Ein gutes, vor allem mattes Make-up spart Ihnen eine Menge Arbeit und verhindert Reflexionen, die besonders auf der Stirn und der Nase entstehen. Ob sich das Modell selbst schminkt, bereits professionell geschminkt zum Shooting kommt oder Sie mit einer Visagistin zusammenarbeiten, sollte von Fall zu Fall entschieden werden. Die meisten weiblichen Modelle wissen in der Regel ganz genau, welches Make-up ihren Typ am besten unterstreicht und wie kleinere Mängel durch das Schminken ausgeglichen werden. Professionelle und semiprofessionelle Modelle haben meistens Kurse besucht und kommen auch ohne Visagistin bestens klar. Klären Sie auf jeden Fall im Vorgespräch, wie das Schminken gehandhabt werden soll.

Ein Blick hinter die Kulissen: Professionelle Visagisten kommen auch unter den unmöglichsten Umständen zurecht. Allerdings wird der Strom vom Generator statt für das Licht dann schon einmal für den Föhn gebraucht. Visagist: Argos Montero, Köln


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Es kann in keinem Fall schaden, wenn Sie selbst sich auch zumindest mit den Grundlagen des Make-ups auseinandersetzen. So sind Sie zum einen für den schlimmsten Fall gerüstet und zum anderen können Sie präzise Anweisungen zum Schminken geben. Haben Sie auch stets eine kleine Auswahl an Schminkutensilien im Gepäck oder Studio vorrätig. Hierzu gehören in erster Linie matter Puder in verschiedenen Hauttönen, Wimperntusche, Kajal, verschiedene Lidschatten, Lippenkonturstifte, Lippenstifte und Lip-gloss. Haarbürste, Kamm, Haarspray und Styling-Gel runden das Sortiment ab. Verwenden Sie aus hygienischen Gründen zum Auftragen auswaschbare Pinsel, Applikatoren sowie Wattestäbchen und -Pads. Was das Make-up selbst angeht, gibt es ein paar Grundsätze: Betonen Sie den Teil des Gesichts, auf dem später auch der Fokus liegt. Lenken Sie nicht mit auffälligem Lippenstift von den Augen ab oder mit farbenfrohem Lidschatten von den Lippen. Lippen lassen sich mit Konturenstiften verkleinern, wenn Sie den Stift innen auftragen und entsprechen vergrößern, wenn der Lip-liner außen aufgetragen wird. So lassen sich auch Unregelmäßigkeiten in der Lippenform ausgleichen.

Im Studio benötigen das Modell und die Visagistin einen ruhigen Platz abseits vom Set zum Schminken. Visagistin: Esther Schnorrenberg, Köln.

Die Farbwahl richtet sich in der Regel nach der Kleidung des Modells. Daneben bestimmt auch der Typ des Modells die Töne des Make-ups, also die Wahl wärmerer oder kühlerer Farben. Kleine oder tiefliegende Augen können mit hellem Lidschatten optisch vergrößert werden. Verzichten Sie hier auf dunkle Töne und dunklen Kajal, der die Augen noch kleiner macht. Wenn Sie von vorne herein Schwarzweißfotos planen, sollte das Make-up kräftiger ausfallen. Die fehlende Farbwirkung reduziert die Wirkung erheblich. Bei wirklich wichtigen Aufnahmen oder Auftragsarbeiten sollten Sie die Hilfe einer Visagistin in Anspruch nehmen. Hier helfen präzise Anweisungen und einer langfristigen und reibungslosen Zusammenarbeit steht nichts im Wege. Sprechen Sie also vorher mit dem Make-up-Artist ihre Vorstellungen genau ab und zeigen Sie an Beispielen, welche Vorstellungen Sie haben. Ich mache beim Frisör beim Durchblättern der Modezeitschriften immer „Notizen“ mit der Kamera des Handys und kann so genau zei-


gen, was ich mir vorstelle. Planen Sie die Zeit für das Schminken unbedingt in Ihren Shooting-Ablauf ein. Rechnen Sie bei einem Tages-Make-up mit einer halben Stunde und planen Sie für aufwändige Beauty-Shots inklusive Hair-Styling bis zu drei Stunden ein.

Kleidung & Accessoires Die Auswahl der Kleidung können Sie nur bei Nahaufnahmen vernachlässigen. Aber schon bei einem Oberkörperporträt kommen Hemd oder Bluse mit auf das Foto und nehmen einen beträchtlichen Teil der Bildfläche ein. Der Betrachter zieht aus der Bekleidung automatisch Rückschlüsse über die abgebildete Person. Deswegen müssen Sie dem Outfit eine größere Bedeutung beimessen, als Sie dies vielleicht möchten, und zwar abhängig von der Intention und dem Sujet der Aufnahmen.

Kleidung spiegelt die Persönlichkeit

Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)

Auch hier gilt bei klassischen Porträts, dass die Kleidung die Persönlichkeit des Modells unterstützen soll und nicht selbst zum Motiv wird. Klären Sie bereits im Vorgespräch die Verwendung der Aufnahmen und damit auch die mitzubringende Kleidung. Ein Shooting umfasst zumeist verschiedene Aspekte der Persönlichkeit. Dementsprechend werden diese Facetten auch von verschiedenen Kombinationen von Oberbekleidung unterstützt. Einen eher sportlichen Menschentyp in ein elegantes Kostüm zu stecken, ist da eher kontraproduktiv. Die verschiedenen Perspektiven durch die Kleidung zu zeigen, ist der richtige Weg. Bitten Sie das Modell, neben BusinessKleidung auch Freizeit- und Abendkleidung mitzubringen. So können Sie das Modell in verschiedenen Lebenssituationen zeigen. Weisen Sie darauf hin, knallige Farben und auffällige Muster nach Möglichkeit zu vermeiden. Auch stark reflektierende und auffällige Applikationen sollten Sie umgehen. Sicherheitshalber sollte das Modell eine Auswahl mitbringen, aus der Sie das Passende auswählen. Bei Porträts im Kontext sollten Sie das Modell auch in der dazu gehörenden Kleidung fotografieren, das kann der Anzug bei Business-Fotos ebenso wie der Kittel oder Blaumann in anderen Berufen sein. Meine oberste Prämisse bei der Auswahl der Kleidung ist immer, dass sich das Modell in der Kleidung wohl und nicht „verkleidet“ fühlt. Das tollste Kleid verliert seine Wirkung, wenn das Modell so ein Kleid niemals trägt und sich sichtlich


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unwohl darin fühlt. Ein entspanntes und glückliches Gesicht im Lieblings-T-Shirt ist für das Bildergebnis wesentlich sinnvoller. Anders bei inszenierten Aufnahmen: Hier schlüpft das Modell in eine Rolle, zu der auch das „Kostüm“ gehört. Aber hier charakterisieren Sie das Modell auch nicht, sondern die Persönlichkeit des Menschen tritt vollständig hinter seiner Rolle zurück. Es ist weder bei Bewerbungsfotos noch bei Fotos für die Partnersuche sinnvoll, die Persönlichkeit hinter der Kleidung zu verstecken und mit der Aufnahme eine andere Persönlichkeit zu suggerieren. Spätestens beim Vorstellungsgespräch oder ersten Date fliegt der Etikettenschwindel auf und das Modell gerät in einen Erklärungsnotstand.

Schuhe und Schmuck

Besonders auffälliger Schmuck muss auf das gesamte Styling abgestimmt sein. Achten Sie bei funkelnden Steinen und Perlen unbedingt auf unschöne Reflexionen und Überstrahlungen. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/80 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher.


Zum Outfit sowie zur Abrundung der Persönlichkeit gehören auch die passenden Accessoires. Angefangen von den Schuhen, die bei Ganzkörperporträts auf die Kleidung sowohl farblich wie auch vom Stil her abgestimmt werden müssen, bis hin zum Schmuck. Der Turnschuh zum Anzug mag zwar bei einem Fernsehmoderator noch witzig sein, hat aber auf einem Business-Porträt nichts zu suchen. Es sei denn, der porträtierte ist überzeugter Turnschuhträger und es ist Teil seiner Persönlichkeit. Sie sehen, es ist gar nicht so einfach, allgemeingültige Regeln für das Outfit aufzustellen. Auch die Schuhe lassen beim Betrachter wieder Rückschlüsse auf die Persönlichkeit zu und charakterisieren das Modell. Turnschuhe, Arbeitsschuhe, Gummistiefel, High-Heels oder flache Pumps assoziieren bestimmte Wesenseigenschaften und Berufsgruppen und sollten auch so eingesetzt werden. Der Schmuck gehört ebenso wie die Kleidung zur Persönlichkeit eines Menschen. Deswegen sollte er nur in Ausnahmefällen abgenommen oder verändert werden, nämlich dann, wenn er zu stark ablenkt, weil er zu groß oder zu auffällig ist. Bei Männern trifft das in der Regel auf auffällige Uhren zu, die den Blick anziehen und leicht abgenommen oder mit dem Ärmel verdeckt werden können. Bei Ohrringen und Piercings muss

man abwägen. Großer, auffälliger Ohrschmuck lenkt in der Regel von den Augen ab. Wenn Ohrringe oder Piercings jedoch abgenommen werden, bleiben in der Regel kleine Löcher sichtbar, die entweder überschminkt oder in der Bildbearbeitung retuschiert werden müssen. Wechseln Sie hier lieber den Ohrschmuck gegen einen kleineren, unauffälligeren aus. Wenn das Piercing immer getragen wird, sollte das auch beim Foto so sein. Durch die Perspektive, Lichtführung und den Aufnahmestandpunkt müssen Sie dann versuchen, es weniger dominant im Bild zu platzieren.

Brillen

Mit ein wenig Geduld lassen sich auch Brillen schattenfrei und ohne Reflexion ausleuchten. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/11 – Brennweite 250 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Brillenträger stellen immer eine Herausforderung an den Fotografen dar. Brillen reflektieren, spiegeln, verdecken die Augen und machen sie je nach Art der Fehlsichtigkeit kleiner oder größer. Bei Brillen, die nur zum Lesen getragen werden müssen, ist es eine Überlegung wert, sie einfach ganz wegzulassen. Trägt das Modell jedoch ständig eine Brille, sollte sie mit aufs Porträt. Hierbei müssen Sie ganz besonders darauf achten, dass Brillenrahmen oder -glas das Auge nicht durchschneiden. Die Brille muss gegebenenfalls etwas höher oder niedriger aufgesetzt werden, als sie üblicherweise getragen wird, um einen solchen Schnitt zu vermeiden. Reflexionen oder Spiegelungen müssen Sie durch Heben, Senken oder Drehen des Kopfs eliminieren. Machen Sie hier zur Sicherheit ein paar Fotos mehr als sonst, weil Sie auf dem Display der Kamera nicht immer jedes Detail erkennen können. Kontaktlinsen sind eine Alternative, aber leider immer etwas größer als die Iris. So sind die Ränder der Linsen bei Nahaufnahmen immer zu sehen, manchmal leider auch erst nach dem Shooting am Monitor. Fragen Sie vorher nach Linsen und lassen Sie sie das Modell falls möglich lieber entfernen. Bei stark fehlsichtigen Menschen, und ich spreche da als „Betroffene“, passiert es häufig, dass sich nach dem Entfernen von Sehhilfen ein Schielen einstellt, also ein Auge beim verzweifelten Versuch des Fokussierens abwandert. Hier hilft entweder, die Augen bis zum Auslösen geschlossen zu halten oder sich doch für Fotos mit Sehhilfe zu entscheiden.


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56 Kapitel 4 | Die Belichtungsmessung

Das Licht Das Licht und nicht die Kamera stellen Ihr wichtigstes Handwerkszeug dar. Ohne Licht sind Sie ein Maler mit einer leeren Leinwand ohne Farben. Denn nicht umsonst heißt fotografieren „Malen mit Licht“. Licht ist in mehr oder weniger großen Mengen immer und überall vorhanden. Es ist an Ihnen, es zu erkennen, zu steuern und lenken, zu ergänzen und zu nutzen. Oder kurz: es zu beherrschen.

Ein Klassiker in der Available-Light-Fotografie ist die Nutzung des durch ein Fenster einfallenden Lichts. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 4 | Die Belichtungsmessung

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Die Belichtungsmessung Als erfahrener Fotograf kommen Sie in einen Raum, sehen die Fenster und Türen und Ihr Gehirn übersetzt: Lichtquellen. Auch die Helligkeit übersetzen Sie in ISO, Blenden und Belichtungszeiten. Aber kein Profi würde sich auf sein Gefühl verlassen, das Licht muss gemessen und kontrolliert werden. Schauen wir uns das spannende Zusammenspiel von Blende und Verschlusszeit noch einmal näher an. Der Einsatz und das Zusammenspiel von Blende, Belichtungszeit und Brennweite beruht auf der korrekten Belichtungsmessung Ihrer Kamera. Wenn das verfügbare Licht nicht genau gemessen wird, stellen alle drei Parameter nur abstrakte Werte dar. Beim Fotografieren sind zwei Komponenten charakteristisch: Die Lichtempfindlichkeit des Films (ASA/DIN) beziehungsweise bei der Digitalkamera die Empfindlichkeitseinstellung (ISO) und der Kontrastumfang. Ziel der Belichtungsmessung ist es, einen optimalen Kompromiss zwischen den Möglichkeiten der Lichtempfindlichkeit des Sensors, den Beleuchtungsverhältnissen bei der Aufnahme und den Reflexionseigenschaften des Aufnahmeobjekts zu finden.

Worst-Case-Szenario für den Belichtungsmesser und den Dynamikumfang Ihrer Kamera: eine Gegenlichtsituation, bei der der Hintergrund dunkel und das Modell sehr hell sind. Mit korrekter Belichtungsmessung lässt sich aber auch diese Situa tion meistern. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/100 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Sensoren guter Digitalkameras können heutzutage im Kontrastumfang (Dynamik) durchaus einem Diafilm standhalten, der zehn Blendenstufen darstellen kann. Grundsätzlich kann der Sensor aber nur zwischen hell und dunkel unterscheiden. Den Bereich zwischen dem dunkelsten Schwarz und dem hellsten Weiß, in dem noch Zeichnung vorhanden ist, das heißt, dass noch Konturen zu erkennen sind, bezeichnet man als Kontrastumfang.

Die Messverfahren Man unterscheidet zwei Messverfahren zur Belichtungsmessung: die Objektmessung und die Lichtmessung.

Die Objektmessung Bei der Objektmessung, auch Leuchtdichtenmessung oder Reflexionsmessung genannt, wird das vom Objekt reflektierte oder ausgestrahlte


Licht gemessen. Bei kompakten Kameras ist der Belichtungsmesser außen angebracht. Die Messzelle liegt vorne am Objektiv und über eine einfache Elektronik werden Blende und Belichtungszeit gesteuert. Digitale Spiegelreflexkameras messen das zur Verfügung stehende Licht hinter dem Objektiv in der Kamera. Dieses Verfahren ermöglicht es, genau das Licht zu messen, welches dann beim Auslösen auf den Sensor trifft. Die Messzelle kann dabei an verschiedenen Stellen im Strahlengang liegen. Wichtig ist nur, dass ein kleiner Teil des Lichts abgezweigt und auf die Zelle reflektiert wird. Diese Messart wird deswegen auch TTL (Engl. = Through The Lens) genannt. Die Objektmessung ist die am weitesten verbreitete Messmethode. Moderne Kameras verfügen über mehrere Varianten der Objektmessung, zwischen denen Sie je nach Situation wählen können. DSLR-Kameras verfügen über mindestens drei verschiedene Methoden der Objektmessung: die Integralmessung, die Spotmessung und die Matrixmessung, auch Mehrfeldmessung oder Segmentmessung genannt. Jede dieser Messmethoden soll Ihnen helfen, die unterschiedlichen Probleme, die bei der Objektmessung auftreten können, zu lösen. Bei Kameras, an denen Sie die Art der Objektmessung nicht einstellen können, findet ebenfalls eine TTL-Messung statt. Hierbei handelt es sich in der Regel um eine Matrixmessung, die Anzahl der Messzonen ist je nach Hersteller und Modell verschieden. Häufig wird die Messmethode hier mit den Motivprogrammen der Kamera verknüpft, so dass die am besten für das jeweilige Motivprogramm, zum Beispiel Landschaft, Porträt, Schnee, geeignete Messmethode gewählt wird. Das größte Problem bei der Objektmessung ist, dass die Helligkeit im Bild unterschiedlich verteilt ist. Bei Außenaufnahmen nimmt zum Beispiel der Himmel häufig auch bei einem Porträt sehr große Bildbereiche ein und ist wesentlich heller als die restliche Umgebung. Hier muss das Ergebnis der Messung korrigiert werden, da sonst die ganze Aufnahme unterbelichtet würde.

Die Integralmessung Um dem Problem der Unterbelichtung bei großflächigen hellen Bildanteilen entgegenzuwirken, wurde die Integralmessung entwickelt. Sie ist die einfachste Methode der Belichtungsmessung und birgt somit auch die größte Gefahr der Fehlbelichtung. Eine Messzelle kann grundsätzlich nur hell und dunkel unterscheiden. Im einfachsten Fall wird dabei das gesamte einfallende Licht addiert und gemessen.

Tipp Wenn Sie sich aufgrund der Lichtsituation darüber im Klaren sind, dass das Messergebnis Ihrer Kamera wegen der starken Kontraste einen Kompromiss bilden muss, entscheiden Sie sich für eine leichte Unterbelichtung. In der späteren Bildbearbeitung lassen sich in dunklen Flächen weitaus mehr Bildinformationen finden, als Sie annehmen werden. Die Bildinformation in weißen Flächen ist jedoch unwiederbringlich verloren.


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Aus dieser Summe werden unter Berücksichtigung der Empfindlichkeitseinstellung des Sensors (ISO) dann die Belichtungszeit und die Blende so errechnet, dass in Summe ein mittleres Grau auf dem Sensor abgebildet wird. Egal, ob man nun das Licht auf einer weißen oder schwarzen Wand anmisst, es wird immer eine mittelgraue Fläche abgebildet. Die Kamera errechnet also aus dem einfallenden Licht eine mittlere Helligkeit. Hierbei werden die hellen Bildanteile unterschiedlich stark angemessen, wobei die Bereiche der oberen Bildhälfte nicht weniger berücksichtigt werden als die der unteren Bildhälfte, was bei einem Porträt durchaus sinnvoll wäre. Schematische Darstellung der Spotmessung mit versetztem Messfeld (grün).

Dazu wird der mittlere Wert des gesamten vom Objekt reflektierten Lichts gemessen. Bei der mittenbetonten Integralmessung wird nun das Zentrum stärker gewichtet als die Bildränder. Dadurch ist leider keine differenzierte Gewichtung nach Bildwichtigkeit möglich. Der Belichtungsmesser „weiß“ nicht, was Ihr Hauptmotiv ist und wie es auf dem Bild aussehen soll. Diese Methode eignet sich deswegen ausschließlich für gleichmäßig ausgeleuchtete Motive mit geringem Kontrastumfang.

Die Spotmessung Die flexibelste Belichtungsmessung ist die Spotmessung. Hierbei wird nur ein kleiner Teil des vom Motiv reflektierten Lichts gemessen. Dies bedeutet, dass die Messung auf ein eng begrenztes Gebiet, das im Sucher angezeigt wird, beschränkt ist. Damit kann man auch kleine, motivwichtige Bildelemente anmessen. Das einfachste Beispiel dafür ist das Anmessen der Gesichter von Personen im Gegenlicht, die bei der Integralmessung viel zu dunkel abgebildet würden. Um einen Bildbereich, der außerhalb der Bildmitte liegt, per Spotmessung anzumessen, richten Sie das Messfeld auf diesen Bereich. Dazu schwenken Sie entweder die Kamera oder versetzen das Messfeld. Dies ist bei den meisten Kameras mittels des Multifunktionswählers möglich. Wenn die Kamera über eine AE-L-Taste (engl. „Automatic Exposure Lock“ = Belichtungsmesswertspeicher) verfügt, verwenden Sie diese, um den Belichtungswert zu speichern. Wenn Ihre Kamera über keine AE-L-Taste verfügt,


müssen Sie den Auslöser halb gedrückt halten, um die Messung zu behalten, wenn Sie zum eigentlichen Bildausschnitt zurückschwenken und auslösen.

Die Mehrfeldmessung Diese Messmethode, auch Matrixmessung genannt, unterteilt das Bild in mehrere Messfelder. Dabei wird das reflektierende Licht des Motivs für jedes der Messfelder einzeln analysiert und der Mittelwert aller gemessenen Werte als Berechnungsgrundlage für die Belichtung verwendet. Der Belichtungsrechner in der Kamera entscheidet, welche der Messzonen mit dem Autofokusfeld verknüpft sind und somit bei der Berechnung besonders berücksichtigt werden müssen und welche nicht. Auch bei der Mehrfeldmessung erhält der mittlere Bildbereich eine höhere Gewichtung. Der interne Belichtungsmesser der Kamera greift hierbei auch auf programmierte Erfahrungswerte zurück und ermittelt so die beste Kombination aus Blende und Verschlusszeit. Wenn bei dieser Messmethode festgestellt wird, dass der obere Bildbereich deutlich heller ist, geht die Automatik von einer Gegenlichtsituation aus und schlägt wie bei der Integralmessung automatisch eine längere Belichtungszeit vor. Engagierte Amateure und Profis fühlen sich mit Mehrfeldmessung immer etwas unwohl, da nie zu erkennen ist, welche Schlüsse der Belichtungsrechner der Kamera aus der Lichtsituation zieht.

Die Lichtmessung Trotz ständiger Verbesserung der Belichtungsmesssysteme der digitalen Kameras treten bei schwierigen Lichtverhältnissen immer noch Fehler auf. Das Problem liegt nicht bei der Kamera, sondern grundsätzlich an der Art der Lichtmessung, da hierbei das vom Motiv reflektierte Licht gemessen wird. Die Messzellen der Kameras sind auf einen mittleren Grauwert geeicht, der zirka 18 Prozent des Lichts in Richtung Kamera reflektiert. Alle Abweichungen von diesem Wert werden von der Kamera als Über- oder Unterbelichtung interpretiert. Wesentlich genauer kann die Belichtungsmessung über einen Handbelichtungsmesser erfolgen. Profis verzichten bei der Belichtungsmessung auf Messung mit der Kamera, insbesondere bei Porträts oder im Studio. Mit einem externen Belichtungsmesser messen sie die wichtigsten Punkte des Motivs einzeln an und legen nach diesen Messwerten die geeignete Kombination aus Blende und Verschlusszeit selbst fest. Der Handbelichtungs-

Handbelichtungsmesser mit digitaler Anzeige zur Lichtmessung bei vorhandenem Licht und Blitzlicht. Oben im Bild die Kalotte. Foto: Gossen


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messer misst statt des reflektierten Lichts das auf das Motiv einfallende Licht. Er wird zum Messen vor das Motiv gehalten. Damit werden die Messwerte nicht durch äußere Einflüsse wie Hautton, Hintergrundhelligkeit oder Reflexionsvermögen des Motivs beeinflusst. Vor der Messzelle befindet sich eine Kalotte (ein halbkugelförmiger Vorsatz aus milchigem Kunststoff), die das Licht in einem Winkel von 180 Grad erfasst und streut, so dass eine gleichmäßige Messung erfolgt. Die Kalotte muss in Richtung Kamera gehalten werden. Diese Messmethode können Sie nur anwenden, wenn die Kamera über die Möglichkeit der manuellen Belichtungseinstellung (M) verfügt, denn die Werte des Belichtungsmessers müssen ja an der Kamera manuell eingestellt werden. Links im Bild der mit BKT bezeichnete Schalter für die Aufnahme von Belichtungsreihen. Rechts das Drehrad zur Einstellung der Messmethode zur Belichtungsmessung. Oben die mittenbetonte Messung, in der Mitte die Matrixmessung und unten die Spotmessung. Im Messsystemwähler die Belichtungsmesswert-Speichertaste AE-L. Foto: Nikon

Die Belichtungskorrektur Um manuell in die Belichtungsmessung der Kamera einzugreifen, bieten die meisten Kameras die Möglichkeit der Belichtungskorrektur an. Diese finden Sie als Taste am Gehäuse oder auch im Kameramenü, als Belichtungskompensation oder auch „Exposure Value“ (engl. = Lichtwert). In den Bilddaten wird die Korrektur dann mit EV sowie dem entsprechenden Wert angegeben. Hier haben Sie die Möglichkeit, die gemessenen Belichtungswerte in Drittelstufen um bis zu maximal zwei Blenden nach oben oder unten zu verändern. Für eine längere Belichtung wählen Sie die PlusTaste (+), für eine kürzere die Minus-Taste (-). Jede Ganzzahl entspricht bei der Belichtungskorrektur einem Blendenwert.

Der Schalter zur Belichtungskorrektur. Der ausgewählte Wert wird im Display und Sucher während der Einstellung angezeigt. Während der Aufnahme weist das +- oder –-Symbol im Sucher auf die Belichtungskorrektur hin und gibt den Wert an. Foto: Nikon


Belichtungsreihen Neben der manuellen Belichtungskorrektur sind die meisten Kameras mit der sogenannten Bracketing-Funktion (Belichtungsreihenautomatik) ausgestattet. Diese ist meist über einen mit BKT gekennzeichneten Schalter am Gehäuse anzusteuern. Hierbei nimmt die Kamera eine Blenden- oder Belichtungsreihe aus meist drei Bildern auf: eine Aufnahme mit den ermit-

telten Belichtungswerten, eine stärker und eine schwächer belichtete Aufnahme. Den Grad der Belichtungsabweichung können Sie im Kameramenü individuell auswählen, auch hier können Drittelstufen bis zu zwei Blenden gewählt werden. Machen Sie Ihre ersten Belichtungsreihen mit der Automatik und variieren Sie die Werte erst, wenn Sie sich über Funktion und Anwendung absolut im Klaren sind.

Neutralgrau Die gemessene Einheit bei der Belichtungsmessung wird immer als Referenzwert zum sogenannten Mittleren Neutralgrau angegeben. Dabei handelt es sich um ein 18-prozentiges Grau. Allen Farben sind Grauwerte zugeordnet. Ein Belichtungsmesser weiß nicht, wie das Bild richtig belichtet wird. Angegeben wird nur, wie ein Motiv beziehungsweise ein Teil des Motivs belichtet werden muss, um es auf dem Sensor in Mittlerem Neutralgrau erscheinen zu lassen. Dieser Wert wird in Relation zum Referenzwert des Mittleren Neutralgraus und zur eingestellten Lichtempfindlichkeit (ISO) sowie zur Verschlusszeit angegeben. Die Angabe, welche Blende dafür einzustellen ist, können Sie als Vorschlag betrachten, um dann bezogen auf Tiefen und Lichter die Blende oder Verschlusszeit zu korrigieren.

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Entscheiden Sie sich je nach Aufnahmesituation individuell für eine bestimmte Messmethode.

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Vergleichen Sie bei großen, hellen Bildbereichen (Himmel) oder Gegenlicht die Messwerte der Matrixmessung und Spotmessung und bilden Sie einen Kompromiss für die Belichtungszeit.

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Arbeiten Sie in extremen Situationen mit Belichtungsreihen, speichern Sie hier im Zweifelsfall alle drei Fotos, um sie später im Bildbearbeitungsprogramm zu einem zusammenzufügen.

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Analysieren Sie die verwendete Messmethode anhand der ExifDaten. Die Messmethode bzw. der Messungsmodus gibt Ihnen an, welche Messmethode Sie oder die Automatik der Kamera verwendet haben, und gibt Ihnen bei schlechtem Bildergebnis die Möglichkeit, in einer ähnlichen Situation eine andere Messmethode zu wählen.


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Blende und Verschlusszeit Auch wenn es jetzt für die routinierten Fotografen etwas langweilig wird, möchte ich gerne dennochkurz auf unsere Mittel zur Lichtkontrolle eingehen: die Blende, abhängig von der Brennweite, und die Verschlusszeit. Wenn Sie bereits alles zu diesem Thema im Schlaf runterbeten können, überspringen Sie diesen Abschnitt einfach. Ich bin Ihnen nicht böse deswegen. Nehmen wir an, Ihre Kamera hat für die Belichtung folgende Werte festgestellt: Blende 11 bei 1/30 Sekunde Verschlusszeit. Zum einen besteht die Gefahr, dass Sie die 1/30 Sekunde ohne Stativ aus der Hand verwackeln und zum anderen wollen Sie lediglich das Gesicht des Modells scharf abbilden, bei Blende 11 ist aber je nach Brennweite der Hintergrund auch noch komplett scharf. Wenn Sie sich mit der Wechselwirkung der Lichtkontrolle beschäftigen, wissen Sie, dass Sie Blende 2.8 bei 1/500 Sekunde einstellen müssen, um die gleiche Lichtmenge auf den Sensor zu bekommen. Natürlich können Sie auch einfach herumprobieren, aber das dauert wesentlich länger.

1 2,8 5,6 11 22 Schematische Darstellung der Blendenöffnung am Beispiel einer Irisblende

Die Funktion der Blende Je nachdem, wie weit geschlossen oder geöffnet die Blende ist, desto mehr oder weniger Licht fällt durch sie hindurch auf den Sensor. Die Einheit für diese Blendenöffnung sind die Blendenwerte, die zusammen eine Blendenreihe ergeben. Diese feststehenden Werte gelten unabhängig vom Objektiv als einheitliche Vergleichswerte in der Fotografie. Bei der Blendenreihe steht der kleinste Wert für die größtmögliche Blendenöffnung. Diese wird auch am Objektiv der Kamera angegeben und bezeichnet die Lichtstärke des Objektivs. Die Beschriftung am Objektiv liest sich dann bei einem Zoomobjektiv 1:2.8-4 oder f/2.8-4. Dies bedeutet, dass die Eingangslichtstärke bei kürzester Brennweite Blende 2.8 ist und die Lichtstärke bei längster Brennweite (mit dem Objektiv größtmöglicher Zoom) Blende 4 beträgt. Bei Objektiven mit Festbrennweite, also ohne Zoom, entfällt der zweite Wert. 64 Kapitel 4 | Blende und Verschlusszeit

Blende: Verschlusszeit in Sek.:

1,0

1,4

2,0

2,8

4

5,6

8

11

16

22

32

45

1/4000

1/2000

1/1000

1/500

1/250

1/125

1/60

1/30

1/15

1/8

1/4

1/2

Das Verhältnis von Blende zur Verschlusszeit In der ersten Zeile sehen Sie die Blendenreihe, in der zweiten, wie sich die Verschlusszeiten beim Abblenden ändern. Wenn sich der Wert der Blende verdoppelt, zum Beispiel von Blende 1 auf Blende 2, reduziert sich die Belichtungszeit auf 1/4 des Werts und nicht, wie man fälschlicherweise annehmen könnte, auf die Hälfte des Werts. Jede der Kombinationen aus Blende und Verschlusszeit gibt haargenau die gleiche Belichtung wieder. Durch die Wirkung der Blende sieht das Foto jedoch anders aus.

Was die meisten bei diesen Zahlen verwirrt ist, dass der kleine Zahlenwert die größere Öffnung der Blende bezeichnet und ein höherer Zahlenwert eine kleine Öffnung bedeutet. Diese Verwirrung liegt daran, dass die Blendenzahl eigentlich ein Verhältnis darstellt, wie das vorne am Objektiv zu lesen ist: 1:2.8. Dieses Verhältnis gibt den Quotienten der effektiven Öffnung der Blende und der Brennweite an. So müsste die korrekte Schreibweise für Blende 4 eigentlich 1/4 lauten. International gibt man jedoch einheitlich die Blendenzahl als ganze Zahl an oder mit der Bezeichnung F4 oder auch f/4. Und wo kommt jetzt das „f“ her? Das „f“ stammt, wie viele Angaben in der Fotografie, aus dem Englischen und steht für „focal length“ = Brennweite. Würde die Blende ohne das Verhältnis zur Brennweite angegeben, könnte man die Lichtstärke von Objektiven nicht miteinander vergleichen, weil dann die Blende 2 beim kleineren Durchmesser eines 50-mm-Objektivs wesentlich weniger Licht durchlassen würde als die gleiche Blende bei dem wesentlich größeren Durchmesser eines 200-mm-Objektivs. Bei Blende 2 ist die Öffnung also so groß, dass sie zweimal auf die Länge passt. Bei Blende 22 ist sie so klein, dass sie 22 Mal auf die Länge des jeweiligen Objektivs passt. So fällt bei gleicher Blendenzahl immer gleich viel Licht auf den Sensor, egal, welches Objektiv Sie benutzen.

Faustregeln für die Blende ●

Offene Blende (kleine Blendenzahl) = kurze Belichtungszeit

●

Geschlossene Blende (große Blendenzahl) = lange Belichtungszeit

●

Je kleiner die Blende – desto schärfer das Bild

Außerdem gibt es neben der Blendenreihe mit ganzen Blendenstufen auch noch Zwischenwerte, die 1/2 oder 1/3 Blendenstufen angeben, denn die meisten Objektive ermöglichen das Abblenden in Zwischenstufen.

Die Auswirkung der Blende Wichtiger, als die mathematische Herkunft der Zahlen zu begreifen, ist es für Sie, die Auswirkungen einer großen oder kleinen Blende auf das Bildergebnis zu verstehen. Durch das Verstellen der Blende wird der Lichtfluss auf den Sensor verändert. Damit Sie ein nach wie vor korrekt belichtetes Bild erhalten, wird zum Ausgleich die Belichtungszeit verkürzt oder verlängert. Daneben

Kapitel 4 | Blende und Verschlusszeit

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steuert die Blende jedoch auch die Schärfentiefe, die sich beim Abblenden vergrößert. Die Schärfentiefe bezeichnet die Lage der Schärfe vom Fokuspunkt bis hin zur Schärfe in maximaler Entfernung des Fokuspunkts, also bis unendlich. Die größere Schärfe bei Bildern, die mit kleiner Blende aufgenommen wurden, entsteht dadurch, dass das einfallende Licht bei einer kleinen Öffnung stärker gebündelt wird, also weniger gestreut auf den Sensor auftrifft. Bei normal großer Abbildung auf dem Monitor oder bei einer Ausbelichtung in der Größe 10 x 15 cm ist die größere Schärfentiefe bei kleiner Blende kaum zu erkennen. Bei einem großen Abzug hingegen fällt eine zu geringe oder zu große Schärfentiefe sofort ins Auge. Bei der kleineren Blende (oben) trifft das Licht wesentlich gebündelter auf den Sensor, der Lichtkegel ist spitzer und das Foto ist im Ergebnis schärfer. Bei weit geöffneter Blende (unten) trifft das Licht fast auf die ganze Fläche des Sensors und nur die mittleren Bild bereiche werden scharf abgebildet.

Die Blende wirkt sich zusätzlich noch auf die Abbildungsleistung des Objektivs aus. Jedes Objektiv, besonders preiswerte Optiken von Drittanbietern, haben mehr oder weniger stark ausgeprägte Abbildungsschwächen an den Bildrändern. Durch Abblenden von zwei Blendenstufen wird diese Abbildungsschwäche kompensiert und das Objektiv erreicht seine höchste optische Leistung. Wenn man jedoch zu stark abblendet, kann sich diese Wirkung wieder ins Gegenteil verkehren. Bei sehr kleinen Blenden können Beugungserscheinungen auftreten, die das Foto wieder unschärfer machen.

Die Blendenautomatik Die Blendenautomatik müsste korrekt Zeitvorwahl heißen. Man versteht darunter die Belichtungsautomatik der Kamera, bei der Sie die Belichtungszeit des Verschlusses vorwählen und die Automatik der Kamera die den Lichtverhältnissen so weit als technisch möglich entsprechende, passende Blende auswählt.

66 Kapitel 4 | Blende und Verschlusszeit

In der Regel können Sie Ihre Kamera am Betriebsarten-Wählrad in diesen Modus schalten, die Blendenautomatik wird mit S (engl. „shutter preselection“ = Verschlussvorwahl) gekennzeichnet. Einige Hersteller bezeichnen die Betriebsarten auch anders, so heißt die Blendenautomatik bei Canon zum Beispiel Tv. Um die Blende vorzuwählen, müssen Sie die Betriebsart A(v), für die Zeitautomatik (A: engl. „aperture priority“ = Blendenpriorität) einstellen. Hier berechnet die Kamera dann automatisch die passende Verschlusszeit. Bei einigen Kameras wird der Modus über das Programm oder einen Modus-Schalter gesteuert und kann dann im Menü oder Sucher abgelesen werden. Zwei Dinge müssen Sie bei der Arbeit mit der Blendenvorwahl beachten: Zum einen erfordern kleine Blenden oft sehr lange Verschlusszeiten. Diese können Sie auch bei Tageslicht nicht mehr verwacklungsfrei aus der Hand halten. Sie benötigen also ein Stativ oder zumindest eine Auflagefläche für die Kamera. Zum anderen sollte die Kamera für die Arbeit mit großen Blenden über die Möglichkeit verfügen, sehr kurze Verschlusszeiten umzusetzen. Eine Außenaufnahme bei hellem Tageslicht mit offener Blende ist oft nur mit 1/4000 Sekunde zu erreichen, da die Aufnahme sonst überbelichtet wird.

Der Modus kann bei modernen DSLRs zumeist über einen Schalter verändert werden, der mit Mode (Betriebsarten-Wählrad) bezeichnet ist. Im Display wird der Modus, hier P, dann neben Belichtungszeit und Blende angezeigt. Foto: Nikon

Die Abblendtaste Beim Betrachten eines Motivs durch den Sucher oder im Display wird das Foto immer mit voll geöffneter Blende angezeigt, wodurch das Sucherbild immer schön hell ist. Wenn Sie jedoch den genauen Bereich der Schärfe ansehen wollen, müssen Sie die Abblendtaste drücken. Dabei schließt sich die Blende auf den eingestellten Wert. Das Sucherbild verdunkelt sich und Sie können sehen, wie weit der Schärfebereich geht. Bei Verwendung der Abblendtaste sollten Sie berücksichtigen, dass durch den geringen Maßstab des Suchers die Schärfe nicht präzise dargestellt


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werden kann. Probieren Sie die Arbeit mit der Abblendtaste aus. Einige Kameras lassen es zu, die Blendenöffnung bei gedrückter Abblendtaste zu verstellen und so den Unterschied in der Schärfentiefe zu erkennen. Das Arbeiten mit sehr geringer Schärfentiefe erfordert eine sehr ruhige Hand. Verwenden Sie bei längeren Verschlusszeiten und langen Brennweiten darum besser ein Stativ. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/60. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Blende als Bildgestaltungsmittel: die Schärfentiefe Die Blende steuert nicht nur die einfallende Lichtmenge, sondern ist auch ein wichtiges Element zur Bildgestaltung. Neben dem technischen Nutzen kleiner Blenden für Landschafts- oder Nachtaufnahmen sind große Blenden besonders in der Menschenfotografie ein Gestaltungsmittel. Die mit der offenen Blende einhergehende geringe Schärfentiefe erlaubt Ihnen neue Sichtweisen. Wichtiges kann von Unwichtigem getrennt werden. Das Auge des Betrachters wird auf einen genau definierten Punkt gelenkt. So können Sie beispielsweise auf eine Person in einer Menschenmenge fokussieren, Vorder- und Hintergrund werden mit großer Blende unscharf, umrahmen die ausgewählte Person. Auch ein zu unruhiger Hintergrund von Porträts erscheint bei offener Blende nur als Farbschema. Gehen Sie dazu entweder nah an das Objekt heran oder verwenden Sie eine lange Brennweite, beides bei offener Blende, um dieses Stilmittel einzusetzen. Die Regel besagt, dass die Schärfentiefe sich zu 1/3 vor dem Fokuspunkt und 2/3 hinter dem Fokuspunkt erstreckt. Wenn Sie also den Fokuspunkt festlegen, indem Sie auf ein Objekt im Bild scharf stellen, legen Sie fest, wo der Schärfentiefebereich im Bild beginnt und endet. Wenn Sie also zum Beispiel auf einer Hochzeit eine Gruppenaufnahme machen möchten, bei der die Personen in drei Reihen hintereinander aufgestellt sind, legen Sie den Fokus etwa zwischen die erste und die zweite Reihe. So stellen Sie sicher, dass die Personen in allen drei Reihen scharf abgebildet werden. Wenn Sie allerdings mit einem Makroobjektiv fotografieren, eine 105-mm-Festbrennweite eignet sich auch ausgezeichnet zur Porträtfotografie, trifft diese

68 Kapitel 4 | Blende und Verschlusszeit

Brennweite

Blende

50 mm

f/2.8

50 mm

f/5.6

50 mm

f/11

50 mm

f/5.6

50 mm

f/5.6

50 mm

f/5.6

105 mm

f/5.6

50 mm

f/5.6

28 mm

f/5.6

1.50 m

3.00 m

4.50 m

6.00 m

7.50 m

9.00 m Entfernung

Schärfentiefebereiche: Das Diagramm zeigt schematisch den Schärfentiefebereich abhängig von der Brennweite und Blende sowie dem Aufnahmeabstand, also der Entfernung. Der Punkt markiert den Fokuspunkt. Weiß: Bei konstanter Brennweite und konstanter Entfernung vergrößert sich mit dem Schließen der Blende die Schärfentiefe. Hellblau: Bei konstanter Brennweite und konstanter Blende vergrößert sich mit der Entfernung des Fokuspunkts die Schärfentiefe. Mittelblau: Bei konstanter Blende und konstanter Entfernung vergrößert sich mit abnehmender Brennweite die Schärfentiefe.

Regel nicht zu. Denn hier ist der Bereich der Schärfentiefe vor der Fokussierungsebene größer als dahinter. Die Entfernung zum Motiv beeinflusst neben Blende und Brennweite ganz wesentlich, wie groß die Schärfentiefe ist. Bei der Fokussierung auf ein sehr nahes Motiv ist die Schärfentiefe generell sehr gering. Das führt bei langen Brennweiten in Kombination mit Offenblende dazu, dass Sie den Fokus absolut präzise setzen müssen. Schon eine kleine Veränderung der Handhaltung versetzt den Fokus um wenige Millimeter und der gewünschte Effekt ist dahin. Je kleiner der Abbildungsmaßstab, also je größer der Abstand zum Motiv, desto größer wird der Bereich der Schärfentiefe bei konstanter Blende und Brennweite.


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Die Lichtformer Lichtformer sind Ihre Hilfsmittel für die Outdoor-Fotografie, Aufnahmen on Location, die Blitzfotografie oder für Blitz- und Dauerlichtanlagen zur Steuerung der Lichtcharakteristik. Sie sind Ihr Werkzeug für die Gestaltung, denn nur selten werden Fotos mit dem „nackten“ Blitz aufgenommen oder Outdoor-Aufnahmen vom direkten Sonnenlicht beleuchtet. Durch die Lichtformer können Sie das Licht hart richten oder aber auch weich und umschmeichelnd gestalten. Es mag Ihnen ein wenig übertrieben erscheinen, den Lichtformern so viel Aufmerksamkeit zu schenken. Aber ehrlich gesagt bin ich der Meinung, dass das Anschalten der Studiolampen kein großes Ding ist, das Verständnis um die Steuerung und das Verhalten von Licht und Schatten aber das große Geheimnis der Fotografie ist. Spätestens dann, wenn Sie das Ergebnis Ihres Shootings am Monitor sehen und sich über Schatten ärgern, die Farben zu flau finden und die Kontraste zu hart oder zu weich, können Sie mit dem Wissen um die Lichtführung die Fehler analysieren und künftig ganz vermeiden.

Welche Arten von Lichtformern gibt es? Man unterscheidet zwei Arten von Lichtformern: Lichtbündler und Lichtstreuer. Lichtbündler erzeugen gerichtetes, hartes Licht und Lichtstreuer diffuses, weiches Licht. Studioblitze und -lampen haben Halterungen, an denen Sie die Lichtformer befestigen können. Zu den Lichtbündlern zählt man zum Beispiel Reflektoren, Trichter und Waben. Als Lichtstreuer werden Schirme und Softboxen bezeichnet. Dabei durchleuchtet die Lichtquelle eine große transparente Fläche. Der Raum zwischen der Fläche und dem Licht ist lichtundurchlässig abgeschirmt.

Die Lichtbündler und ihr Zubehör Der Normalreflektor Mit Reflektoren sind hier keine Flächenreflektoren, also Aufheller, gemeint, sondern die einfachste Form eines Lichtformers, kleine Schüsseln aus Metall, die am Blitzkopf das Licht bündeln. Der Reflektor ist um die Lampe an dem Blitzkopf oder der Leuchte angebracht und verhindert, dass sich das Licht unkontrolliert ausbreitet. Innen sind Reflektoren meist weiß oder silber, um eine möglichst hohe Lichtreflexion zu erzielen. Je nach Farbe kann das Licht durch den Reflektor auch weicher gestaltet werden.

70 Kapitel 4 | Die Lichtformer

Reflektoren gibt es in unterschiedlichen Größen und mit verschiedenen Abstrahlwinkeln. Je länger der Reflektor und je enger der Winkel, desto stärker wird das Licht gebündelt. Fotos: Profoto

Die Reflektoren Reflektoren sind aus Metall, wegen des Gewichts meist aus Aluminium, gefertigt und außen matt-schwarz pulverbeschichtet oder lackiert. Die Innenseite ist je nach Typ entweder verchromt, weiß pulverbeschichtet oder lackiert oder diffus reflektierend mit einer Hammerschlagoberfläche versehen. Typische Reflektoren haben einen Durchmesser von 10 bis 60 cm. Der Abstrahlwinkel liegt dabei zwischen 5 und 120 Grad. Längere Bauformen bewirken ein stärker gerichtetes Licht. Zu den Normalreflektoren kommen Sonderformen wie Engstrahlreflektoren (Snoots), Gobos (Musterprojektoren), Lichtleiter und Punktstrahler, Beauty Dishes (auch Softloader genannt) und Hintergrundreflektoren beziehungsweise Verlaufsreflektoren.

Der Snoot bündelt das Licht extrem stark, das Licht kann so punktgenau gerichtet werden. Das Licht ist hart und die Schatten sind sehr ausgeprägt. Foto: Martin Schwabe

Die Engstrahlreflektoren Snoots, auch Spots, Lichttubuse (engl. Tubes) oder Engstrahler genannt, werden direkt am Blitzkopf, der Leuchte oder dem Reflektor angebracht. Sie verengen den Lichtkegel so, dass Sie eine punktgenaue Beleuchtung erreichen. Häufig wird eine solche Spotbeleuchtung in Kombination mit Farbfiltern verwendet, um Teile des Motivs farblich abzusetzen.

Die Gobos Ein Gobo (engl. kurz für „Graphical optical blackout“ = grafische optische Sperre) ist eine Maske, die ursprünglich aus Metall, heute auch häufiger aus Glas gefertigt wird. Sie wird mit einem Projektionsspot verwendet, der häufig auch zoombar ist. Die Maskenhalterung nimmt dann die Gobos auf und projiziert Logos, Muster, Texte oder Bilder auf das Motiv oder

Gobos gibt es mit unzähligen Mustern, aber auch mit farbigen Motiven.

Kapitel 4 | Die Lichtformer

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den Hintergrund. Auch der Einsatz mit Dia-Projektionen ist mit speziellen Halterungen möglich. Die Darstellung erfolgt dann ähnlich einer Diaprojektion oder mit einfachen Formen als Schattenprojektion.

Die Wabenvorsätze Waben gibt es als Vorsatz für Reflektoren oder Softboxen. Der Wabenvorsatz bündelt das Licht, verringert das Streulicht und richtet das Licht so besser. Außerdem steigert er die Brillanz und den Kontrast. Mit einer Wabe, auch Richtgitter oder Honeycomb genannt, erzielen Sie zwei Effekte: zum einen die Verringerung des Lichtwinkels und zum anderen wird das Licht härter, am besten zu sehen an den ausgeprägteren Schatten. Wabenvorsätze gibt es in unterschiedlichen Formen und Wabengrößen. Sie lassen sich auf einen runden Reflektor stecken oder in die eckigen Halterungen schieben. Foto Martin Schwabe

Waben sind Gitter aus quadratischen oder meist sechseckigen Zellen, daher auch der Name Waben, die direkt auf den Reflektor aufgesetzt werden oder in einem speziellen Halter sitzen. Es gibt unterschiedlich dichte Waben, das heißt die Größe der einzelnen Wabe variiert. Waben für Softboxen sind zumeist aus Stoff und werden mittels Klettband vor der Softbox befestigt. Ein paar Tipps zur Fotografie mit Waben: Je kleiner die Waben, desto gerichteter und härter ist das Licht. Je größer der Leuchtkreis, desto weicher beziehungsweise diffuser sind die Schattenkanten. Je höher die Blitzleistung, desto stärker fällt der Schattenkontrast aus.

Oben: Auch für Softboxen und Schirme gibt es Waben. Hier die Wabe für eine Octobox. Foto: Walimex. Unten: Abschirmklappen. Foto: Profoto

Je näher sich das Objekt an der Kamera befindet, desto schmaler ist der Schatten.

Die Abschirmklappen Mit zwei oder vier Abschirmklappen, die an dem Reflektor befestigt werden, können Sie das Licht zusätzlich ausrichten. Die beweglichen Klappen ermöglichen eine flexible, weil auch asymmetrische Lichtführung.

Die Farbfilterfolien Farbfilter sind transluzente, hitzebeständige eingefärbte Folien, mit denen Sie die Farbe des Lichts der Lampe oder des Blitzes verändern können. Hierbei unterscheiden Sie Korrekturfilter, mit denen die Farbe des Lichts auf eine bestimmte Farbtemperatur geändert wird, und Effektfilter, mit denen das Licht eine bestimmte Farbe erhält. Ähnlich den Vorsatzfiltern


für Ihre Objektive gibt es weitere Folien, die das Licht Ihres Blitzkopfs verändern. Frostfolien, die als Diffusor eingesetzt werden: ●

ND-Folie (Neutral Density), die die Leuchtstärke der Lampe verringert, dabei wird das Licht in Härte und Farbe nicht beeinflusst. Solche Folien können Sie auch zur Abschwächung von einfallendem Sonnenlicht durch Fenster verwenden.

●

Polfilterfolie, die das Licht einer Leuchtquelle polarisiert. Polfilterfolie wird eingesetzt, um zum Beispiel in der Produktfotografie Spiegelungen aus Metall zu entfernen, denn ein Polfilter für Ihr Objektiv ist in diesem Fall wirkungslos.

Als Korrekturfilter werden CTB- und CTO-Filterfolien am häufigsten verwendet: ●

CTB (engl. „Conversion to blue“ = Konvertierung zu Blau): eine bläulich getonte Filterfolie, die Wolfram-Lichtquellen auf die Farbtemperatur von Tageslicht konvertiert. Diese Folie schluckt sehr viel Licht.

●

CTO (engl. „Conversion to orange“ = Konvertierung zu Orange): eine orange getonte Filterfolie, die Tageslichtquellen auf die Farbtemperatur von Kunstlicht konvertiert. Der Lichtverlust ist geringer als bei CTB-Filtern. CTO-Filter werden eingesetzt, wenn Blitze gleichzeitig mit Kunstlichtquellen benutzt werden. CTO-Filterfolien eignen sich auch dazu, einfallendes Tageslicht zu filtern, um es gemeinsam mit Kunstlichtquellen zu verwenden.

Farbige Effektfilterfolien werden eingesetzt, um die Hintergrundfarbe zu ändern oder um farbige Lichtspitzen zu setzen.

Für dieses Foto wurde ein Engstrahler mit einer roten Effektfolie ausgerüstet. Die Reflexionen auf dem Lack, die durchaus gewünscht waren, erhalten so punktuell in den Spitzlichtern eine rote Farbe.

Der Beauty Dish Der Beauty Dish zählt zwar aufgrund seiner Bauweise zu den Reflektoren, er ist eine Mischung aus Reflektor und Wabe und wurde speziell für die Porträtfotografie entwickelt, funktioniert aber ähnlich wie eine Softbox. Ein Reflektor wird mit einer geschlossenen transparenten Plastikfläche ausgestattet. Er wird für Beauty-Porträts eingesetzt und erzeugt ein besonders


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gleichmäßiges, weiches Licht, das selbst Fältchen und Hautunreinheiten verschwinden lässt.

Der Fresnel-Spot

Auf den ersten Blick könnte man den Fresnel-Spot mit einem Reflektor mit Abschirmklappen verwechseln. Wenn Sie jedoch die Linse genauer anschauen, sehen Sie die spezielle Fräsung des Glases. Foto: Profoto

Ein Fresnel-Spot ist ein eigenständiger Blitzkopf, dessen Bauweise sich von normalen Blitzlampen unterscheidet. Er besteht aus einer Lichtquelle und einer verstellbaren Stufenlinse, die ursprünglich einmal für Leuchttürme erfunden worden ist. Aufgrund der Fräsung kann die Linse wesentlich leichter und kompakter als eine klassische Linse gebaut werden. Durch die Linse entsteht ein gerichteter, aber dennoch sehr weicher Lichtstrahl. Der Spot ist verstellbar und ermöglicht so eine Fokussierung zwischen Weitwinkel- und Spotbetrieb. Das charakteristische Fresnel-Licht wird vor allem in der Werbefotografie eingesetzt.

Softboxen gibt es in rechteckiger Ausführung, als Striplight und als Octobox in den unterschiedlichsten Größen. Foto: Profoto

Die Lichtstreuer Die Softbox Softboxen, in Ausführung aus Plastik auch Lichtwannen genannt, sind recht- oder achteckige Boxen, auch Octoboxen genannt, die auf den Blitzkopf montiert werden. Rechteckige Softboxen sind üblicherweise quadratisch oder haben ein Seitenverhältnis von 1:2. Ab einem Seitenverhältnis von 1:3 bezeichnet man sie auch als Striplight. Der hintere Teil einer Softbox ist lichtundurchlässig und innen normalerweise silberfarben beschichtet, um eine bessere Lichtreflexion zu erreichen. Die Vorderseite ist mit lichtdurchlässigem Stoff bespannt. Mit der Softbox erreichen Sie eine gleichmäßigere Ausleuchtung des Motivs und vermindern die Bildung harter Schatten. Durch den Einsatz mehrerer Softboxen erreichen Sie eine


sehr gute Ausleuchtung des Motivs und des Hintergrunds und können so Schatten vollständig vermeiden. Soft- und Octoboxen sowie Striplights erzeugen ein sehr weiches Licht, das wie diffuses Tageslicht wirkt. Je größer die Box ist, desto weicher wird das Licht. Dadurch entsteht ein sanftes Muster aus Licht und Schatten, das ideal für die Porträt- und Personenfotografie ist. Um die Diffusion zu verstärken, lässt sich in einigen Softboxen neben dem Außendiffusor innen zusätzlich noch ein Diffusor anbringen, der die Weichheit des Lichts weiter erhöht. Sicherlich werden Sie sich über die achteckige Form der Octoboxen wundern. Der Sinn ist schnell erklärt: Glänzende Materialien, egal ob reflektierende Flächen oder auch das menschliche Auge, reflektieren das Umgebungslicht in der Form der Lichtquelle. Bei Personenfotografie wird daher mit Octoboxen gearbeitet, da sie einen runden Lichtpunkt im Auge erzeugen, der an die Sonne erinnert und daher vom Betrachter als angenehm empfunden wird. Eckige Softboxen werden hauptsächlich bei der Sach- und Produktfotografie eingesetzt, hier erinnert der quadratische oder rechteckige Lichtfleck einer Reflexion an ein Fenster. Einige Hersteller bieten Softboxen auch mit blauen oder goldfarbenen Innenseiten an, um zusätzlich die Lichttemperatur zu steuern.

Die Schirme Schirme sind die preiswerteste Möglichkeit, das sehr harte Blitzlicht weicher zu gestalten. Die Schirme sehen aus wir normale Regenschirme, statt des Handgriffs haben sie einen Metallstab, der in die entsprechenden Aufnahmen der Studioblitze und Reflektoren passt. Wenn der Blitzkopf keine Aufnahmehalterung hat, können die Schirme auch mit Klammern am Stativ befestigt werden. Der Faltmechanismus macht es einfach, die Schirme zu transportieren, ein langwieriges Zusammenbauen wie bei der Softbox entfällt. Deswegen sind Schirme die idealen Lichtformer für den Einsatz on Location. Man unterscheidet zwei Varianten: den Reflexschirm und den Durchlichtschirm.

Um die Ausmaße großer Softboxen besser zu sehen, hier eine Box auf dem Stativ. Octoboxen mit über 2 Metern bringen diffuses Licht auf jedes Set. Foto: Martin Schwabe Der Reflexschirm mit mattgoldener Innenbeschichtung bündelt das Licht und nimmt gleichzeitig Einfluss auf die Lichtfarbe.

Die Reflexschirme Wie mit einem Reflektor können Sie Richtung und Farbe des Lichts mit einem Reflexschirm lenken. Dabei wird der Schirm direkt vor der Lichtquelle montiert, so dass das Licht in die Gegenrichtung umgelenkt wird. Durch einen lichtundurchlässigen Schirm wird das Licht gebündelt und kann daher genauer ausgerichtet werden. Der Reflexschirm ist also eher Kapitel 4 | Die Lichtformer

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den Lichtbündlern zuzuordnen. Die Reflexschirme sind innen weiß-, silberoder goldfarben beschichtet. Damit erhöht sich zum einen die Lichtausbeute und die Farbe der Beschichtung hat Auswirkungen auf die Kontraste und die Lichtfarbe in Ihrem Foto. Eine Sonderform des Reflektorschirms stellen Parabolschirme dar. Mit Durchmessern von bis zu 4 Metern sind diese Riesen in der Lage, das ganze Set mit weichem Licht zu versorgen. Die Schirme sind innen mit hochglänzender Silber- oder Goldbeschichtung versehen und haben so eine enorme Lichtausbeute. Die genaue Fokussierung der Schirme ermöglicht die Arbeit mit gerichtetem Licht mit hohem Kontrast bis hin zu extrem weichen Licht. Der Vorteil gegenüber einer großen Flächenleuchte ist die Brillanz des Lichts, das Modell wird vom Licht umhüllt und Strukturen werden dennoch herausgearbeitet. Wegen der Parabolform ist der Lichtabfall des Schirms zum Rand hin gering. Große Parabolschirme liefern eine extrem hohe Lichtausbeute. Sie können sowohl für weiches Licht als auch für gerichtetes Licht mit hohen Kontrasten verwendet werden. Foto: broncolor

Der Durchlichtschirm streut das Licht weich, ähnlich wie eine Softbox, und ist die preiswerteste Möglichkeit, das Licht zu formen. Foto: Martin Schwabe

Die Durchlichtschirme Der Durchlichtschirm reflektiert das Licht nicht, sondern streut es gleichmäßig und erzeugt eine große weiche Lichtquelle, ähnlich wie bei einer Softbox, und kann auch sehr nahe am Objekt eingesetzt werden.

Weiteres lichtformendes Zubehör Lichtschlucker Ein Lichtschlucker, auch Abschatter genannt, ist im Grunde eine große schwarze Fläche, die zur Erzeugung von Schatten, zum Verstärken von Kontrasten und zum Vermeiden von Reflexionen verwendet wird. Bei den Faltreflektoren ist oftmals eine schwarze Seite als Lichtschlucker vorgesehen. Wird der Lichtschlucker zwischen Lichtquelle und Modell eingesetzt, wird die Abstrahlung des Lichts beeinflusst und der Lichtschlucker wirft einen Schatten in Richtung Modell. Ist das Modell zwischen der Lichtquelle und dem Lichtschlucker, werden die Schattenbildung und der Kontrast auf der von der Lichtquelle abgewendeten Objektseite verstärkt.

Diffusoren Als Diffusor bezeichnet man einen teilweise lichtdurchlässigen Stoff, der vor einer Lichtquelle platziert wird, um das Licht durch Vergrößerung der Lichtaustrittsfläche zu streuen und so weicher zu machen. Materialien sind verschiedene Stoffe wie Seide/Kunstseide, Tüll, Nylon oder Folie. Auch


Acrylglas eignet sich zur Lichtstreuung. Diffusoren finden Sie als Bestandteil von Softboxen, Beauty Dishes oder Durchlichtschirmen. Einzelne Diffusoren sind in Reflektor-Sets, hier Flächenreflektoren, enthalten. Die größte Bauart eines Diffusors sind gerahmte Sonnensegel für Außenaufnahmen.

Flächenreflektoren Ein Flächenreflektor, häufig auch nur als Reflektor bezeichnet, wird meist auf einem Stativ montiert, auf dem er mittels einer speziellen Halterung sehr flexibel in alle Richtungen justiert werden kann, oder von einem Assistenten entsprechend gehalten. Die rechteckigen oder runden Reflektoren ermöglichen eine Umlenkung des einfallenden Lichts und werden nicht nur mit Blitz- oder Dauerlichtanlagen verwendet, sondern auch eingesetzt, um das Sonnenlicht steuern zu können. Außerdem lässt sich damit ein direkter Lichteinfall auf das Motiv verhindern und Einfluss auf den Schattenwurf nehmen. Gleichzeitig kann die Lichtfarbe durch die meist weißen, silbernen oder goldenen Reflektoren beeinflusst werden, wobei Silber ein kaltes, Gold ein warmes und Weiß ein neutrales, weiches Licht erzeugt.

Ohne Flächenreflektoren wären Aufnahmen wie diese nicht möglich. Morgens um 7 Uhr wird mit dem Reflektor das Gegenlicht der aufgehenden Sonne so auf das Modell geleitet. Foto: Jörg Böh

Licht und Schatten: Welcher Lichtformer für welche Aufnahmesituation? Die Art des Lichts, also ob hart, weich oder diffus, erkennen Sie nicht nur an den Kontrasten auf dem Objekt selbst, sondern in der Hauptsache an der Schattenbildung.

Hartes Licht Eine im Vergleich zum Objekt sehr kleine Lichtquelle, also zum Beispiel ein Normalreflektor, der ein Porträt ausleuchten soll, strahlt sehr hartes Licht ab. Die dabei entstehenden Schatten sind scharf begrenzt und hart. Auf der Fläche hinter dem Objekt gibt es nur zwei verschiedene Zonen: die beleuchtete Fläche und den Kernschatten. Hier hat der Abstand des Blitzkopfs keinen Einfluss auf die Härte des Lichts. Wenn Sie jedoch mit der gleichen Lichtquelle und gleicher Distanz zum Motiv ein wesentlich kleineres Objekt ausleuchten, wie zum Beispiel eine Zigarettenschachtel, ergeben sich viel weichere Schatten.


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Weiches Licht

Die Quelle für weiches Licht sollte ungefähr so groß sein wie das zu fotografierende Objekt, also zum Beispiel eine zirka 160 cm hohe Softbox im Verhältnis 2:3, die ein stehendes Modell ausleuchtet. Auf der Fläche hinter dem Modell erscheint eine Schattenzone, die zwischen den voll beleuchteten Flächen und dem Kernschatten eine Abstufung von hell bis dunkel erkennen lässt. Diesen Bereich nennt man Halbschatten. Daher hat hier der Abstand zwischen dem Licht und dem Modell einen wichtigen Einfluss auf das Erscheinungsbild des Fotos: Wird die Lichtquelle vom Objekt entfernt, entsteht härteres Licht, wird sie hingegen näher an dieses gerückt, wird das Licht weicher. Also je geringer der Objektabstand, desto weicher das Licht.


Diffuses Licht Diffuses Licht erreichen Sie mit einer sehr großen Lichtquelle. Wenn die Lichtquelle groß genug ist, also größer als das Motiv, hat der Abstand zum Motiv fast keinen Einfluss auf die Lichteigenschaften. Der gesamte Bereich hinter dem Objekt erhält etwas Licht. Der Kernschatten verschwindet vollständig, maximal ist nur eine leicht dunklere Fläche auf dem Hintergrund zu sehen.

Licht und Schatten bei hartem Licht Fast alle Objekte reflektieren mehr oder weniger das Licht. Einige Objekte haben eine perfekte glatte Oberfläche, andere Objekte weisen eine Struktur auf. Wenn die Beleuchtung eines Objekts sichtbar sein soll, müssen Sie diese zuvor erzeugen. Um Strukturen im Foto zu zeigen, brauchen Sie die Verbindung von Licht und Schatten. Deshalb benötigen Sie sehr hartes Licht, um Konturen oder Strukturen bildhaft zu machen. So wird hartes Licht zum Beispiel bei der Fotografie von Textilien eingesetzt und zur Imitation von Sonnenlicht. Die Härte des Lichts hat aber nicht nur Einfluss auf die Schatten und Strukturen, sondern ebenfalls auf die Farbsättigung. Wenn Sie zum Beispiel in der Modefotografie die Strukturen herausarbeiten und eine hohe Farbsättigung erreichen wollen, verwenden Sie hartes Licht für die Kleidung. Das Gesicht des Modells erfordert dann eine eigene Lichtquelle mit weichem Licht.

Licht und Schatten bei weichem Licht Beim Einsatz von weichem Licht sind auch die Schatten weicher und nicht so dunkel wie beim harten Licht. Die Eigenschaften des Lichts sind mehr oder weniger die gleichen wie die eines Fensters ohne direkte Sonneneinstrahlung. Weiches Licht wird in der Menschenfotografie, für Porträts, Mode und Stillleben verwendet. Da die Schatten bei der Verwendung von weichem Licht weicher und weniger tief sind, fällt auch die Farbsättigung deutlich geringer aus.

Licht und Schatten bei diffusem Licht Diffuses Licht lässt die Schatten und Strukturen auf dem Objekt selbst und dem Hintergrund verschwinden. Die Oberfläche ist glatt. In der BeautyFotografie bringen Sie so Falten zum Verschwinden. In der Natur erzeugt ein bedeckter Himmel ein perfekt diffuses Licht. Diffuses Licht wird zum Beispiel für die Beauty- und People-Fotografie verwendet. Kapitel 4 | Die Lichtformer

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Die fünf Kriterien zur Wahl des richtigen Lichtformers

Bei der Betrachtung der Ausleuchtung liegt das Augenmerk nicht nur auf dem Motiv, sondern auch auf den Schatten und dem Übergang von den beleuchteten zu den unbeleuchteten Flächen. Hier wurde das Motiv mit einem Fresnel-Spot ausgeleuchtet. Der Schatten ist klar abgegrenzt und ganz schwarz. Der Lichtkegel ist ebenfalls deutlich abgegrenzt und das Licht beschränkt sich mittenbetont auf Hintergrund und Motiv.

Wie können Sie jetzt die unterschiedlichen Lichtformer miteinander vergleichen und den besten Lichtformer für eine bestimmte Aufgabe wählen? Die Eigenschaften der einzelnen Lichtformer wurden zuvor ausführlich beschrieben, so dass Sie, wenn Sie sich die nachstehenden Fragen beantworten, automatisch zum richtigen Lichtformer finden. Wenn Sie eine Aufnahme realisieren wollen, haben Sie eine bestimmte Vorstellung, wie das Licht und die Stimmung im Bild aussehen sollen. Anhand der fünf Kriterien finden Sie sehr schnell heraus, welches Licht Sie wann und in welcher Distanz einsetzen müssen. Auch um die Ausleuchtung eines fremden Fotos zu verstehen, helfen Ihnen diese Kriterien weiter und es ist Ihnen so möglich, eine bestimmte Lichtsituation nachzustellen.

1. Die Ausleuchtung Wie soll das Objekt ausgeleuchtet werden, wenn das Licht darauf gerichtet wird? Soll die Ausleuchtung ganz gleichmäßig sein, einen Verlauf erzeugen oder eher mittenbetont sein?


2. Der Randverlauf Wie soll der Übergang von der beleuchteten zur unbeleuchteten Fläche aussehen?

3. Die Schattenschärfe Wie scharf sollen die Schatten begrenzt sein? Soll es einen großen Unterschied zwischen Schatten geben, die entstehen, wenn das Objekt nah am Hintergrund ist, und denen, die sich bilden, wenn das Objekt sich weiter weg vom Hintergrund befindet? Weiter sagt sie etwas über die Größe, Form (rechteckig oder rund) und die Distanz zum Objekt aus.

4. Die Schattentiefe Wie tief sollen die Schatten sein? Sollen sie ganz schwarz oder gerade noch sichtbar sein? Die Schattentiefe hängt jedoch nicht allein vom gewählten Lichtformer und dem erzeugten Streulicht ab, sondern auch von der Umgebungssituation.

5. Die Spitzlichter Sollen die Spitzlichter klein oder groß sein? Sollen sie rechteckig oder rund, gleichmäßig oder mittenbetont aussehen? Sollen sie ausgebrannt aussehen oder noch Detailzeichnung aufweisen? Spitzlichter sind bei der Betrachtung wichtig und sagen etwas über die Form, die Beleuchtung, den Diffusor und dessen Größe aus. Wenn Sie alle fünf Kriterien festlegen, können Sie damit ganz gezielt einen oder mehrere bestimmte Lichtformer für Ihr Foto wählen.

Hier sind das komplette Motiv und der Hintergrund gleichmäßig mit diffusem Licht ausgeleuchtet. Es wurde ein großer Beauty Dish verwendet. Die weichen, zum Rand heller werdenden Schatten umgeben das Motiv nur mit einem ganz schmalen Rand.


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82 Kapitel 5 | Drinnen & Draußen

Drinnen & draußen Ob Ihre Aufnahmen in der freien Natur (outdoor), bei natürlichem Licht (Available Light), vor Ort (on location), im Wohnzimmerstudio oder im professionell ausgerüsteten Fotostudio entstehen, ist für das Bildergebnis egal, solange Sie Herr des Lichts sind und die Aufnahmesituation beherrschen. Welche unterschiedlichen Aufnahmeparameter Sie berücksichtigen sollten und was Sie beim Umgang mit der Technik beachten müssen, schauen wir uns nun an.

Auch im Heimstudio lassen sich gute Bilder machen. Hier wurden eine Regalwand und das Fenster mit schwarzem Molton verhangen. Zwei 250W-Blitze, einer mit kleiner Softbox, der andere mit Durchlichtschirm, leuchten das Motiv aus. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm 1.8er Objektiv – Belichtung 1/180 Sek. bei f/4 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 5 | Drinnen & Draußen

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Available Light Available Light (Abk. AL) steht für das Fotografieren bei vorhandenem Licht. Ziel der Fotografie im Stil des Available Light ist das Ausnutzen vorhandener Lichtquellen, um die vorherrschende Lichtstimmung zu erhalten. Früher oder später kommen Sie in die Situation, unter solchen Lichtverhältnissen Aufnahmen zu machen.

Natürliches Licht durch ein Fenster ist mit seinen warmen Farben wunderbar für Porträts. Dieses Fenster liegt im Souterrain, die Sonne strahlt also nicht direkt ein und die milchigen Scheiben wirken zusätzlich wie eine Softbox. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Der Begriff „Available Light“ stammt aus dem Englischen. Er heißt wörtlich übersetzt „verfügbares Licht“ oder „vorhandenes Licht“ und bedeutet in der Fotografie, dass Sie für Ihre Fotos trotz zumeist ungünstiger Lichtverhältnisse Indoor mit dem natürlichen Licht arbeiten. Dies ist unabhängig davon, ob es sich dabei um Tageslicht handelt, das durch Fenster in den Innenraum fällt, oder um die vorhandene Raumbeleuchtung. Jedoch wird auf zusätzliche Beleuchtung durch Blitze, Studiolampen oder Reflektoren verzichtet, Puristen verzichten sogar auf ein Stativ. Sie werden sich jetzt fragen: Also fotografiere ich doch immer mit Available Light, wenn ich zum Beispiel Aufnahmen im Freien mache? Im Grunde ja, jedoch geht es bei der Available-Light-Fotografie um Aufnahmesituationen, die eigentlich zusätzliches Licht erfordern würden, zumal in Innenräu-

men. Es stellt eine Herausforderung an Sie als Fotograf dar, diese oft extrem knappe Lichtsituation zu meistern und zur Belohnung natürlichere und weichere Lichtsituationen zu erhalten, die gerade in der Porträt- und Erotikfotografie dem Modell schmeicheln. Auch bei Kerzenlicht oder Kaminfeuer würde zusätzliche Ausleuchtung die Stimmung des Fotos zerstören. Dabei ist es nicht wesentlich, welcher Art das Licht ist. Es kann Sonnenlicht sein, das durch ein Fenster in einen Raum fällt, es kann die Straßenbeleuchtung in einer nächtlichen Straße sein oder aber auch die künstliche Beleuchtung in einem Raum oder einer Halle. All diesen Situationen ist eines gemeinsam: Es wird kein zusätzliches Licht extra für die Fotos eingesetzt und das Motiv orientiert sich am Licht und nicht das Licht am Motiv. Fällt das Licht durch ein Fenster, so muss sich das Modell für ein Porträt zum Beispiel ins Licht stellen und in Richtung des Fensters schauen. Bei vorhandener Raumbeleuchtung müssen Sie die Stellen ermitteln, an denen ausreichend Licht auf Ihr Motiv fällt. Die Lichtsituation nimmt also Einfluss auf Ihren Aufnahmestandpunkt und damit auf den Bildausschnitt und die Perspektive. Available-Light-Fotografie entsteht entweder als bewusst eingesetzte eigene Kunstform, deren Ziel es ist, das vorhandene Licht in die Motivwahl und Beleuchtung mit einzubeziehen, oder aber aus Sachzwängen heraus, weil zusätzliches Licht entweder nicht vorhanden oder aber nicht gestattet ist. Available Light ist besonders geeignet, um vorhandene Lichtstimmungen und Lichtfarben wiederzugeben, daher haben diese Fotografien oft eher einen künstlerischen als einen dokumentarischen Charakter.

Aufnahmetechnik und Belichtung Im Gegensatz zu anderen Genres verzichten wir in der Available-LightFotografie h6äufig bewusst auf Stative, um die Bilder weniger statisch zu gestalten. Das verfügbare Licht ist anders als künstliches Licht nicht flexibel veränderbar. Festlicht oder eine Blitzanlage können Sie flexibel

Hier fällt das Licht durch ein großes Fenster von rechts ein und wird zusätzlich von der Zimmerwand hinter dem Fotografen reflektiert. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/90 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 135 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher


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zum Modell anordnen, bei der AL-Fotografie aber müssen Sie das Modell passend zum Licht anordnen und Sie als Fotograf die größtmögliche Bewegungsfreiheit haben. Um die Lichtknappheit auszugleichen, verwenden wir stattdessen hochempfindliche Digitalkameras und besonders lichtstarke Objektive. In der Shooting-Pause entstand dieses entspannte Foto bei natürlichem Licht. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Trotz allem führen die oft auftretenden verhältnismäßig langen Belichtungszeiten zu Problemen, die eine Gratwanderung darstellen: Das Verwackeln lässt sich zwar durch Auflage der Kamera auf eine stabile Fläche vermeiden, ungewollte Bewegungsunschärfe des Modells bleibt jedoch als weitere Schwierigkeit, erfordert einen besonderen Blick für die Situation und kann durchaus in die Bildstimmung einfließen. Andere Schwierigkeiten, die auftreten können, sind hohe Kontrastumfänge und durch Lichtquellen mit verschiedenen Farbtemperaturen auftretendes Mischlicht. Die Qualität der Ergebnisse, die Sie in der Available-Light-Fotografie erzielen können, hängen außer von Ihrem kreativen Talent ganz wesentlich auch von der Ihnen zur Verfügung stehenden Technik ab. Bei wenig vorhandenem Licht sind drei Voraussetzungen besonders wichtig: lichtstarke Objektive, die eine Blendenöffnung von f/2.8 oder größer zulassen, die Möglichkeit, hohe ISO-Werte ohne störende Einflüsse wie Bild- und Farbrauschen an Ihrer Kamera einzustellen, sowie die Einstellungsmöglichkeit von halbautomatischen oder manuellen Kamerafunktionen (Zeit- oder Blendenautomatik). Kameras oder Objektive mit Bildstabilisatoren vergrößern die Möglichkeiten der Available-LightFotografie ebenso wie der Einsatz von Dreibeinbzw. Einbeinstativen bei Belichtungszeiten unter 1/30 Sekunden. Alle aktuellen digitalen Spiegelreflexkameras bieten aufgrund ihrer großen rauscharmen Sensoren und der Flexibilität durch die Vielzahl lichtstarker Objektive das ideale Werkzeug für den Umgang mit Available Light. Schneller und präziser Autofokus und geringe Auslöseverzögerung sind weitere schlagkräftige Argumente für digitale Spiegelreflexsysteme bei knappen Lichtverhältnissen.


Messwertspeicher und Belichtungs korrektur Die Verteilung des Lichts ist in Situationen mit Available Light oft sehr ungleichmäßig. Nicht immer befindet sich das Motiv in der Bildmitte. Mithilfe des Messwertspeichers können Sie den zuvor ermittelten Belichtungswert zwischenspeichern. Sie messen den bildwichtigen Teil mit der Selektiv- oder mittenbetonten Messung an und drücken die Messwertspeichertaste (je nach Hersteller AE-L oder *). Anschließend legen Sie das Motiv wieder in den gewünschten Bildschnitt und lösen mit den gespeicherten Belichtungsdaten aus. Sie sollten unter Umständen verschiedene Bereiche des Motivs anmessen und dann einen Mittelwert bilden, um eine wirklich ausgewogene Belichtung zwischen hellen und dunklen Bildpartien zu finden. Der Vorteil der Digitalfotografie ist die Möglichkeit der sofortigen Kontrolle der Aufnahme. Gerade im Bereich des Available Light wird die Belichtungsmessung getäuscht, weil der mittlere Helligkeitswert des Motivs nicht dem 18%igen Grau entspricht, auf das der Belichtungsmesser geeicht ist. Wenn Sie Fensterfronten mit in das Bild einbeziehen, versucht die Kamera, einen Mittelwert zwischen hellem Fenster und dunklem Innenraum zu finden. Das Fenster ist dann zwar korrekt belichtet, der Rest des Raums ist jedoch zu dunkel. Da aber Ihr Motiv nicht das Fenster ist, sondern z.B. ein Modell am Fenster, geben Sie über die Belichtungskorrektur 1 bis 2 Blenden (+1 oder +2) hinzu, die Fenster überstrahlen leicht, was aber zugunsten des dann richtig belichteten Hauptmotivs zu vertreten ist.

Klassische Motive bei Available Light Porträts

Es muss nicht immer ein Fenster sein. Bei diesem Bild konnte ich dem unwirklichen Raumlicht nicht wiederstehen. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/1000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 1600. Foto: Carina Meyer-Broicher

Eine klassische Situation in der Fotografie bei Available Light sind Porträts am Fenster. Das Fenster bildet dabei die einzige Lichtquelle. Um zu starke Kontrastunterschiede zu verhindern, sollten Sie möglichst ein Nordfenster wählen oder die Mittagszeit und direkt einfallendes Sonnenlicht vermeiden beziehungsweise einen Raum wählen, der durch helle Wände oder Tapeten ausreichend Licht reflektiert.


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Sie sollten Available Light grundsätzlich im RAW-Format fotografieren oder aber zumindest für den Bereich, in dem Sie fotografieren, einen manuellen Weißabgleich durchführen, da eine nachträgliche Korrektur der Farbtemperatur im JPEG-Format verlustbehaftet ist und nicht immer zu guten Ergebnissen führt. Wenn die Kontrastunterschiede zu hoch sind und das Fenster in der Vorschau weiß überstrahlt, variieren Sie den Blickwinkel so, dass die Fensterfläche reduziert wird. Das verringert den Kontrastumfang im Bild. Gut ist es, wenn Sie für solche Situationen ein Bettlaken oder eine alte Gardine im Gepäck haben. Damit können Sie das Fenster verhängen und so ebenfalls den Kontrastumfang reduzieren, was auch zu insgesamt weicherem Licht führt und dem Modell schmeichelt.

Sportfotografie in der Halle Ein ganz spezieller Bereich der Fotografie bei Available Light ist die Sportfotografie in der Halle. Der Einsatz von Blitzlicht ist in vielen Fällen untersagt oder wird nicht gerne gesehen, weil die Spieler sich ungern blenden lassen, insbesondere in der Nähe des Tors. Gleichzeitig bewegen sich die Leistungssportler derart schnell, dass Belichtungszeiten von 1/500 Sekunden nötig sind, um scharfe Bilder zu erhalten. Einige Hallen sind mit sehr starken Flutlichtstrahlern ausgestattet, die, ein sehr lichtstarkes Objektiv vorausgesetzt, diese Belichtungszeiten erlauben, ohne dass Sie die Empfindlichkeit des Sensors zu sehr anheben und mit Bildrauschen rechnen müssen. Mehr dazu lesen Sie in Kapitel 12 „Sportfotografie“.

Event-Fotografie Auch die Bühnenfotografie nimmt ein weites Feld in der Available-LightFotografie ein. Weder im Konzert noch im Theater dürfen Sie ein Blitzlicht verwenden und selbst wenn, wäre es wegen der geringen Reichweite nicht sonderlich effektiv. Welche speziellen Herausforderungen Sie in diesem Genre erwarten, lesen Sie ebenfalls in Kapitel 12 ab Seite 225.

Street-Fotografie „Indoor“ Auch für Fotos in Cafés und in anderen Innenräumen, eigentlich ein Bereich der Street-Fotografie, ist Available-Light-Fotografie die erste Wahl. Gerade hier würden Hilfsmittel wie Blitz und zusätzliche Beleuchtung die Lichtstimmung zerstören, die diese Bilder ausmachen.


Das mobile Studio Gerade in der People-Fotografie machen Sie sehr viele Aufnahmen nicht im Studio, sondern an allen möglichen und unmöglichen Orten, teilweise unter den unmöglichsten Bedingungen. Die Arbeit on Location, also überall dort, wo Sie Menschen fotografieren, bei der Arbeit, in deren privatem Umfeld, im Café oder im Freien, ist spannender als Studiofotografie, aber auch ein wenig schwieriger. Deswegen ist es wichtig, dass Sie dafür gut gerüstet sind und Ihr „Fotostudio“ immer bei sich haben. Oftmals reicht leider das verfügbare Licht nicht aus, um ein brillantes Bildergebnis zu erzielen, oder andersherum würden ein paar Hilfsmittel das Foto deutlich besser machen. Was also neben Kamera und Objektiven unbedingt zu Ihrer Ausrüstung gehören sollte, sind faltbare Flächenreflektoren, ein Stativ und ein externes Blitzgerät.

Outdoor-Porträts Egal, ob im Freien oder on Location, Ihre neuen besten Freunde heißen Reflektor, Diffusor und Abschatter. Ich betrachte die Arbeit mit dem Licht vor Ort immer als Drei-Phasen-Plan: Plan A ist auf jeden Fall Available Light. Wenn das natürliche Licht nicht ausreicht, ist Plan B der Einsatz eines Reflektors und Plan C der externe Blitz, auch gerne in Kombination mit dem Reflektor. Wichtig ist aber auch, dass Sie Ihre Ausrüstung nicht überlasten. Wenn Sie vor Ort angelangt sind (nicht an jede Location kann man mit dem Auto fahren) und Sie vor lauter Schleppen Ihre Hände nicht mehr ruhig halten können, macht das aus meiner Sicht wenig Sinn. Entscheiden Sie also von Fall zu Fall, ob Sie zum Beispiel das Stativ noch mitnehmen. Das Stativ können Sie gleich zweifach verwenden: Zum einen ersetzt es die helfende Hand, die Ihnen den Reflektor halten kann und zum anderen gibt es

Auch Beauty-Fotos müssen nicht immer im Studio entstehen. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/4 – Brennweite 300 mm – ISO 400. Foto: Carina MeyerBroicher


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Ihnen bei ungünstigen Lichtverhältnissen die Möglichkeit, die Verschlusszeit zu verlängern, sofern das Modell lange genug ruhig stehen oder sitzen kann. Meiner Erfahrung nach ist aber ein menschlicher Helfer in solchen Fällen wesentlich flexibler, er kann etwas tragen und nicht professionelle Modelle können selten eine Sekunde wirklich still halten. Bis auf das Wetterrisiko werden bei Tageslicht beziehungsweise natürlichem Licht aufgenommene Porträts immer am schönsten. Aber auch Regen macht zum Beispiel ein wunderbares weiches Licht, auch wenn Sie die Kamera und das Modell dabei schützen müssen. Für Porträts eignet sich ein bewölkter Himmel wesentlich besser als strahlender Sonnenschein. Das gedämpfte Licht schmeichelt den Hauttönen und lässt das Gesicht zart und weich erscheinen. Bei diesem Licht sind zwar keine satten, knackigen Farben zu erreichen, aber zauberhafte Pastelltöne. Stimmen Sie die Kleidung und das Make-up des Modells auf die Lichtsituation ab, knallige Farben bei der Oberbekleidung oder grelles Make-up würden das zarte Bild nur stören.

Hier wurde wieder der Schatten genutzt und das Licht mit einem Reflektor gelenkt. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 120 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Wenn die Lichtverhältnisse an bedeckten Tagen zu schlecht sind, kann der Aufsteckblitz oder ein Reflektor helfen, das Foto zu verbessern. Experimentieren Sie im Freien nicht mit zu hohen ISO-Werten herum, verwenden Sie lieber zusätzliches Licht als ISO 800. Ein bewölkter Himmel ist stets von Vorteil, insbesondere wenn Sie gezwungen sind, am Mittag zu fotografieren. Dann steht die Sonne besonders hoch und das Licht ist hart und wirft auch harte Schatten auf das Gesicht. Hier ist es besser, in den Schatten zu gehen und einen Reflektor für indirektes Licht oder den Aufhellblitz zu verwenden. Versuchen Sie also, sofern es möglich ist, die Aufnahmen für den Morgen oder den späten Nachmittag zu planen. Die Sonne steht niedriger und auch die Lichttemperatur kommt den Hauttönen besser entgegen.

Vermeiden Sie unbedingt, dass Ihr Modell direkt in die Sonne schaut, Sie also die Sonne im Rücken haben. Für den Fotografen ist es so zwar einfacher, das Licht in den Griff zu bekommen, jedoch wird das Modell sehr kleine Augen haben, ständig blinzeln und auch bald ermüden. An solchen Fotos werden Sie keine Freude haben, denn die größte Wirkung geht bei Porträts von den Augen aus, sie sollten möglichst groß und entspannt in die Kamera blicken. Wenn die Sonne seitlich auf das Modell fällt, taucht sie zumeist eine Gesichtshälfte in den Schatten. Dies hat den Effekt, dass das Porträt zwar plastischer erscheint, aber leider auch, dass sich Hautstruktur, Hautunreinheiten und Falten deutlicher abzeichnen. Bei einem harten, in Schwarzweiß gehaltenen Männerporträt kann dies eine sehr gute Wirkung haben, bei einem zarten Frauen- oder Kinderporträt werden Sie diesen Effekt jedoch unbedingt vermeiden wollen. Mit einem Diffusor lässt sich dieser Effekt durch eine höhere Streuung des Lichts deutlich abmildern. Eine schöne Alternative für Aufnahmen im Freien bei tief stehender Sonne ist auch das Gegenlicht. Es fällt von vorne kein Licht auf das Modell, das Gesicht wird lediglich durch das reflektierende Umgebungslicht oder durch einen Reflektor ausgeleuchtet. Achten Sie hierbei darauf, dass das Modell die Sonne komplett verdeckt und diese nicht im Bild ist. So ergeben sich keine Probleme mit Linsenreflexionen und Sonnenstrahlen, die durch die Haare des Modells schimmern. Sie geben dem Foto seinen ganz eigenen Charme.

Die hochstehende Sonne wurde bei dem Foto auf Seite 90 zum größten Teil von den Bäumen verdeckt und gibt so ein wenig Hintergrundlicht. Das Hauptlicht stammt vom Reflektor vorne links.

Auch dramatischere Schwarzweißfotos können Outdoor entstehen. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 320. Foto: Carina Meyer-Broicher


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Flächenreflektoren Um flexibel zu bleiben, wenn Sie sich in der Natur oder Stadt bewegen, eignen sich am besten Faltreflektoren. Faltreflektoren werden in Größen von 30 bis 130 cm als runde Reflektoren, Abschatter und Diffusoren sowie bis zu 120 x 180 cm als ovale Variante angeboten. Die kleineren Ausführungen eignen sich nicht für Porträts. Von einer Größe ab zirka 60 bis 80 cm eignet sich der Faltreflektor für den Einsatz bei der People-Fotografie, wobei Sie die runden Reflektoren für Porträts bis zur Taille verwenden und ovale Lichtscheiben der Ausleuchtung bei Ganzkörperfotos dienen. Die Reflektoren sind in verschiedenen Ausführungen erhältlich. Als Einsteiger sind Sie mit den 3-in-1 oder 5-in1 Kits für sehr gut bedient. Die 3-in-1 Kits haben als Basis immer den Diffusor auf Stahlfederrahmen sowie einen Überzug mit Reißverschluss, der eine silberfarbene und eine goldfarben beschichtete Seite hat. Alternativ wird das Set mit einem Überzug mit schwarzer und weißer Seite angeboten. Auch bei den 5-in-1-Kits bildet der Diffusor die Basis. Der Überzug ist jedoch beidseitig verwendbar, eine Seite ist jeweils mit Schwarz und Silber ausgestattet, die andere mit Gold und Weiß. Bei den aktuell neuen Kits wird die schwarze Seite zum Abdunkeln durch eine SoftgoldVariante ersetzt, die je nach Anbieter unterschiedlich mit Silber- und Goldfolie beschichtet ist. Alle Produkte werden mit Handschlaufe und Transporttasche geliefert. Große Flächenreflektoren, wie hier von California Sunbounce, leuchten das Modell vollständig aus und bringen Licht auch in die dunkelste Ecke. Im Studio ersetzt ein solcher Reflektor die zweite Lampe voll und ganz. Auch diese Reflektoren lassen sich relativ einfach auseinanderbauen und in der mitgelieferten Tasche transportieren Foto: California Sunbounce


Einzelne Faltreflektoren sind, mit Ausnahme der Diffusoren wegen der Lichtdurchlässigkeit, immer auf beiden Seiten mit unterschiedlicher Folie bespannt. Hier können Sie je nach Einsatzzweck zwischen allen auf dem Markt befindlichen Farben wählen. Eine weitere Ausführung sind die „Ein-Mann“-Reflektoren mit Haltegriff. Obwohl ebenfalls faltbar, sind sie mit einem Handgriff versehen, der es Ihnen ermöglichen soll, den Reflektor selbst zu halten. Dies setzt voraus, dass Sie mit Stativ fotografieren und auch der Wind nicht zu stark ist. Diese Reflektoren sind teurer als die üblichen Modelle, es ist fraglich, ob sich die Mehrkosten lohnen, denn mit ausgestrecktem Arm fotografiert es sich nicht wirklich konzentriert und entspannt, fraglich ist auch, ob die Sonne im richtigen Winkel steht, um von der Position der Kamera aus mit ausgestreckten Armen erreicht zu werden.

Welche Reflektorfarbe und wozu ein Diffusor? Die Reflektoren werden mittlerweile in bis zu zehn Farbversionen angeboten. Jede Bespannung dient unterschiedlichen Zwecken, die Gold- und Silbertöne bewirken unterschiedliche Lichttemperaturen. Diffusor: Der Diffusor dient der Streuung und Abschwächung beim direkten Einfall von Sonnenlicht und vermeidet so Überstrahlungen. Im Studio kann er zur Dämpfung von Lampenlicht verwendet werden und man erhält so ein schönes weiches, gleichmäßiges Licht. Weiß 5600° Kelvin: Der Aufheller – eignet sich besonders für eine weiche Porträtbeleuchtung und hellt das reflektierte Licht auf. So entsteht eine farbneutrale Helligkeit. Schwarz: Wird zur Absorption von Licht verwendet, also zum Abdunkeln von Bildteilen. Silber 5600° Kelvin: Ergibt ein stark reflektiertes und klares Licht und bringt von allen Farben die höchste Lichtausbeute. So entstehen sehr kontrastreiche Fotos mit harten Lichtreflektionen. Soft Silber 5600° Kelvin: Mischung aus weißen und silbernen Streifen. So entstehen Fotos mit der Stärke des Silberreflektors und den Feinheiten eines weißen Aufhellers.

Mit Diffusor und Reflektor sind Sie bei Aufnahmen im Freien bestens gerüstet. Der Diffusor mildert das harte Sonnenlicht, der Reflektor sorgt für ausgewogene Belichtung.

Gold 3800° Kelvin: Goldreflektoren lassen warme Hauttöne entstehen und verringern die Farbtemperatur deutlich. Es entsteht ein weiches, warmes Licht, ähnlich dem eines Sonnenuntergangs. Sunfire 4750° Kelvin: besteht zu jeweils 50% aus silbernen und goldenen Streifen und wurde speziell für die digitale Fotografie entwickelt. Hier erweist sich ein Goldreflektor wegen des starken Gelbanteils des Lichts und der hohen Sensitivität digitaler Kameras auf diesen oftmals als zu stark. Sunlite 5000° Kelvin: Kombination von zwei Anteilen Silberstreifen zu einem Anteil Goldstreifen. Erzeugt im Vergleich zu Sunfire hellere und weichere Reflektionen. Softgold: ebenfalls halb Silber-, halb Goldreflektor. Die Linien sind in einem Zickzackmuster auf die Folie aufgetragen. Ergibt ein warmes, sommerliches Licht mit idealen Hauttönen.


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Sunflame: Auch Sunflame mischt Goldund Silber für natürliche Hauttöne mit Sonneneffekt.

Die praktische Anwendung Mit den Reflektoren können Sie überall ähnliche Bedingungen wie im Studio herstellen, insbesondere was die Lichtführung angeht. Das klassische Beispiel hierfür ist die Porträtfotografie. Wenn Sie bei harter Mittagssonne Aufnahmen im Freien machen möchten, ist der Difussor unverzichtbar. Denn bei direkter, frontaler Sonneneinstrahlung ist es nicht möglich zu fotografieren, weil das Modell, von der Sonne geblendet, die Augen nicht öffnen kann. Bei seitlichem Lichteinfall entstehen hässliche, harte Schatten. Und bei Gegenlicht wird das Gesicht nicht genügend ausgeleuchtet. Platzieren Sie das Modell so, dass das Licht von schräg vorne kommt. Zwischen Sonne und Modell positionieren Sie den Diffusor. Die der Sonne abgewandte Gesichtshälfte wird zusätzlich mit einem Reflektor mit Gold- oder Sonnenbeschichtung ausgeleuchtet. So erhalten Sie eine ausgewogene Ausleuchtung, die dennoch genügend Tiefe hat. Eine weitere Möglichkeit ist, das Modell komplett im Schatten zu platzieren und mittels eines oder zweier Reflektoren das Sonnenlicht indirekt auf das Modell zu lenken. Hierzu eignen sich ebenfalls goldfarbene Reflektoren, die viel Sonne und warme Hauttöne ins Foto bringen. Zusammenfassend gibt es drei einfache Grundregeln für den Einsatz von Reflektoren: Die Reflexion ist immer nur so groß wie der Reflektor. Die Farbe der Reflektion entspricht der Beschichtung des Reflektors. Der Einfallwinkel des Lichts entspricht dem Ausfallwinkel der Reflektion.


Sinnvolles Zubehör Der beste Reflektorhalter ist immer noch ein Mensch. Denn nur er ist auf Anweisung des Fotografen in der Lage, durch Nuancen in der Haltung das Licht präzise zu führen. Aber leider hat man nicht immer die Gelegenheit, gemeinsam mit jemandem zu fotografieren. Die Halterungen und Stative für Reflektoren machen hauptsächlich im Studio Sinn, dort verändert sich das Licht nicht und wenn, wird der Reflektor ebenfalls neu positioniert. Wenn Stative nur eine senkrechte Halterung aufweisen, wird sich draußen beim kleinsten Wind der Reflektor aus dem optimalen Winkel drehen. Achten Sie also unbedingt auf eine stabile Querbefestigung, denn nur die kann zwei Hände ersetzen. Für den Diffusor sind ausschließlich Halterungen geeignet, die nicht hinter dem Diffusor laufen, weil deren Schatten sonst auf das Objekt oder Modell fallen würden.

Der Kamerablitz Für die Steuerung von Lichtsituationen stehen Ihnen eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Verfügung. Die einfachste Methode, mit Kunstlicht zu arbeiten, ist der interne Blitz Ihrer Digitalkamera. Wenn Ihnen die eingeschränkten Möglichkeiten des internen Blitzes nicht ausreichen, können Sie ein externes Blitzgerät verwenden, das Sie auf den Blitzschuh stecken. Ein solcher Systemblitz lässt sich auch per Kabel oder Infrarot entfesselt einsetzen, um die Lichtrichtung zu variieren. Außerdem können Sie mehrere Systemblitze koppeln und beliebig rund um das Motiv aufstellen. Die Wirkung des Blitzes können Sie durch reichhaltiges selbst gebautes oder gekauftes Zubehör ergänzen. Mit Reflektoren oder Durchlichtschirmen streuen oder zentrieren Sie das Licht und hellen Schatten auf.

Grundlagen der Blitztechnik Blitzmessverfahren Die meisten Digitalkameras arbeiten heutzutage mit der Messmethode TTL (engl., Abk. „Through The Lens“ = durch die Linse), was nichts anderes bedeutet, als dass die abgegebene Lichtmenge des Blitzes durch das Objektiv gemessen wird. Je nach Hersteller ist das TTL-Verfahren weiterentwickelt worden und nennt sich dann iTTL, ETTL oder DTTL. Bei Canon zum Beispiel werden vor dem eigentlichen Auslösen einige ganz schnelle, kurze Blitze abgefeuert. Die Kamera misst dann die Belichtung und den Kontrast des Motivs und stellt so die benötigte Lichtmenge des Blitzes ein. Zusätzlich zu Blitz- und Umgebungslicht wird bei den neueren Verfahren die Entfernung zum Motiv übermittelt, sofern das Objektiv diese Daten auslesen kann, und in die Kalkulation mit einbezogen. Wenn Sie Systemblitze mit ausreichender Leistung verwenden, werden Ihnen die Blitze immer die korrekte Lichtmenge liefern, selbst wenn Sie indirekt blitzen, also gegen die Decke oder über Reflektoren.

Blitzbelichtungskorrektur Es wird trotz ausgefeilter Blitztechnik und Belichtungsmessung immer wieder Situationen geben, in denen Ihr Motiv zu hell oder, seltener, zu dunkel ist. Insbesondere im Nahbereich, also bei formatfüllenden Porträts, ist die abgestrahlte Lichtmenge in der Regel zu groß. Mithilfe der Blitzbelichtungskorrektur können Sie die Blitzleistung gezielt um bis zu zwei Blenden steigern oder reduzieren. Das Ergebnis der Korrektur sollten Sie über das Histogramm der Kamera kontrollieren, denn es gibt Ihnen

Im TTL-Modus lassen sich Brennweite, Blende und ISO ebenso wie die Blitzreichweite am Display des externen Systemblitzes ablesen. Foto: Nikon


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gerade bei schwierigen Lichtsituationen zuverlässiger Auskunft über die richtige Belichtung als der rein visuelle Eindruck des Fotos auf dem Display. Bedenken Sie dabei bitte, dass die beste Blitzbelichtungskorrektur nichts hilft, wenn die Leistung des Blitzes zu schwach ist. In solchen Fällen hilft es nur, die Empfindlichkeit des Sensors, also die ISO-Zahl, anzuheben. Verfahren Sie am besten nach dem folgenden Grundprinzip: lieber ein korrekt belichtetes Foto mit ISO 1600 als ein zu dunkles Foto mit ISO 400.

Der interne Blitz Interne Blitze verfügen meist über eine Leitzahl zwischen 10 und 14. Deswegen ist der interne Blitz wegen seiner recht geringen Reichweite von grob gerechnet 2 bis 4 Metern nur eingeschränkt zu gebrauchen. Er kann als Hilfsmittel für Porträt- oder Gegenlichtaufnahmen dienen, wird jedoch versagen, wenn Sie wirklich große Räume oder weiter als 4 Meter entfernte Motive ausleuchten möchten.

Der ausgeklappte interne Blitz – hier an einer Nikon D700. Foto: Nikon

Je nachdem, welches Programm an Ihrer Kamera eingestellt ist, können Sie auswählen, ob Sie den internen Blitz verwenden wollen oder nicht. In vielen Motivprogrammen und natürlich bei Vollautomatik ist ein manuelles Zuschalten des Blitzes nicht möglich. Stattdessen entscheidet die Kamera, wann die Belichtung einen Blitzeinsatz erfordert, und aktiviert den internen Blitz automatisch. In den Motivprogrammen „Sport“ und „Landschaft“ ist dagegen keinerlei Blitzeinsatz vorgesehen, der Blitz lässt sich auch nicht zuschalten. Wenn Sie sich jedoch in den Kreativprogrammen P, S (Tv), A (Av) oder M befinden, ist es Ihre Entscheidung, ob Sie den Blitz verwenden oder nicht. Um den internen Blitz zuzuschalten, drücken Sie die Blitztaste oben links am Gehäuse. Der Blitz klappt dann auf und ist sofort einsatzbereit.

Die Leitzahl Im Zusammenhang mit Blitzgeräten wird Ihnen immer wieder der Begriff „Leitzahl“ begegnen. Die Leitzahl ist ein Maß für die Blitzreichweite, also die Entfernung zwischen Blitz und Motiv, bei der der Blitz noch in der Lage ist, das Motiv ausreichend auszuleuchten. Sie bezieht sich auf eine Sensorempfindlichkeit von ISO 100, eine Blendenzahl von 1:1 und ein Motiv von mittlerer Helligkeit mit dem Ihnen schon bekannten 18-prozentigen Grauwert. Allerdings ist diese Angabe weder standardisiert noch wird sie von den Herstellern durchgängig gleich gehandhabt. Ein Blitz von Metz mit einer Leitzahl von 54 kann durchaus schwächer sein als ein Blitz


Bildwinkel

114°

104°

84°

75°

63°

47°

34°

29°

23°

Brennweite (kb)

14 mm

17 mm

24 mm

28 mm

35 mm

50 mm

70 mm

85 mm

105 mm

Leitzahl (ISO 100, m)

17

19

30

32

38

44

50

53

56

Beispiel der möglichen Reichweite und Veränderung der Leitzahl durch Verwendung eines Zoomreflektors am Beispiel Nikon SB 800 von Nikon mit einer Leitzahl von 48. Wichtig sind bei der Bewertung der Angabe die Brennweite und die Blende, auf die sich die Leitzahl bezieht.

Die Reichweite (Leitzahl) berechnen Die Blitzreichweite in Meter errechnet sich aus dem Verhältnis der Leitzahl zur größten verfügbaren Blendenöffnung:

Reichweite = Leitzahl/Blende Wenn Sie also die Blitzreichweite eines internen Blitzes mit einem Objektiv 18-55 mm f/3.5-5.6 berechnen wollen, so ergibt sich bei der kürzesten Brennweite von 18 mm und maximaler Blende f/3.5 eine ungefähre Blitzreichweite von 3,70 Meter, wenn man eine typische Leitzahl von 13 für den internen Blitz annimmt.

Reichweite =13/3,5 Für die längste Brennweite (55 mm) bietet dieses Objektiv nur f/5.6 als größte mögliche Blende an. Die Blitzreichweite liegt dann bei gut 2 Meter. Verwenden Sie stattdessen einen Blitz mit einer Leitzahl von 54, dann erreichen Sie je nach Blende Reichweiten von 10 bis 15 Meter bei ISO 100 und deutlich über 20 Meter bei ISO 400 und darüber.

Aufhellblitzen Auch wenn der interne Blitz nicht gerade durch Leistung besticht, ist er zum Aufhellblitzen sehr gut geeignet, zumal er immer zur Verfügung steht. Bei hellem Tageslicht, insbesondere bei starkem Sonnenschein, ist der Kontrastumfang so hoch, dass im Schatten liegende Motivteile schnell zu dunkel werden. Schalten Sie dann einfach den internen Blitz zu. Wenn das Ergebnis übertrieben wirken sollte, dann reduzieren Sie über die Blitzbelichtungskorrektur die Blitzleistung. Der interne Blitz kann auch für kleine Lichteffekte bei Porträtaufnahmen genutzt werden: Schalten Sie die Blitzleistung auf ein Minimum, um einen kleinen Glanzpunkt in die Augen des Modells zu setzen. Voraussetzung hierfür ist natürlich, dass auch sonst genügend Licht vorhanden ist.

Die Hersteller bieten auch für Blitzgeräte zahlreiches Zubehör zum Absoften des Lichts an. Foto: Nikon


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Eine klassische Situation, um den internen Blitz als Aufhellblitz einzusetzen, ist Gegenlicht. In der Regel ist hier bei korrekter Belichtungsmessung die Belichtung ausgewogen, das Gesicht aber zumeist insgesamt etwas zu dunkel. Eine Überbelichtung mittels der Belichtungskorrektur würde das Gesicht zwar etwas heller werden lassen, im Bereich der Haare käme es aber zu ausgefressenen Lichtern und der Hintergrund würde teilweise zu hell werden, was dem Gesamteindruck des Bilds schaden würde. Abhilfe kann hier der interne Blitz schaffen. Schalten Sie die Belichtung auf Mehrfeldmessung, um auch die Umgebung hinter dem Motiv in die Belichtungsmessung einzubeziehen. Neuere Digitalkameras erkennen dadurch, dass es sich hier um eine Gegenlichtsituation handelt, und stellen die Lichtleistung des internen Blitzes entsprechend schwach ein. Im Endergebnis ist die Umgebung weiterhin richtig belichtet, das Porträt im Verhältnis zum Hintergrund aber aufgehellt.

Externe Blitzgeräte

Mithilfe einer Blitzschiene, die in der Stativaufnahme der Kamera befestigt wird, lassen sich auch große Blitzgeräte an einer Digitalkamera befestigen. Foto: Martin Schwabe


Blitzgeräte sind die großen Brüder des internen Blitzes Ihrer Digitalkamera. Systemblitze des Kameraherstellers (oder passende Geräte von Fremdherstellern) besitzen alle Funktionen, die auch der interne Blitz hat. Dessen eher dürftige Blitzreichweite schlagen Systemblitze um Längen: Je nach Leistung lassen sich Motive in 10 Metern Entfernung oder mehr zufriedenstellend ausleuchten. Alle größeren Systemblitzgeräte haben zudem einen unschlagbaren Vorteil gegenüber dem internen Blitz, denn sie sind schwenkbar. Das heißt, Sie können die Motive auch mit indirektem Blitz beleuchten. So können Sie die oftmals sehr harten Schatten beim direkten Blitzen vermeiden. Alle Einstellungen und Korrekturen für den internen Blitz der Kamera wirken genauso auf den Systemblitz. Sofern Sie ein Kabel oder einen Sender verwenden, der die Kameraeinstellungen an den Blitz überträgt, gilt dies auch, wenn der Blitz entfesselt eingesetzt wird.

Das Hauptlicht fällt hier durch ein großes Fenster von links. Um eine gleichmäßige Ausleuchtung zu erreichen, wird mit dem Aufsteckblitz mit reduzierter Leistung über einen Reflektor die rechte Bildhälfte besser beleuchtet. Das Licht kann über den Reflektor besser gelenkt werden, als wenn Sie indirekt über Wand oder Decke blitzen. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm 2.8er Objektiv – Belichtung 1/100Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Systemblitz verwenden Sobald Sie einen Systemblitz auf den Blitzschuh der Kamera montieren, wird er von der Kamera automatisch erkannt. Der interne Blitz wird dann abgeschaltet und steht nicht mehr zur Verfügung. Die Bereitschaftsanzeigen funktionieren genauso wie beim internen Blitz. Die größeren Blitzgeräte erkennen dabei die an die Kamera angeschlossenen Objektive und sind in der Lage, sich automatisch an die verwendete Brennweite anzupassen. Wenn Sie am Zoomring des Objektivs drehen, wird die Brennweite an den Blitz übermittelt und der Zoomreflektor automatisch in die passende Position gefahren. Kapitel 5 | Drinnen & Draußen

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Eine breite Palette von Lichtformern für Blitzgeräte bietet www.lumiquest.com an. Die Softboxen und Reflektoren sind praktisch, da man Sie zusammenfalten kann. Foto: Lumiquest

Blitzsynchronzeit Die als Blitzsynchronzeit angegebene Zeit ist die kürzeste Verschlusszeit, bei der der Verschluss noch vollständig geöffnet ist. Die Kamera kann dann genau in den offenen Verschluss hinein blitzen, die volle Blitzlichtleistung also passgenau platzieren. Verschlussöffnung und Blitzauslösung finden gleichzeitig statt, daher die Bezeichnung Blitzsynchronzeit. Bei sehr kurzen Verschlusszeiten funktioniert dies nicht, da der Verschluss hier nie vollständig offen ist: Während sich der erste Vorhang noch öffnet, beginnt der zweite Vorhang sich schon wieder zu schließen. Ältere Digitalkameras erlauben eine Blitzsynchronzeit von maximal 1/125 Sekunde. Bei moderneren Kameras sind Blitzsynchronzeiten bis zu 1/250 Sekunde möglich. Kurze Synchronzeiten sind zum Beispiel dann nötig, wenn so viel Restlicht vorhanden ist, dass das Blitzlicht nur einen Teil des benötigten Lichts liefern muss, weil genug Umgebungslicht vorhanden ist. Schnelle Bewegungen werden dann unscharf abgebildet. Auch die Bildgestaltung mit offener Blende erfordert oft kurze Synchronzeiten, zum Beispiel wenn der Blitz bei Gegenlichtsituationen eingesetzt werden soll. Um noch kürzere Synchronzeiten zu erreichen, bieten einige Kameramodelle noch weitere Verfahren an. Elektronische Verschlüsse sind teilweise so schnell, dass Synchronzeiten von 1/500 Sekunden möglich sind. Eine weitere Möglichkeit für nahezu beliebig kurze Verschlusszeiten mit aktivem Blitz ist die FP- oder Kurzzeitsynchronisation. Die Blitzgeräte feuern während der gesamten laufenden Verschlusszeit entweder sehr schnelle, kurze Blitze ab oder schalten auf eine Art Dauerlicht um: Der Blitz zündet – der Verschluss öffnet sich – der Verschluss schließt – der Blitz geht aus. Durch das Dauerlicht wird vermieden, dass das Blitzlicht den Sensor erst erreicht, wenn der Verschluss schon wieder halb geschlossen ist. Ebenfalls nützlich, um das Blitzlicht dem Raumlicht anzupassen, sind farbige Filtervorsätze für den Blitz. Foto: Nikon


Allerdings sinkt bei Dauerlicht die Reichweite eines Blitzes rapide, teilweise werden nur noch Leitzahlen unter 10 erreicht. Da dieses Verfahren aber meist nur bei Gegenlicht oder anderen Blitzsituationen in heller Umgebung zum Tragen kommt, ist die geringe Leitzahl verschmerzbar.

Das erste Studio Auch wenn die Arbeit im Freien oder on Location gerade in der Menschenfotografie immer spannend ist, sind Sie mit einem Studio unabhängig von Wetter, Lichtverhältnissen und der Tageszeit. Auch bietet Ihnen die Studioarbeit die volle Kontrolle über das Licht, den Hintergrund und die Szene. Aber wenn Sie erst am Anfang der People-Fotografie stehen, sollten Sie sich darüber im Klaren sein, dass ein professionelles Atelier eine nicht unbeträchtliche Investition darstellt, die vielleicht gar nicht unbedingt sein muss.

Der Hintergrund besteht aus einem großen, alten Kuttersegel und bildet zusammen mit den Juteballen und der braunen Kleidung des Modells ein harmonisches Bild. Kamera: Canon EOS 40D mit 17 – 85 mm 3.5-5.6er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek bei f/11 – Brennweite 28 mm – ISO 200. Foto: Martin Schwabe

Also überlegen Sie zunächst einmal, ob es nicht möglich ist, einen Wohnraum temporär oder dauerhaft zum Studio umzufunktionieren. Wenn Sie Single sind, ist das wahrscheinlich weiter kein Problem, wenn nicht, nehmen Sie bitte Rücksicht auf Ihren Partner, es kann leicht zu Problemen führen, wenn sich der Fernseher ständig hinter dem Hintergrund versteckt und statt des Deckenfluters Studiolampen OP-Atmosphäre verbreiten. Wenn Sie ein wenig Zeit auf die Planung verwenden, findet sich aber sicher auch bei Ihnen Platz für das erste Studio. Kapitel 5 | Drinnen & Draußen 101

Die Raumgröße Bevor Sie nun anfangen zu planen, was Sie für ein Heimstudio alles an Licht und Ausstattung brauchen, schauen wir uns erst einmal an, wie viel Platz Sie benötigen oder zur Verfügung haben. Drei Dinge bestimmen die Tiefe eines Heimstudios: die Brennweite, der Bildausschnitt und der Abstand zwischen Modell und Hintergrund. Um eine stehende Person komplett ohne Verzerrung zu fotografieren, ist mit dem Normalobjektiv eine Distanz von mindestens 3 bis 4 Metern nötig. Mit einem Weitwinkel sind auch kürzere Distanzen möglich, allerdings um den Preis deutlicher Verzerrungen, die gerade im Bereich der People-Fotografie sehr ungünstig sind. Brennweiten unter 30 mm sollten Sie unbedingt vermeiden, wenn Sie keinen Wert auf künstlerische Verzerrung des Modells legen. Ein weiterer Meter ist sinnvoll, um sich hinter der Kamera noch bewegen zu können. Wir reden also von zirka 4 bis 6 Metern, um eine stehende Person zu fotografieren.

Platzbedarf und Abstände Brennweite

Brustbild

Oberkörper

Ganzkörper

Gruppe

50 mm

1,00 m

1,5 m

3,0 m

4,0 m

100 mm

2,0 m

3,0 m

6,0 m

8,0 m

150 mm

3,0 m

4,5m

9,0 m

12,0 m

200 mm

4,0 m

6,0 m

12,0 m

16,0 m

Mindestabstand Hintergrund/Modell Schattenfreier Hintergrund

1,50 m

Separat ausgeleuchteter Hintergrund

2,00 m

Hintergrundlicht für das Modell

2,50 m

Von hinten beleuchteter Hintergrund

3,00 m

In der Studiofotografie werden Lichtsituationen simuliert oder neue „unübliche“ erfunden. Wenn Sie natürliche Lichtsituationen simulieren möchten, brauchen Sie Hauptlicht von oben, entsprechend der Sonne bei Tageslicht. Auch bei Lichtsituationen im Innenraum gibt es oft ein oder mehrere Lichter, die von oben kommen. Ist in Ihrem Studio nicht genügend Platz, um eine Leuchte oberhalb eines stehenden Modells anzubringen, verlieren Sie einiges an Gestaltungsfreiheit. Wenn Sie den Lampenkörper zwar anbringen können, das Modell dann aber zu nah an diesem Licht steht, dann haben Sie schnell Probleme mit zu harten Schatten und unausgeglichener Lichtführung. Daher fragen Profis bei der Stu-


diosuche immer erst nach der Deckenhöhe, bevor sie sich ein Mietobjekt überhaupt anschauen. Ein Keller ist für People-Fotografie daher selten geeignet, es sei denn, er ist ungewöhnlich hoch. Ab einer Raumhöhe von 2,40 Metern sollte aber auch eine Beleuchtung von oben möglich sein. Wichtig ist auch, dass der Raum über genügend Steckdosen verfügt und zusätzlich ausreichend abgesichert ist. Je nach Lichtquelle wird relativ viel Strom benötigt. Auch eine ausreichende Belüftungsmöglichkeit kann sehr hilfreich sein, da Dauerlichtstrahler unter Umständen sehr viel Wärme produzieren, die Ihnen und Ihrem Modell schnell den Spaß an der Arbeit verderben.

Die Hintergründe Die übliche Studiofotografie findet eigentlich immer vor einem einfarbigen Hintergrund statt. Die einfarbigen Hintergründe sind meist Rollenware aus festem Papier, die man in verschiedenen Breiten bestellen kann. Diese Papierhintergründe haben ein gutes Reflexionsverhalten und sind an sich sehr robust. Es gibt sie in sehr vielen Farben, Mustern und auch mit Verläufen. Um sie vernünftig einzusetzen, bedarf es einer Montage für eine Abrollstange und gegebenenfalls auch einer Kette zum Ab- und Aufrollen. Papierhintergründe sind daher wesentlich aufwändiger zu handhaben als zum Beispiel Stoffe. Stoffe müssen keine speziellen Eigenschaften haben, um sie für fotografische Zwecke einsetzen zu können. Sie dürfen glänzen oder mattierend wirken. Je nach Lust und Laune kann man die Eigenschaften des Stoffs im späteren Foto sogar dekorativ nutzen. Sie sollten sich nur leicht reinigen lassen und in eine Waschmaschine passen, was bei einer 3 x 4 Meter großen Stoffbahn aber in der Regel kein Problem ist. Gehen Sie einfach mal in die Stoffabteilung der großen Möbelketten oder Kaufhäuser und lassen Sie sich beraten. Oft sind Restbestände oder günstige Angebote zu finden. Bei der Stoffauswahl sollten Sie immer Schwarz und/oder Weiß berücksichtigen. Diese zwei Farben eignen sich nicht nur als Hintergrund, sondern lassen sich auch für Abdunklung oder Aufhellung sehr gut verwenden. Der schwarze Basisstoff sollte außerdem so blickdicht wie möglich sein. Bei den Basisstoffen ist Molton die erste Wahl. Es gibt ihn als Meterware in jeder Größe und Stärke. Mit ein wenig Fantasie und offenen Augen lassen sich aber auch andere sehr schöne Hintergründe finden und einsetzen. Große Jutebahnen, zusammengenähte Jutesäcke oder alte Segel geben durchaus sehr attraktive Hintergründe ab. Auch ohne Hintergrund kann es in Ihrer Wohnung Bereiche geben, die sich sehr gut als Hintergrund für

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studioähnliche Aufnahmen eignen. Ein weißes Sofa auf Laminatboden vor einer roten Wand ist fotografisch manchmal attraktiver als ein einfarbiger Profi-Hintergrund. Die nächste Alternative ist die normale Tapete in all ihren Farben und Mustern. Diese sehr einfache Art der kreativen Hintergrundgestaltung ist mittlerweile sehr beliebt und zudem sehr kostengünstig umzusetzen. Sie müssen nun aber nicht unbedingt eine Fläche tapezieren, sondern können sich eine Art Puzzle aus Styroporplatten erstellen, die Sie dann mit Klebestripps an Ihrer eigenen Wand flexibel befestigen können oder in einer einfachen Holzkonstruktion aufstellen. Große Styroporplatten gibt es in jedem Baumarkt. Eine weitere Möglichkeit, den Hintergrund aufzuwerten und kreativ zu gestalten, ist das Arbeiten mit Licht und Schatten. Ein simpler Palmwedel vor einer punktförmigen Lichtquelle auf einen einfarbigen Hintergrund geworfen lässt Ihr Hauptmotiv interessanter aussehen. Sammeln Sie halb transparente Objekte für diesen Trick. Buntes Glas, Kunststoffpflanzen und Lochplatten sind hervorragend geeignet, um sich von der doch oft monotonen einfarbigen Hintergrundfotografie abzuheben. Das Maß, in dem der Hintergrund eine optische Rolle spielt, ist oft sehr kritisch. Übertreiben Sie es nicht. Denn der Hintergrund sollte immer nur das fotografierte Objekt unterstützen und nicht davon ablenken. Eine verwirrende Muster- und Farbsituation ist meist dem Vordergrund nicht dienlich. Nutzen Sie die Tiefenschärfe, um die Hintergrundsituation durch fein gewählte Unschärfe zu beruhigen.

Die Lichtquellen Eines vorweg: Ausreichend Licht muss nicht teuer sein. Viele der früheren Probleme mit Licht sind in der heutigen digitalen Zeit einfach nicht mehr vorhanden. So war der größte Kostentreiber in der analogen Studiofotografie die Farbreinheit des Lichts. Der Aufwand, der dort betrieben werden musste, war immens. Dies hat dank digitalem Weißabgleich keine große Relevanz mehr.

Baustrahler Ein Baustrahler reicht meist nicht aus. Hier ein Set mit einer Gesamtlichtleistung von etwa 500 Watt. Abgesoftet wird durch einen weißen Vorhang.


Der Baustrahler ist die Low-Budget-Lichtquelle schlechthin. Er ist in jedem Baumarkt zu bekommen und kostet, je nach Ausstattung, zwischen 20 und 50 Euro. Einen Doppelstrahler mit Stativ kann ich hier nur empfehlen, aber Einzel- und Bodenstrahler sind ebenfalls nützlich. Baustrahler auf

Studio-Setup mit drei Baustrahlern auf einem Stativ. Die Baustrahler werden mit Backpapier gesoftet. Foto: Lars Ihring

einem Stativ haben viele Vorteile. Durch das Stativ ist der doch sehr heiße Lichtkörper besser in der Position zu kontrollieren. Auch die Möglichkeiten, das sehr harte Licht später zu dämpfen und in der Form zu kontrollieren, sind um einiges einfacher als bei Bodenstrahlern. Der Bodenstrahler wird selten als direktes Licht eingesetzt. Eher werden diese Lichtquellen als Volumenlicht oder Bouncinglights verwendet (übrigens gilt dies generell für jede Art von Studiolichtquelle). Als Volumenlicht bezeichnet man die Lichtgeber, die eine Szene im Gesamten erhellen. Diese sollten weiche Schatten werfen und die Szene auf das gewünschte Lichtniveau anheben. Dafür sind diese Bodenstrahler hervorragend geeignet. Als Volumenlicht nutzt man häufig das von Wänden weich reflektierende Licht. „Aufprallen“ bedeutet im Englischen „bounce“. Nach dem Aufprallen des Lichts auf eine helle Wand oder einen Reflektor wird das Licht viel weicher wieder abgegeben. Strahlen Sie also mit dem Bodenbaustrahler die Decke oder eine Wand an, um die nötige Lichtmenge zu erhalten. Um Ihrem Set eine farbliche Stimmung zu geben, richten Sie diesen Strahler einfach auf eine farbige Fläche.

Achtung! Ein Baustrahler benutzt eine Halogenlampe. Diese werden sehr heiß. Diese Hitze kann genügen, um Dinge in Brand zu setzen.

Stativ-Baustrahler können bereits viele Lichtsituationen abdecken, weil sie in Höhe und Position besser zu kontrollieren sind. Da das direkte Licht meist zu hart ist, können Sie es mit Backpapier absoften. Die Färbung des Backpapiers kann später durch den Weißabgleich wieder entfernt werden. Hitzebeständige Scheinwerferfolien aus dem Sortiment der Bühnentechnik sind aber noch viel besser geeignet, da diese nicht so viel Licht schlucken, und außerdem gibt es sie in vielen Farben. Damit haben Sie Ihr Licht auch farblich besser unter Kontrolle. Kapitel 5 | Drinnen & Draußen 105

Studioblitzanlagen

Oben: Oft herrscht im Studio ein Gewirr von Stativen mit Lampen, Blitzköpfen und Lichtformern. Aber das Chaos hat System, denn die Fülle des Lichts wird nicht auf einmal verwendet, sondern dient dazu, das Set schnell umzubauen und das Licht zu verändern. Für den Anfang reichen Ihnen auch nur ein oder zwei Blitzköpfe. Wenn Sie unterschiedliche Lichtformer verwenden möchten, müssen Sie ein wenig Umbauzeit einplanen.

Unten: Die Blitzsynchronbuchse an einer DSLR-Kamera. Fotos: Martin Schwabe

Blitzanlagen haben den Vorteil, dass ihre Farbtemperatur nahe an der von Tageslicht liegt. Der automatische Weißabgleich Ihrer Kamera funktioniert daher sehr gut, manuelle Korrekturen bei der RAW-Entwicklung sind selten nötig und wenn, dann handelt es sich nur um wenige Hundert Kelvin. Blitzanlagen gehören zur Grundausstattung eines professionellen Studios. Generell bestehen Blitzanlagen aus einer unterschiedlichen Anzahl von Blitzköpfen mit einer Leistung von 200 bis über 1000 Wattsekunden. Die Blitzköpfe verfügen über ein zusätzliches Einstelllicht, das proportional zur Blitzleistung geregelt wird und zu einer ersten Beurteilung der Lichteinstellungen dient. Die Blitzköpfe werden auf unterschiedlichen Stativen montiert und mit unterschiedlichem Zubehör wie Softboxen, Waben, Farbfolien und so weiter versehen. Wenn Sie schon einmal in einem professionellen Fotostudio waren, erinnern Sie sich bestimmt an ein Dutzend Leuchten und Blitzköpfe oder mehr. Das liegt aber weniger daran, dass tatsächlich so viel Licht gebraucht wird, als vielmehr daran, dass in Studios die Blitzköpfe mit unterschiedlichen Lichtformern ausgestattet sind und es schneller geht, die Stative umzustellen, als die Lichtformer immer wieder an- und abzubauen. Auch sind heute noch sehr viele Studios mit enormen Blitzanlagen ausgestattet, zu dem Zweck, mit viel Licht viel gestalten zu können. Für die meisten Anwendungen sind diese Anlagen allerdings völlig überdimensioniert. In einem kleinen Studio reichen für den Anfang zwei Blitzköpfe mit je 200 Watt Leistung völlig aus. Auch mit geringem Budget ist es möglich, erfolgreiche Studiofotografie zu betreiben. Vor allem sollten Sie eines bedenken: Wenn Sie im Freien fotografieren, haben Sie meist auch nur eine Lichtquelle zur Verfügung: die Sonne. Sie nutzen entweder das direkte Licht der Sonne oder die diffuse Helligkeit durch Wolken oder Schatten und Reflexionen von Bäumen oder Häusern. Auch in der Studiofotografie kann es ausreichend sein, mit einer einzelnen Lichtquelle zu beginnen, um das Budget zu schonen. Mit Reflektoren und Abschattern ist es möglich, auch mit nur einer Lichtquelle eine Vielzahl verschiedener Lichtsituationen zu schaffen.


Studioblitze sind zwar in der Bedienung etwas aufwändiger als Systemblitze, der erhöhte Aufwand wird aber mit nahezu unbegrenzten Möglichkeiten der Lichtgestaltung belohnt. Wenn Sie Ihre Digitalkamera zusammen mit einer Studioblitzanlage nutzen wollen, sollte die Kamera über folgende Ausstattung verfügen: Sie muss entweder einen Studioblitzanschluss besitzen oder einen Blitzschuh, an den die Blitzanlage angeschlossen werden kann. Es spielt dabei nur eine untergeordnete Rolle, ob die Auslösung per Kabel, per Funk oder via Infrarot erfolgt. Da die interne Belichtungsmessung zusammen mit einer Blitzanlage nicht funktioniert, müssen Sie die Möglichkeit haben, die Kamera in den manuellen Modus (M) zu schalten. Grundsätzlich ist es auch möglich, eine Blitzanlage über den internen Kamerablitz auszulösen. Allerdings ist dies nur ein Hilfskonstrukt, da der interne Blitz eine zusätzliche unkontrollierte Lichtquelle darstellt, die nicht gewünscht ist. Wenn Sie keinen Blitzbelichtungsmesser haben, dann ist es von Vorteil, wenn Sie sich auf dem Display das Histogramm anzeigen lassen können, um sich so der richtigen Belichtung und Einstellung anzunähern. Die automatische Belichtungsmessung der Kamera funktioniert nicht zusammen mit Blitzanlagen, da die Kamera die Leuchtdauer der Blitze nicht beeinflussen kann.

Wie funktioniert ein Blitzkopf? Komponenten und Technik Ein Studioblitz besteht im Allgemeinen aus drei Hauptkomponenten: dem Blitzgenerator, dem Blitzkopf und einem Lichtformer. Dazu gehören meist noch ein Auslöser (Kabel, Funk oder Infrarot) und ein Stativ, um den Blitzkopf aufzustellen. Im Gegensatz zu Aufsteckblitzen werden Blitzanlagen nicht aus Batterien gespeist, sondern fast immer mit Netzstrom versorgt oder aber aus großen, schweren Akkumulatoren beim Einsatz on Location oder im Freien. Die Blitzgeneratoren wandeln den Netzstrom in eine höhere Spannung, zirka 500 V, um und speichern die erzeugte Energie in Hochleistungskondensatoren. Der Vorteil der Netzstromversorgung liegt auf der Hand: Die Ladezeiten sind minimal, gute Anlagen sind in weniger als einer Sekunde nach einer Entladung wieder voll aufgeladen und blitzbereit.

Kleines Foto: Blitzschuh-Adapter, der bei fehlender Blitzsynchronbuchse auf den Blitzschuh aufgesetzt wird. Foto: Hama Funkauslöser der gehobenen Leistungsklasse, wie hier der von Elinchrom an einer Nikon D2x, arbeiten auf einstellbaren Funkkanälen, damit man schnell zwischen verschiedenen Blitzen wechseln kann bzw. sich die verschiedenen Funkauslöser nicht stören, wenn man mit mehreren Sets nebeneinander arbeitet. Foto: Martin Schwabe

Die in dem Generator gespeicherte Energie wird im Moment des Auslösens an die Blitzröhre abgegeben und durch eine Gasentladung in der Röhre in Licht hoher Energiedichte umgewandelt. Je nach Blitzkopf und Generator wird die gespeicherte Energie auf einmal oder aber über eine


Steuerelektronik in Stufen geregelt abgegeben. In teureren Geräten ist die Lichtmenge stufenlos regelbar. In großen Studios sind Generator und Blitzkopf oft voneinander getrennte Geräte, ein Generator versorgt hier mehrere Blitzköpfe. Es gibt allerdings auch Kompaktanlagen, die einfacher zu transportieren sind, bei denen der Generator und der Blitzkopf in einem Gerät vereint sind. Vor die Blitzröhre werden verschiedene Lichtformer gesetzt, die meist über verschiedene, mehr oder minder genormte Bajonette mit dem Blitzkopf verbunden werden. Vor der Anschaffung einer Blitzanlage sollten Sie sich daher informieren, welche Hersteller für welches Bajonett am Blitzkopf geeignete Lichtformer anbieten, um nicht in eine Sackgasse zu geraten, weil Sie kein ausreichendes oder nur teures Zubehör finden. Oben: Bedienpaneel der Steuerelektronik in einem Kompaktblitzkopf, bei dem der Generator in den Blitzkopf integriert ist.

Unten: Der Blitzkopf. Die eigentliche Blitzröhre ist der ring förmige Glaszylinder rund um die Glühlampe. Fotos: Martin Schwabe

Steuerung und Auslösung des Blitzkopfs Ausgelöst und synchronisiert werden die Blitzanlagen über Ihre Kamera. Allerdings geschieht dies nicht so komfortabel, wie Sie es von Systemblitzen mit TTL-Technologie gewohnt sind. Die Kamera ist nicht in der Lage, die Lichtmenge des Blitzes zu steuern oder zu messen, geschweige denn an die Blitzanlage Steuerbefehle bezüglich der benötigten Brenndauer des Blitzes zu senden. Ausgelöst wird der Blitz über eine Synchronbuchse (Blitzsynchronanschluss) an der Kamera, den fast alle DSLRs noch besitzen. An diese seit zirka 1960 genormte Buchse wird das Synchronkabel angeschlossen, das die Kamera mit der Blitzanlage verbindet. Wenn keine Blitzsynchronbuchse vorhanden ist oder das Kabel die Bewegungsfreiheit zu sehr einschränkt, kann auf den Blitzschuh der Kamera ein Funkauslöser oder ein Infrarotauslöser aufgesetzt werden oder ein Adapter für das Synchronkabel. Alle diese Adapter verbinden die Kamera via Mittenkontakt mit der Blitzanlage. Der einzige Steuerbefehl, der über die Kamera abgegeben wird, ist die Auslösung der Kamera. Einschalt- oder Blitzbereitschaftssignal, automatische Umschaltung auf die Blitzsynchronzeit bei Einschalten des Blitzes oder TTL-Automatik stehen nicht zur Verfügung. Sie schließen immer nur einen Blitzkopf, den sogenannten Master, an der Kamera an, alle anderen Blitzköpfe, Slaves genannt, werden automatisch vom Generator oder bei Kompaktblitzen durch eine Fotodiode mit ausgelöst.


Arbeiten mit der Blitzanlage Die manuelle Kameraeinstellung Das Arbeiten mit einer Blitzanlage unterscheidet sich doch wesentlich von der Arbeit mit Systemblitzen, auch wenn sich vom Prinzip her jede Lichtsituation mit mehreren Systemblitzen nachstellen lässt. Arbeiten mit der Blitzanlage hat noch viel von der klassischen handwerklichen Fotografie, da Sie fast ausschließlich im manuellen Modus arbeiten. Es ist daher notwendig, dass Sie sich vor der Arbeit mit Blitzanlagen ausführlich mit dem Zusammenhang von Blende und Tiefenschärfe auseinandersetzen. Stellen Sie Ihre Kamera in den manuellen Modus und wählen Sie eine Verschlusszeit, die innerhalb der Blitzsynchronzeit der Kamera liegt. Aktuelle digitale Kleinbildkameras arbeiten mit Blitzsynchronzeiten von 1/125 Sekunde oder 1/250 Sekunde, einige wenige Modelle erreichen inzwischen sogar Synchronzeiten von 1/500 Sekunde. Die Blitzsynchronzeit ist die kürzest mögliche Zeit, bei der der Verschluss der Kamera vollständig geöffnet ist. Wird die Blitzsynchronzeit unterschritten, ist der Verschluss schon wieder teilweise geschlossen, wenn der Blitz zündet, und das Bild wird fehlbelichtet. Allerdings reicht es nicht aus, nur die Verschlusszeit einzustellen, es ist notwendig, eine zur gewünschten Belichtung und eingestellten Blitzleistung geeignete Blende zu finden. Das Problem bei der Einstellung von Blitzanlagen ist, dass oft mit mehreren Blitzköpfen gearbeitet wird, die je nach gewünschter Ausleuchtung verschieden eingestellte Leistungen und erschwerend dazu sogar noch unterschiedliche Lichtformer haben.

Hier ist das Ergebnis einer zu kurzen Verschlusszeit deutlich zu sehen. Die Blitze wirken sich nur auf eine Hälfte des Fotos aus, der Verschluss ist schon wieder halb geschlossen. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Belichtungsmessung Zu anlogen Zeiten wurden zu diesem Zweck spezielle Blitzbelichtungsmesser eingesetzt. Diese auch heute noch erhältlichen Blitzbelichtungsmesser besitzen eine spezielle Fotodiode und einen Auslöser. Die Blitzanlage wird an den Belichtungsmesser angeschlossen und von diesem auf Knopfdruck ausgelöst. Zur Messung wird der Belichtungsmesser an verschiedene Stellen des Motivs gehalten und zeigt dann die notwendigen Belichtungsdaten an. Da aber auch bei diesem Messverfahren manuell gerechnet und gemittelt werden muss, nutzen viele Fotografen zunehmend die Möglichkeit, bei Digitalkameras das Histogramm auszuwerten

Achtung! Die teilweise offenliegenden Drähte im Blitzkopf führen auch nach dem Abschalten noch die Ladung im Kondensator. Unerwartet 500 V an den Fingern sind sehr unangenehm und schmerzhaft!


und sich der richtigen Belichtung Schritt für Schritt zu nähern.

Ein Blick in das Histogramm, das Sie sich während des Shootings auf dem Display anzeigen lassen, zeigt eine steil ansteigende Flanke an der rechten Seite des Histogramms, es ist deutlich überbelichtet. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Blitzsynchronzeit 1/160 Sek. bei f/10 – Brennweite 120 mm. Foto: Carina Meyer-Broicher


Generell sollten Sie damit beginnen, dass Sie mit der Blitzanlage die gewünschte Lichtsituation aufbauen. Als Hilfestellung verfügen viele Blitzanlagen über ein Einstelllicht. Das Einstelllicht ist eigentlich nichts anderes als eine handelsübliche Glühbirne mit einer Wattzahl von zirka 60 bis 150 Watt, je nach Leistung des Blitzkopfs. Das Einstelllicht brennt immer dann, wenn der Blitz nicht arbeitet, und wird mit der Regulierung der Blitzleistung entsprechend heller oder dunkler. Zusammen mit den Lichtformern vermittelt das Einstelllicht damit einen ersten Eindruck von der eingestellten Lichtsituation und davon, wo in etwa die Schatten liegen werden. Wird die Blitzanlage ausgelöst, schaltet sich das Einstelllicht ab und nach dem Blitz automatisch wieder an.

Optimale Belichtung mithilfe des Histogramms Wenn Sie das Licht aufgebaut haben, stellen Sie an der Kamera eine mittlere Belichtung ein, zum Beispiel 1/125 Sekunde und Blende f/8, und machen ein erstes Foto. Auf dem Display der Kamera schauen Sie sich das Bild an und schalten das Histogramm zu. Auch wenn das Histogramm auf dem Display einer Digitalkamera sehr klein ist, reicht es doch, um beurteilen zu können, ob das Bild unter- oder überbelichtet ist.Wenn Sie nur ein oder zwei Blitzköpfe nutzen, können Sie natürlich auch die Blitzleistung regulieren. Wenn Sie aber komplexe Lichtsituationen aufgebaut haben, würde es zu lange dauern, alle Blitze wieder aufeinander abzustimmen. Nach wenigen Versuchen werden Sie schnell lernen, das Histogramm auszuwerten, und erkennen, um wie viele Stufen Sie die Blende öffnen oder schließen müssen, um Ihr Motiv ins rechte Licht zu rücken. Wenn Sie ausschließlich mit Ihrer eigenen Blitzanlage und nicht in Mietstudios arbeiten, machen Sie sich Notizen zur eingestellten Leistung der geregelten Blitzköpfe, dem Motivabstand, der Brennweite und den dazugehörigen Belichtungszeiten und Blenden. Schnell werden Sie die erfassten Werte verinnerlichen und automatisch die benötigten Werte einstellen. Dann sind nur noch geringfügige Korrekturen nach ein oder zwei Testaufnahmen nötig.

Ihre erste eigene Blitzanlage Die Zahl der Anbieter von Studioblitzanlagen ist fast unüberschaubar, rund ein halbes Dutzend großer Anbieter teilen sich den Markt mit einer großen Anzahl kleinerer Hersteller. Ob Ihre zukünftige Blitzanlage nun von Elinchrom, Hensel, Multiblitz oder Walimex kommt, ist eigentlich unwichtig, sofern Sie die richtige Blitzanlage kaufen.

Welche ist die richtige Blitzanlage für Sie? Wenn Sie sich mit den Angeboten auseinandersetzen, wird Ihnen auffallen, dass eine der Kenngrößen die Leistung der Blitzköpfe ist, die meist in Wattsekunden angegeben wird. Von 199 Ws bis 4.000 Ws sind in Abstufungen alle Größen vorhanden. Die Versuchung ist natürlich groß, Leistung auf Reserve zu kaufen und sich Blitzköpfe mit 1.000 Ws anzuschaffen, doch genau das sind Kanonen, mit denen Sie versuchen, auf Spatzen zu schießen. Für den Privatgebrauch sind häufig schon Blitzköpfe mit 500 Ws völlig überdimensioniert und müssen im täglichen Betrieb auf den unteren Leistungsbereich heruntergeregelt werden.

Wie viele Blitzköpfe werden gebraucht? Tatsächlich ist die Antwort recht einfach: Wenn Sie in freier Natur fotografieren, haben Sie nur eine Lichtquelle, die Sonne. So können Sie schon mit einem Blitzkopf und geschicktem Einsatz von Reflektoren viele Aufgaben erfolgreich bewältigen. Ein zweiter Blitzkopf für die Ausleuchtung des Hintergrunds oder kleine gezielte Akzentuierungen ist aber durchaus hilfreich. Für den Einstieg in die Studiofotografie ist ein Set von zwei Blitzköpfen mit 250 Ws und zwei oder drei Lichtformern völlig ausreichend. Wichtiger als die Leistung der Blitzköpfe ist die Frage, ob die Anlage kompakt und transportabel ist und ob Sie sie über Akkumulatoren eventuell auch mobil und netzunabhängig einsetzen können. Bei gestiegenen Anforderungen können Sie zu einem späteren Zeitpunkt jederzeit Ihr Set mit weiteren Lichtformern aufwerten oder auch mit stärkeren Blitzköpfen mit 500 oder gar 1.000 Ws ausrüsten. Mehr Leistung werden Sie kaum brauchen. Schon 1.000 Ws reichen aus, um eine Turnhalle auszuleuchten. Wichtiger als eine möglichst große Zahl an Blitzköpfen mit möglichst hoher Leistung ist ein ausgewogenes und gut durchdachtes Set an Lichtformern.

Viele Hersteller bieten sogenannte StarterKits an. Darin sind meist zwei Kompaktblitzköpfe, zwei Stative und einige Lichtformer enthalten. Meist gehört auch noch eine praktische Transporttasche zum Set. Foto: Bron Elektronik


112 Kapitel 6 | Low-Key-Fotografie

Low-KeyFotografie Sicher kennen Sie Fotos, die Ihnen im ersten Moment zu dunkel erscheinen. Wenn Sie das Bild dann aber näher betrachten, entdecken Sie, dass alle Details zu sehen sind, dass die Schatten Zeichnung haben und Sie auch wenige helle Bereiche sehen können, wenn Sie genauer hinschauen? Diese Fotos nennt man Low-Key (engl.= in dunklen Farben, in gedämpften Farben).

Bei diesem Low-Key wurde besonderes Augenmerk auf die Lichtführung gelegt. Ein 500-WS-Blitzkopf wurde auf 1/8 seiner Leistung gedrosselt und senkrecht von oben mit einem Striplight und einem Wabenvorsatz aus ca. 1 Meter Abstand auf das Modell gerichtet. Kamera: Nikon D200 mit 15-31 mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/13 – Brennweite 46 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 6 | Low-Key-Fotografie 113

Bei Low-Keys handelt sich um einen speziellen Stil in der Fotografie, bei dem zur Gestaltung des Bilds dunkle Töne im Bild vorherrschen, im Gegensatz zum High-Key, das wiederum hauptsächlich helle Bildtöne aufweist. Eine Low-Key-Aufnahme wird gerade von Anfängern gern mit einer Unterbelichtung verwechselt. Tatsächlich ist ein gutes Low-Key-Foto aber keineswegs unterbelichtet, sondern es enthält die gesamte Bandbreite der Tonwerte und alle Helligkeitsstufen. Der Schwerpunkt liegt beim Low-Key im Bereich der Tiefen des Histogramms.

Low-Key oder unterbelichtet? Wie können Sie ein Low-Key-Foto von einem unterbelichteten Foto unterscheiden? Bei einem unterbelichteten Foto fehlen die hellen Bildanteile, das sehen Sie am einfachsten im Histogramm. Die Bilder wirken aufgrund des geringen Tonwertumfangs trübe, grau und flau, weil die hellen Anteile des Bilds tatsächlich fehlen, es ist kaum helles Grau und gar kein Weiß zu sehen. Große Flächen im Bild, die direktem Licht ausgesetzt werden, sind nicht durchgezeichnet. Oft liest man, dass Low-Keys gemacht werden, indem man das geplante Bild einfach um 2 oder mehr Blenden unterbelichtet. Das ist ausgemachter Unsinn. Low-Key-Fotografie ist ein technischer Stil, der sehr viel Wissen und Verständnis für die Lichtführung und Belichtung erfordert und sehr sorgfältig geplant sein muss, um tatsächlich ein ansprechendes Low-Key zu erhalten. In der Abbildung sehen Sie einen typischen Fall einer klassischen Unterbelichtung. Das Histogramm zeigt deutlich, dass die hellen Tonwerte völlig fehlen und in den dunklen Tönen die Schatten zulaufen, das heißt, es ist keine Zeichnung in den ganz dunklen Bereichen mehr vorhanden, was Sie daran erkennen können, dass die Tonwertverteilung bis an den Maximalwert (reines Schwarz) heranreicht, ohne abzufallen. Die zweite Abbildung hingegen zeigt Ihnen das Histogramm eines klassischen Low-Keys, dessen Effekt durch eine gezielte Lichtführung erreicht wurde. Die Tonwerte verteilen sich über den gesamten verfügbaren Bereich und finden ihren Schwerpunkt in den dunklen Tönen. Der steile Abfall an der linken Seite zeigt, dass die Schatten alle durchgezeichnet


sind. Das Bild ist korrekt belichtet. Das Beispiel zeigt Ihnen gleichzeitig aber auch die Grenzen der Low-Key-Fotografie auf. Es sind nicht allein die Lichtführung und die Belichtung, die darüber entscheiden, ob Sie ein perfektes Low-Key fotografieren, sondern auch das Motiv selbst. So ist es zum Beispiel nicht möglich, von einem hellhäutigen, blonden Modell in einem weißen Kleid vor einem weißen Hintergrund einen Low-Key zu erstellen. Sie benötigen zumindest einen dunklen Hintergrund und idealerweise auch dunkle Elemente im Hauptmotiv.

Belichtungsmessung bei Low-Keys Ein wesentlicher Punkt bei der Erstellung des Low-Keys ist die korrekte Belichtungsmessung. In der Digitalfotografie haben Sie den Vorteil, das Ergebnis sofort begutachten zu können, allerdings sollten Sie Erfahrung im Umgang mit Ihrem Display haben. Viele Kamera-Displays sind viel zu hell eingestellt, so dass das gezeigte Foto am Monitor, trotz Farbmanagement, nachher anders, zumeist deutlich dunkler, aussieht. Aufschluss über die tatsächliche Tonwertverteilung gibt Ihnen auch hier nur das Histogramm, das Sie an Ihrer Kamera auf dem Display einblenden können.

Schematische Darstellung der Belichtungsmessfelder einer DSLR. Hier können Sie gezielt auswählen, welches Messfeld Sie für die Spotmessung verwenden. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/10 – Brennweite 217 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Das A und O der richtigen Belichtungsmessung ist die Spotmessung Ihrer Kamera oder zumindest eine Messmethode wie die mittenbetonte Messung. Spotmessung und mittenzentrierte Messung ermöglichen es Ihnen, einen eng begrenzten Bereich des Motivs anzumessen, ohne dass das Umgebungslicht mit in die Belichtungsmessung einbezogen wird. Wenn Sie versuchen, mit Hilfe der Matrix- oder Integralmessung ein Low-


Key aufzunehmen, werden Sie immer scheitern. Ihre Kamera wird fortlaufend versuchen, die dunklen Teile des Bilds als 18%iges Neutralgrau, dem Eichwert der Belichtungsmessung, zu definieren und Ihre Fotos daher meist völlig überbelichten. Mit eingestellter Spotmessung visieren Sie einen der wenigen hellen Teile des Motivs an. Steht Ihnen keine Spotmessung zur Verfügung, sondern nur eine mittenzentrierte Messung, sollten Sie zwei Messungen durchführen. Messen Sie einen möglichst dunklen Bereich des Bilds und einen möglichst hellen Bereich an. Merken Sie sich diese Werte, verwenden Sie dabei die Blendenautomatik mit voreingestellter Belichtungszeit. Nun müssen Sie ein wenig rechnen: Gehen Sie von einem Dynamikbereich Ihrer Digitalkamera von 6 bis 7 Blenden aus. Legen Sie nun die benötigte Blende auf einen Wert von etwa 1 bis 2 Blenden unterhalb des hellsten gemessenen Werts fest und nutzen Sie die so ermittelten Werte als Ausgangsbasis für Ihre weiteren Aufnahmen. Sofern Ihre Kamera diese Funktion hat, können Sie gleich eine Belichtungsreihe machen, um die ideale Blenden/Zeit-Kombination zu ermitteln.

Ein Low-Key muss nicht zwingend schwarzweiß sein. Auch diese Streiflichtaufnahme in Farbe weist alle Merkmale eines LowKey-Fotos auf. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/100 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Wenn Sie mit einer Blitzanlage arbeiten, ist eine direkte Messung nicht möglich. In diesem Fall müssen Sie sich nach und nach mit Hilfe des Histogramms an die richtige Belichtung annähern. Lichtfarbe und vor allem Lichtform, die Art der Lichtausrichtung, spielen eine wesentliche Rolle bei der Gestaltung eines Low-Keys. In der Abbildung posiert das dunkelhaarige Modell vor einem dunklen Hintergrund und wird nur knapp durch einen gelben Spot beleuchtet. Das Licht fällt seitlich auf das Motiv und der durch den Spot produzierte sehr enge Lichtkegel liefert ein so knappes Licht, das es sich trotzdem für einen Low-Key eignet. Wenn Ihnen diese Mehrfachmessungen zu komplex sind, dann nehmen Sie eine Graukarte und messen die Belichtung, die Sie dann notieren. Die


Belichtungswerte erfolgen auf Basis dieses Werts und die vielen dunklen Anteile im Low-Key-Motiv können dann den Belichtungsmesser nicht mehr irritieren. Eine andere Möglichkeit wäre auch eine automatische Belichtungsreihe, die Ihnen hilft, die richtigen Belichtungsdaten zu finden.

Die Anwendungsbereiche People-Fotografie Low-Key-Fotografie erlebt auch in der Menschenfotografie eine Renaissance. In Zeiten des Stummfilms wurden Low-Keys als Gestaltungsmittel zur Darstellung von Schurken verwendet. Dunkel gekleidete Gestalten wurden in ebenso dunkler Umgebung abgelichtet und meist mit nur einem Spot von unten beleuchtet. Diese Technik findet heutzutage auf der Opern- oder Schauspielbühne immer noch Anwendung. Bei Fotos, die auf diese Weise ausgeleuchtet werden, spricht man deshalb auch von Bühnenlicht. In der Fotografie von Menschen ist diese Technik heute nicht mehr auf einen Charaktertyp festgelegt. Der Verzicht auf die Beleuchtung von unten nimmt den Fotos den diabolischen Charakter, der zunehmende Kontrastumfang der Digitalkameras, der bald die Qualitäten von analogem Filmmaterial erreicht, ermöglicht Low-Keys auch ohne spezielle Beleuchtung nur durch die Verwendung dunkler Stoffe und dunkler Hintergründe mit einem möglichst dunkelhaarigen Modell. Durch den hohen Kontrastumfang der modernen Kameras bleiben dabei feine und feinste Nuancen in den sehr dunkeln Bereichen der Fotos vorhanden.

Der Aufbau des Fotos zeigt, dass das Licht nicht auf das Gesicht des Modells trifft, sondern vor und hinter dem Kopf am Modell vorbeistrahlt, das Modell also nur streift. Der Spot wurde zusätzlich mit einer gelben Folie bestückt.

Porträts bekommen durch Low-Key eine sehr spezielle Wirkung. Haben Sie kein dunkles Sujet zur Verfügung, können Sie wieder auf das Streiflicht ausweichen. Bei Porträts sollte das Streiflicht immer seitlich angeordnet werden, um eine neutrale Wirkung auf das Gesicht zu haben. Je härter und gerichteter das Licht ist, umso leichter wird es Ihnen fallen, das Licht so auszurichten, das eine für Low-Key typische Lichtsituation entsteht. Denken Sie dabei unbedingt daran, dass hartes Licht, insbesondere Streiflicht, auch Details herausarbeitet, die dem Modell nicht immer schmeicheln. Im Bereich des Streiflichts wird jede Falte und jede Hautunreinheit betont und ist später am PC deutlich schwerer zu retuschieren, als weich und flächig beleuchtete Hautstrukturen.


Wenn Sie Make-up verwenden, sollten Sie sehr kontrastreich arbeiten, damit es auch auf dem Foto anschließend sichtbar und wirksam zu sehen ist. Da bei Streiflicht der Kontrastumfang innerhalb der dunklen Bereiche gering ist, ist es um so wichtiger, die tatsächlichen Kontraste, die bei heller Beleuchtung auftreten würden zu maximieren, um eine ausgewogene Tonwertverteilung eines typischen Low-Keys zu erhalten.

Klassische Aktfotografie „Mephistola“ arbeitet sehr selektiv mit dem Licht, eine einzelne Lichtquelle als Spot von unten gibt dem Bild eine gewisse Dramatik und fokussiert auf das Gesicht des Modells. Für die Ausleuchtung wurde klassisches Bühnenlicht verwendet. Ein einzelner Spot mit Wabe und Abschirmklappen bündelt das Licht und leuchtet so zielgerichtet nur einen kleinen Teil des Motivs aus. Dieses sehr harte Licht betont jede Falte und jede Hautunebenheit des Modells und wird deshalb in der Regel hauptsächlich bei männlichen Modellen verwendet. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/4 – Brennweite 120 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die häufigste Verbreitung findet die Low-Key-Fotografie in der Aktfotografie. Insbesondere wenn hier Details herausgearbeitet werden sollen, bei denen es auf die Konturen ankommt, um die gewünschte Bildwirkung zu erzielen. Bei der Low-Key-Aufnahme auf der nächsten Seite wurde mit einer Softbox gearbeitet, die das Motiv als Streiflicht von hinten links beleuchtet. Die bildwichtigen Anteile sind beim Low-Key immer die wenigen hellen Partien. In diesem Fall wurden die Körperkonturen korrekt belichtet, der Rest des Bilds verschwindet in der Dunkelheit.

Experimentelle Fotografie Eine Sonderform des Low-Keys zeigt Ihnen die Abbildung auf Seite 261. Das knappe Licht in einem abgedunkelten Raum lässt oft keine ausrei118 Kapitel 6 | Low-Key-Fotografie

chend kurzen Belichtungszeiten zu, um das Modell „einzufrieren“. Diesen Effekt können Sie sich aber ebenso gut zu Nutze machen, um dem Foto einen besonderen Charakter zu verleihen, indem Sie die Bewegung durch Bewegungsunschärfe betonen. Diese Technik verlangt allerdings viel Übung und ein Gespür fürs Motiv, damit die Bewegungsunschärfe nicht dilettantisch wirkt. Bevor Sie sich an die gezielte Unschärfe solcher Motive heranwagen, sollten Sie im Vorfeld an unbewegten Low-Keys üben, bis Sie diese Art der Fotografie beherrschen und mit dem Licht umgehen können. Die Unschärfe bringt eine weitere Variable ins Bild, die nur funktioniert, wenn das Licht zu einer von Ihnen beherrschten Konstante geworden ist.

Oben: In der Aktfotografie wird Low-Key hauptsächlich für Körperlandschaften und Detailaufnahmen verwendet. Aber auch klassische Aktfotografien erhalten durch die knappe Beleuchtung einen zusätzlichen Reiz. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/6.3 – Brennweite 150 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Links: Low-Key im Business-Stil. Der Hintergrund wird durch von oben einfallendes Tageslicht beleuchtet. Eine einzelne Lampe von links vorne wirft ein knappes Streiflicht auf das Gesicht. Kamera: Nikon D200 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 75 mm – ISO 800. Foto: Carina Meyer-Broicher


120 Kapitel 7 | High-Key-Fotografie

High-KeyFotografie High-Keys (engl. = Hochton) könnten auch die „Gute-Laune-Bilder“ in der People-Fotografie heißen. Sie sind hell, fröhlich, meist sanft in den Farben oder in zarten Graustufen ausgearbeitet. Auf harte Kontraste wird verzichtet, die Schatten sind gut ausgeleuchtet und so nicht zu sehen. Oft ist das Sujet romantisch, die vorherrschende Farbe ist Weiß.

Kamera: Nikon D200 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/100 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 7 | High-Key-Fotografie 121

Sie ahnen es schon: In diesem Bereich der Menschenfotografie, in der die hellen Farbtöne vorherrschen, ist es nicht damit getan, zwei Blenden überzubelichten. Denn das würde zu weißen Flächen ohne jede Struktur führen. Der Trick ist also, ein helles Foto zu machen, aber die Zeichnung in den hellen Farbtönen zu erhalten.

Ein klassischer High-Key-Aufbau im Studio, der auch für das Titelfoto verwendet wurde. Wichtig ist, das neben dem Modell auch der Hintergrund ausreichend Licht erhält. Das Hauptmotiv wurde mit weichem Licht aus zwei großen Softboxen beleuchtet. Der Hintergrund erhält sein Licht von zwei Blitzköpfen mit Normalreflektoren. Damit das Hauptmotiv nicht durch das zusätzliche Hintergrundlicht überstrahlt wird, schatten Sie die Hintergrundbeleuchtung mit Lichtschluckern ab.

Bei den High-Key-Aufnahmen bewegen wir uns in einer ganz anderen Welt als bei den zuvor beschriebenen Low-Keys. Kommen Sie dort mit einer einzigen Lichtquelle aus, können Sie bei der High-Key-Aufnahme nicht genug Licht auf dem Set haben, damit das Bild seine helle und leichte Wirkung entfaltet. Und dies alles, ohne dass das Foto überbelichtet oder gar überstrahlt wird. Ihr Ziel ist es, die Tonwerte in den Lichtern zu erhalten. Je nach Motiv und Geschmack können Sie mit wenigen dunklen Elementen besondere Blickpunkte im Bild setzen. Um ein High-Key zu gestalten, sollten Sie ein möglichst hellhäutiges Modell mit blonden Haaren einsetzen. Hintergrund und Kleidung sollten ebenfalls weiß sein.

Dieses Set lässt sich nicht nur mit Studioblitzen, sondern genauso gut mit Festlicht, entfesselten Blitzen oder Baustrahlern umsetzen.

Die Ausleuchtung Ich persönlich finde diese Stilart besonders schwierig, denn es erfordert eine Menge Erfahrung und Fingerspitzengefühl Weiß auf Weiß zu fotografieren und zwar so, dass sich das Motiv noch vom Hintergrund abhebt. Es gibt jedoch ein paar kleine Tricks, damit es funktioniert. Beim Titelfoto


Der Lichtaufbau ohne Hintergrundbeleuchtung (unten) begünstigt eine leichte Schattenbildung. Kamera: Nikon D100 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/10 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

zum Beispiel habe ich statt eines weißen Tuchs transparenten zartgrauen Stoff verwendet. So behält das Material ein wenig von seiner Zeichnung und Struktur, um sich vom Hintergrund abzuheben. Trotz des kleinen Kniffs zeigt das Histogramm ein perfektes High-Key. Bei dem Foto oben gibt es einen anderen kleinen Trick, um das Modell noch vom Hintergrund abzugrenzen. Hier erfolgte die Ausleuchtung nicht ganz schattenfrei. Der winzige Schatten rund um das Modell verhindert zum einen, dass der Eindruck vermittelt wird, das Modell würde schweben, zum anderen umreißt der Schatten ein wenig die Körperformen. Wenn Sie keine Softboxen zur Verfügung haben, können Sie auch mit den Standardreflektoren Ihrer Blitzköpfe eine gleichmäßige Ausleuchtung des Sets erreichen. Wenn Ihr Studio weiße Wände hat, reflektieren Sie die


Lampen über die Wände oder verwenden Sie große Styroporplatten als Reflexionsfläche. Dieses Prinzip nutzte ich bei dem Foto auf dieser Seite. Das Foto entstand in einer ausgemusterten Kühlkammer mit weißen Wänden. Die Kammer war sehr eng, und so war gerade genug Platz für das Modell und eine relativ kleine Softbox, ich selbst stand mit der Kamera außerhalb der Kühlbox. Da das Licht aber von allen sechs Wänden reflektiert wurde, entstand trotzdem die beabsichtigte High-Key-Aufnahme.

Kamera: Nikon D200 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/13 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Auch für das Hauptlicht können Sie alternativ zu einem zweiten Blitz einen Aufheller verwenden, der das Licht von der ersten Lampe zurück auf das Modell wirft. Wenn Sie das Prinzip des High-Key-Fotos verinnerlicht haben, fallen Ihnen mit Sicherheit noch viele Möglichkeiten ein, wie Sie je nach Aufnahmeort improvisieren können. Wie sagte einmal ein berühmter Kollege so schön: „Irgendwas reflektiert immer.“ Das soll heißen, Sie finden praktisch immer eine reflektierende Fläche oder etwas, dass Sie als Reflektor verwenden können. Ebenso eignen sich Gardinenstoffe und Bettlaken ausgezeichnet als Diffusor.

Ein Reflektor ersetzt das zweite Hauptlicht.

So kann auch ein großes, helles Fenster zum beleuchteten Hintergrund für eine High-Key-Aufnahme werden, solange Sie mit irgendeinem Stück hellem und lichtdurchlässigem Stoff das Licht absoften und dem gegenüber eine reflektierende Fläche haben, mit der Sie das Licht zurück auf das Modell lenken können. Im Idealfall verwenden Sie natürlich einen Diffuser und einen Reflektor.

Schematischer Aufbau eines Sets ganz ohne Lampen. Auch ein Fenster eignet sich als Hintergrund für ein High-Key. Der Diffusor filtert das Fensterlicht von links und der Reflektor rechts wirft das Licht auf das Modell zurück.

Die Belichtungsmessung Auch hier ist der einzig richtige Weg der Belichtungsmessung die Spotmessung. Jede andere Messmethode würde zu einer Unterbelichtung führen, da auch die weiße Fläche vom Sensor als Neutralgrau interpretiert würde. Messen Sie zuerst die dunkleren Elemente im Foto an, in der Regel ist das die Haut des Modells. Diese Einzelmessung führt jedoch im ungünstigsten Fall zu einer Überstrahlung der weißen Kleidung. Also müssen Sie hier eine zweite Messung auf die Kleidung vornehmen und einen Mittelwert bilden. Am besten arbeiten Sie hier mit der Belichtungskorrektur.


Bildbearbeitungsfilter

Am Histogramm deutlich zu erkennen: Ein Software-Filter macht auch aus einer gleichmäßig belichteten Aufnahme noch kein High-Key, wenn die Grundvoraussetzungen nicht erfüllt sind.

Die meisten Bildbearbeitungsprogramme bringen spezielle Filter für High- und Low-Key-Aufnahmen mit. Doch wer jetzt behauptet, man könne aus jedem x-beliebigen normal belichteten Foto ein High- oder Low-Key machen, spricht nicht ganz die Wahrheit. Richtig ist, dass insbesondere High-Keys fast immer kleinerer Korrekturen am Computer bedürfen. Um jedoch solche Filter anzuwenden, müssen zumindest die Grundvoraussetzungen, also ein helles Sujet, erfüllt sein. Wie Sie am nebenstehenden Beispiel sehen, erscheint das Bild zwar hell und nicht überbelichtet, aber das Histogramm zeigt einige für High-Keys absolut untypische Charakteristika.

Einsatzbereiche Ein High-Key bietet sich überall dort an, wo es nicht um Formen oder Strukturen im Bild geht. Dort, wo sanfte Farben und weiche Formen gefragt sind, Kontraste keine Rolle spielen. Blättern Sie zum Abschnitt Babys und Kleinkinder, hier herrschen High-Key-Aufnahmen vor. Einen anderen großen Bereich der High-Key-Fotografie bilden Aktaufnahmen, vornehmlich in sanften Grautönen oder zarten monochromen Farben ausbelichtet. Aber auch Brautaufnahmen in der Hochzeitsfotografie bieten sich mit ihren weißen Kleidern und weichem Licht für diesen hellen Bildtyp an.

Modefotografie In der Modefotografie kommt eine etwas andere Art des High-Keys zum Einsatz, hier wird mit bewusster Überstrahlung des Hintergrunds gearbeitet. Bei Modeaufnahmen muss das Modell häufig freigestellt werden. Dafür verwenden Sie den gleichen Lichtaufbau wie für unser Titelfoto, aber der Hintergrund wird um zwei Blendenstufen überbelichtet, so dass er strahlend und reinweiß ist. So lässt sich das Modell in der Bildbearbeitung schnell freistellen. Wichtig bei diesen Fotos ist, dass der Hintergrund zwar absolut weiß ist, aber den Vordergrund, das Modell, nicht überstrahlt. Daher müssen Sie hier unbedingt mit Lichtschluckern auf beiden Seiten der Lampen arbeiten und die Ausleuchtung so wählen, dass die Reflexion des Hintergrunds das Hauptmotiv im Vordergrund nicht überstrahlt. Für die Hintergrundbeleuchtung eignen sich am besten lange Striplights oder Schirme. 126 Kapitel 7 | High-Key-Fotografie

S trip-lights bieten den Vorteil, dass Sie die Lichtschlucker einfacher einsetzen können. Die Leistung der Blitze sollte auf den Maximalwert eingestellt sein. Das Hauptlicht reduzieren Sie um zwei Blendenstufen gegenüber dem Hintergrundlicht. Wenn Sie sich das Histo gramm eines solchen Fotos auf dem Display anschauen und die Warnung für Überstrahlungen zuschalten, sollten Sie deutlich erkennen können, dass nur der Hintergrund überstrahlt ist. Wenn auch am Modell Warnungen aufblinken, müssen Sie die Belichtung mittels Belichtungskorrektur noch einmal nach unten korrigieren.

Das Histogramm des High-Keys mit bewusster Überstrahlung des Hintergrunds. Die Warnung (rot im Bild links) zeigt deutlich den überstrahlten Hintergrund an. Der leichte Anstieg in den Tiefen rührt von den Haaren der Modelle her.

Eine tolle Erfindung sehen Sie im Bild unten. Lastolite hat mit seinem HiLite-Hintergrund-System alles viel einfacher gemacht. Mit nur zwei Leuchten können Sie moderne High-Key-Fotos ohne Raumprobleme und Hintergrundaufbauten realisieren. Das Modell kann dabei schattenfrei ganz nah vor dem Hintergrund posieren. Die überdimensionale Softbox besteht aus zwei miteinander verbundenen Faltflächen, einem Diffusor und einem weißen Reflektor. In den etwa 35 cm breiten Zwischenraum, richten Sie den Studioblitz. Das Vergnügen ist mit ca. 360 Euro für den 150 x 210 cm großen HiLite nicht ganz billig, wenn Sie allerdings viel Freisteller machen und vor allem vor Ort arbeiten, ist es eine Investition, die sich schnell lohnt. In Deutschland können Sie Lastolite HiLite über www.allesbig.de beziehen.

Foto: Lastolite


128 Kapitel 8 | Die Form

Die Form Wie nah wir dem Menschen kommen, wenn wir ihn porträtieren, ist unsere ganz persönliche Entscheidung. Ob Sie das Umfeld des Modells mit ins Foto einbeziehen oder sich auf das Gesicht konzentrieren, richtet sich nach der Intention Ihres Fotos. Welche Formen kann ein Porträt nun haben und was ist dabei zu beachten? Je nach Intention der Bildaussage oder Verwendungszweck reichen die Gestaltungsmöglichkeiten von einem Körperdetail bis hin zu Ganzkörperporträts mit Umfeld.

Gerade bei emotionsbetonten Close-ups ist der Augenkontakt zwischen dem Modell und Betrachter eher abträglich, weil so der Betrachter das Foto länger ansehen kann. Kamera: Fujifilm FinePix S2 Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/10 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 150 mm – ISO 160. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 8 | Die Form 129

Bezeichnungen in der Porträtfotografie nach dem Ausschnitt Bei meinen Recherchen, welche Form des Porträts nun ganz genau wie bezeichnet wird, konnte ich keine wirkliche Klarheit finden. Ein sicheres Zeichen dafür, dass im Grunde vier Bezeichnungen reichen würden: Nahaufnahme, Oberkörperporträt, Ganzkörperporträt und Detail, auf die ich in diesem Kapitel ausführlich eingehen werde. Damit Sie aber die Nomenklatur in anderen Büchern oder Artikeln zum Thema nicht vollends verwirrt, zur Vollständigkeit alle häufig verwendeten Formen und Namen:

Die Nahaufnahme Inzwischen gebräuchlicher für diese Porträtform ist tatsächlich der englische Ausdruck „Close-up“. Diese Form des Porträts könnte man gemessen an den klassischen Bildausschnitten der Malerei und auch der Fotografie als modernste und jüngste bezeichnen. Vergleichbar ist hier nur das Kopfbild in der Malerei und den Anfängen der Fotografie, das den Kopf mit Halsbereich, jedoch ohne jeglichen Teil des Rumpfs zeigt.

Beim klassischen Oberkörperporträt nimmt das Gesicht anders als beim Close-up nur ein Drittel des Fotos ein. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/5 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Aufgrund moderner Objektive braucht man heute dem Modell für eine Nahaufnahme nicht mehr auf die Pelle zu rücken, denn so hat mit den Telebrennweiten auch das Close-up Einzug in die Fotografie gehalten. In der Beauty-Fotografie und Werbefotografie ist diese Aufnahmegestaltung fast schon Standard. Der obere Anschnitt geht häufig durch die Stirnmitte während das Kinn fast ganz abgebildet ist.

Das Oberkörperporträt Das klassische Oberkörperporträt schließt mehr oder weniger den ganzen Brustraum bis maximal zur Taille ein. Wie das Wort „Brustbild“ sagt, sollte neben Kopf, Hals und Schultern also mindestens auch die Brust mit abgebildet sein. Klassisch als Halbfigur oder im Englischen auch als „half length portrait“ bezeichnet, schließt das Format zwei weitere klassische Ausschnitte ein: Das Bruststück zeigt den Kopf mit einem Großteil des Oberkörpers, Schultern und Armabschnitten. Das Schulterstück oder die Büste zeigen die Schulteransätze. Das Porträt endet hier auf Achselhöhe.

Die Halbtotale und der American Shot Die Halbtotale geht noch etwas weiter: Sie endet bei der Hüfte beziehungsweise im Schritt oder Gesäß, auch Hüftbild genannt. Die Beine soll130 Kapitel 8 | Die Form

ten stehend nicht mehr im Bild sein. Die Arme und Hände sind sichtbar, es sei denn, das Modell verschränkt die Arme oder hat sie in der Hosentasche. Bei sitzenden Personen werden die Hände auch gerne auf den Schenkeln platziert und sollten nach Möglichkeit nicht angeschnitten werden. Dieser Ausschnitt wurde lange für das klassische handwerkliche Porträt gewählt. Dabei wurden die Hände auch gerne gekünstelt unter dem Kinn positioniert, während der Blick verträumt ins Leere ging. In der Malerei bezeichnet man die Halbtotale annähernd als „Hüftstück“ Ja, das klingt heutzutage ein wenig wie beim Metzger und das „Kniestück“ macht es auch nicht besser, hier werden die Knie, egal ob stehend oder sitzend, mit ins Bild einbezogen. Der American Shot (Westernanschnitt) liegt genau dazwischen und stammt eigentlich aus dem Film: Hier wird die Person bis ungefähr zur Höhe der Knie abgebildet, genau der Ausschnitt, den im Western der Revolverheld benötigt, um beim Duell richtig in Szene gesetzt zu werden. Diese interessante Ausschnittsvariante eignet sich insbesondere für selbstbewusste, körperbetonte Modelle.

Das Ganzkörperporträt oder auch die Totale Hier wird der gesamte Körper gezeigt. Wenn Sie die Körperhaltung, die Kleidung und den Gesamteindruck vermitteln möchten, ist dieser Ausschnitt der richtige. Richtig immer dann, wenn entweder Fotos gebraucht werden, auf denen die Figur gut zu sehen ist, wie zum Beispiel bei SedCards oder wenn Sie mit dem Umfeld des Modells eine Geschichte erzählen möchten.

Die Halbtotale lässt Ihnen auch Spielraum für große Gesten. Kamera: Nikon D200 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/7.1 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Das Detail Diese extremen Ausschnitte gehören eigentlich nicht zur klassischen Porträtfotografie und haben ihr Zuhause in der Werbefotografie, wo extreme Close-ups von Augen und Mund benötigt werden. Dennoch haben sie so auch ihren Weg in die normale Porträtfotografie gefunden. Und ein Ausschnitt mit Händen oder einem Stückchen Gesicht kann oft mehr Geschichten erzählen als ein klassisches Porträt.


Nahaufnahmen: das Gesicht Auch ganz ohne Make-up erzielt ein mit den gängigen Schönheitsattributen entsprechendes Gesicht Aufmerksamkeit. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/320 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 170 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Wie der Begriff „Nahaufnahme“ schon sagt, ist das reine Gesichtsporträt wahrscheinlich die intimste Form des Porträts überhaupt. Wenn wir einen Menschen kennenlernen, sehen wir ihm zunächst ins Gesicht. Wir versuchen dort mehr über ihn zu erfahren. Die Dinge, die wir noch nicht über ihn wissen, die er vielleicht auch verschweigt, ergründen wir im Gesicht. Ob die Person glücklich oder traurig ist, ob sie uns wohlgesonnen, neutral oder feindlich gegenüber steht, all das können wir an der Mimik ablesen. Aber bei Erwachsenen erkennen wir auch viel von deren bisherigem Leben in den Gesichtszügen. Ob unser Gegenüber will oder nicht, sein Gesicht erzählt uns einen Teil seiner Lebensgeschichte. Sei es nur der wenige Schlaf der letzten Nacht, der sich mit Augenringen oder dunklen Schatten unter den Augen bemerkbar macht, oder aber Dinge, die sich zum Beispiel über Fältchen im wahrsten Sinne des Wortes in sein Gesicht eingegraben haben. Wenn das Gesicht entspannt ist, sehen wir genau, ob dort Fältchen und Grübchen vom Lachen verzeichnet sind oder hängende Mundwinkel und traurige Augen eine schmerzliche Geschichte erzählen. Es ist eine Frage der Sensibilität des Fotografen, wie nah er dem Menschen nun mit dem Closeup kommen darf oder möchte. Richard Avedon (amerikanischer Fotograf, 1923 bis 2004) sagte einmal: „Eine Fotografie zeigt nie die Wahrheit.“ Weil Sie als Fotograf entscheiden, wie viel Sie gerade in der People-Fotografie von dem Modell preisgeben wollen oder ob das Foto den wahren Charakter des abgebildeten Menschen zeigt. Diese Entscheidung treffen Sie mit der Wahl Ihres Objektivs bzw. der Brennweite, der Ausleuchtung und der Schärfentiefe im Bild. Bei der Nahaufnahme kommt also der Wahl der Mittel eine besondere Bedeutung zu.


Der neutrale Fotograf Um ganz ehrlich zu sein, vergessen Sie das. Sie können selbst bei größter Professionalität keine neutralen Nahaufnahmen machen. Ein Shooting erfordert immer zumindest ein Vorgespräch mit dem Modell. Selbst wenn Sie also einen wildfremden Menschen fotografieren, lernen Sie ihn zunächst ein wenig kennen und bilden Sie sich eine Meinung. Das Modell ist Ihnen mehr oder weniger sympathisch, das wirkt sich auf Ihre Sichtweise aus. Und das wiederum auf Ihre Fotos, ganz besonders auf die Nahaufnahmen.

Gesichter, die uns eine ganze Lebensgeschichte erzählen, sind immer wieder spannend. Dazu ist es nicht einmal notwendig, das ganze Gesicht abzubilden. Kamera: Canon EOS 5D mit 24-105 mm f/4.0er Objektiv – Belichtungszeit 1/13 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 140 mm – ISO 100. Foto: Alexey Klementiev

Selbst wenn Sie auf ein fertiges Set kommen, auf dem das Modell bereits in Maske komplett ausgeleuchtet steht und Sie nur noch auf den Auslöser drücken müssten, würde spätestens in dem Moment, in dem Sie das Gesicht ganz nah im Sucher sehen, Ihre Neutralität dahin sein. Woran liegt es nun aber, dass wir einen Menschen, auch wenn wir ihn überhaupt nicht kennen, mehr oder weniger sympathisch oder attraktiv finden? Und dies ganz unabhängig vom Geschlecht des Modells?


Die Merkmale, die von fast allen Menschen bei Frauen als attraktiv empfunden werden sind: 1. volle gepflegte Lippen, 2. schmale Nase, 3. unauffälliges Kinn, 4. hohe Wangenknochen, 5. nicht zu enger Augenabstand, 6. nicht zu hohe, unauffällige Stirn, 7. dichte lange und dunkle Wimpern und 8. dunkle, schmale Augenbrauen. Kamera: Fujifilm FinePix S2 Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belich tungszeit 1/1500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Was ist Attraktivität? Seit Anfang der 1970er Jahre haben sich Wissenschaftler immer wieder dem Phänomen „Schönheit“ angenommen und Studien darüber erstellt, warum wir, insbesondere bei Frauen, bestimmte optische Eigenschaften als attraktiv erachten. Hierbei kristallisierten sich folgende Merkmale heraus: ●

gebräunte Haut

●

schmales Gesicht

●

volle und gepflegte Lippen

●

weiter Augenabstand

●

dünne Augenlider

●

dichte, lange und dunkle Wimpern

●

dunkle und schmale Augenbrauen

●

hohe Wangenknochen

●

schmale Nase

Für die Beurteilung der Attraktivität von Männern gilt in weiten Teilen das Gleiche. Einziger Unterschied ist, dass wir hier ein markantes Kinn und einen markanter Unterkiefer bevorzugen. Diese „Beurteilung“, die wir automatisch bei jedem Menschen vornehmen, basieren auf den in 134 Kapitel 8 | Die Form

Für Männer gelten fast die gleichen Schönheitsattribute: 1. volle gepflegte Lippen, 2. schmale Nase, 3. markantes Kinn, 4. hohe Wangenknochen, 5. nicht zu enger Augenabstand, 6. nicht zu hohe, unauffällige Stirn, 7. dichte lange und dunkle Wimpern und 8. dunkle, schmale Augen brauen. Kamera: Fujifilm FinePix S2 Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/125 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

unserem Bewusstsein fest verankerten Kriterien zur Wahl eines Partners für die Fortpflanzung. Wir ordnen diesen Attributen aber auch weitere Eigenschaften des Menschen zu. Dies müssen Sie bedenken, wenn Sie ein Modell für ein bestimmtes Foto auswählen. Weitere Merkmale, die wir bei einem Menschen als schön empfinden, sind ausgewogen proportionierte Gesichtspartien, eine gewisse Symmetrie der beiden Gesichtshälften ebenso wie wenig Dominanz in Kinn- oder Stirnpartie.

Die Aufnahmeparameter Nahaufnahmen sind für den Fotografen vermeintlich einfacher zu fotografieren als Bildausschnitte mit mehr Umfeld. Störende Einflüsse von Hintergrund, Kleidung, Körpersprache und oftmals sogar der Haare entfallen. Aber viele Fotografen behaupten auch, dies sei die schwierigste Disziplin in der Menschenfotografie. Denn ein Close-up verzeiht Ihnen keinen Fehler. Komposition, Ausleuchtung und Schärfe müssen 100%ig stimmen, damit das Foto auf den Betrachter harmonisch wirkt. Das Bild wird allein vom Gesichtsausdruck des Modells dominiert und dieser transportiert auch Emotionen zum Betrachter.


Die Augen Analysieren wir also die Komponenten des Gesichts und deren Wirkung auf den Betrachter. Das Hauptmotiv bei Abbildung des gesamten Gesichts sind die Augen. Ihnen gilt also unsere ungeteilte Aufmerksamkeit für alle Aufnahmeparameter. Auch wenn Sie bei modernen Porträts hinsichtlich des Ausschnitts fast alle Freiheiten haben, existiert eine unumstößliche Regel: Die Augen im Bild müssen scharf sein. Eine kleine Einschränkung gibt es, wenn Sie mit Offenblende arbeiten. Denn hier beträgt die Schärfentiefe bei langen Brennweiten oft nur knapp 2 cm: Hier reicht es aus, wenn ein Auge scharf ist. Ansichts- oder Geschmacksache ist hier, welches Auge durch die Schärfe betont wird. Grundsätzlich sollte das der Kamera näher liegende Auge betont werden. Einer anderen Auffassung nach soll das besser ausgeleuchtete Auge betont werden. Ich bin der Meinung, dass Sie dies ausschließlich direkt bei der Aufnahme entscheiden können und dass es hier keine allgemeingültige Regel gibt.

Schärfe überprüfen Das Close-up verzeiht, insbesondere bei offener Blende, keine Aufnahme fehler. Überprüfen Sie deswegen unbedingt die Schärfelage auf dem Foto. Nutzen Sie zum einen vor der Aufnahme die Abblendtaste und betrachten Sie das Bild nach der Aufnahme im Display. Nutzen Sie dabei den vollen Zoom der Anzeige, um ganz sicher zu gehen.

Ebenso wichtig wie die Schärfe sind Lichtreflexe in den Augen. Ein Auge ohne Lichtreflex wirkt auf den Betrachter tot, die Bildwirkung ist zunichte, auch wenn alle anderen Komponenten stimmen. Bei Aufnahmen im Freien oder bei Available Light müssen Sie also mittels einer reflektierenden Wand oder mit einem Reflektor einen Lichtreflex in die Augen lenken. Bei geblitzten Fotos erhalten Sie automatisch Reflexe. Hier steht allerdings wieder eine philosophische Frage im Raum: Dürfen die Augen auch Doppelreflexe haben, darf also mehr als eine Lichtquelle im Auge zu sehen sein? Ich mag da gar keine Stellung beziehen. Entscheiden Sie, ob bei mehr als einem Reflex das Auge noch natürlich bleibt, die Augenfarbe noch zu erkennen ist und die Gesamtwirkung des Fotos nicht gestört wird. Im schlimmsten Fall eliminieren Sie störende Glanzlichter nachträglich in der digitalen Dunkelkammer. Bliebe als Letztes noch die Blickrichtung. Bei den meisten Close-ups werden Sie den direkten Blick in die Kamera und somit zum Zuschauer finden. Der Vorteil ist, dass dadurch eine Kommunikation mit dem Betrachter entsteht. Allerdings kann dieser Blickkontakt diesen auch verunsichern und das Bild wird nicht lange angesehen. Ist der Blick abgewandt, findet zwar kein Austausch statt, aber das Bild kann länger betrachtet werden. Emotionen lassen sich häufig auch durch eine andere Blickrichtung darstellen. Wir kennen alle den unsäglichen Bildtitel „In Gedanken“ oder Abwandlungen davon. Wenn der Blick des


Modells aus dem Foto herausgeht, sollte er sich nicht direkt gegen den Bildrand richten. Der Blick sollte immer ein wenig nach hinten oder vorne fallen.

Der Mund Neben den Augen ist der zweite Eyecatcher in unserem Motiv „Gesicht“ der Mund. Wie Sie schon wissen, beruht ein Teil der Attraktivität des Menschen auf vollen und gepflegten Lippen. Damit verbinden wir sowohl bei Männern als auch bei Frauen Sinnlichkeit und Erotik, aber auch Genuss. Ein schmallippiger Mund wird mit negativen Eigenschaften wie Gefühlskälte oder Grausamkeit verbunden. Der Mund kann ebenso wie die Augen Emotionen ausdrücken und mit dem Betrachter kommunizieren. Wenn der Mund, der nach den Augen stets als Zweites auf einem Foto angeschaut wird, aus welchen Gründen auch immer in den Hintergrund treten soll, haben Sie verschiedene Möglichkeiten. Zum einen die Unschärfe, denn hier wird der Fokus auf die Augen gelegt, so dass bei langer Brennweite mit Offenblende der Mund ohnehin bereits außerhalb des Fokus liegt. Eine andere Möglichkeit ist es, den Mund im Halbschatten verschwinden zu lassen.

Die Nase Diese Möglichkeit haben Sie bei fast allen unliebsamen Bildelementen. Die Nase zum Beispiel ist insbesondere bei Frauen häufig ein solches. Kleine schmale Nasen gelten als attraktiv, große und dominante Nasen müssen Sie durch die Aufnahmeparameter ein wenig zurücknehmen. Hier verbietet sich eine zu stark ins Profil gehende Aufnahme. Allzu breite Nasen hingegen werden durch eine stark seitliche Aufnahme schmaler. Zu kleine Stupsnasen verlangen nach einer leichten Aufsicht und einem Halbprofil.

Hier liegt die Schärfe auf dem Auge im Licht, aber auch der Mund sollte in diesem Foto besonders betont werden. Kamera: Nikon D200 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/3.2 – Brennweite 157 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Aber die Nase birgt noch weitere Tücken. Sie bildet gerne unliebsame starke Schatten, die Sie aber mit einer zweiten Lichtquelle eliminieren können. Wenn sonst nichts dagegen spricht, reicht es oft aus, das Gesicht weiter der Lichtquelle zuzuwenden. Achten Sie aber auf Überstrahlungen, denn Nasenspitze und Stirn neigen dazu, gerade bei Studioaufnahmen zu viel Licht abzubekommen.


Weitere Bildelemente

Auch wenn bei diesem Foto die Haarsträhne eigentlich nicht auf die Stirn gehört, war der Ausdruck des Modells hier stärker als bei anderen Fotos der Serie. Manchmal muss man Kompromisse eingehen. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/750 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

In den Bildbeispielen auf diesen Seiten sehen Sie fast immer eine angeschnittene Stirn. Zum einen ist dies zugegebenermaßen eine kleine Macke von mir, zum anderen aber auch ein gutes Mittel, eine zu prominente Stirn zu kaschieren. Eine zu hohe Stirn, die die Symmetrie des Gesichts stören könnte, sei es durch einen generell hohen Haaransatz oder einsetzende Glatzenbildung bei den Herren, kann so kaschiert werden. Das Kinn und der Hals nehmen zwar selten einen wichtigen Bildteil ein, verdienen aber dennoch unsere Aufmerksamkeit bei zu ausgeprägtem Kinn bei Frauen oder fliehendem Kinn bei beiden Geschlechtern. Eine leichte Untersicht korrigiert dies ebenso wie Unschärfe. Eine Neigung zum Doppelkinn sollten Sie ebenfalls versuchen zu verstecken, indem Sie das Modell anweisen, das Kinn nach vorne zu strecken wie eine Schildkröte. Das fühlt sich für das Modell zunächst falsch und verkrampft an, zeigen Sie hier unbedingt ein Foto vom Ergebnis, das wird das Modell wieder entspannen. Auch hier rate ich zu einer leichten Aufsicht. Natürlich lassen sich viele dieser kleinen Problemchen auch mit Makeup kaschieren oder mindern, wie Sie schon in Kapitel 3 lesen konnten. Auch gibt es ein paar Tricks, wie Sie in der Bildbearbeitung den einen oder anderen Schönheitsfehler korrigieren können, davon lesen Sie mehr in Kapitel 17.

Die persönliche Sicht Mir ist die Nahaufnahme die liebste Form des Porträts, weil ich so versuchen kann, viel von dem Menschen zu zeigen. Schwierig wird es für mich immer bei Menschen, die mir besonders nahe stehen, vielleicht stoßen Sie auf ein ähnliches Problem. Denn von unseren Liebsten haben wir bereits ein Bild fest im Kopf eingebrannt. Wenn wir das jetzt durch die Kamera betrachten, gewinnen wir ein Stück Objektivität zurück. Und das Ergebnis entspricht in der Regel zunächst in keinster Weise unseren Vorstellungen. Nun gilt es, unter Einsatz von Licht, Perspektive und Pose und mit viel Geduld das Foto dem Bild im Kopf anzupassen. Es ist eine spannende Erfahrung, auch wenn die ersten 20 Bilder dieses Shootings garantiert gelöscht werden müssen. Aber auch bei Menschen, die Sie nicht so gut kennen, werden Sie auf diese Diskrepanz zwischen Ihrer Wahrnehmung und den ersten Bildern treffen. Denn diese werden zunächst nichts vom Wesen und Charakter transportieren. Deswegen ist Menschenfotografie jedes Mal aufs Neue so spannend und aufregend. Weil jedes Modell immer wieder eine Herausforderung darstellt, die es zu meistern gilt. 138 Kapitel 8 | Die Form

Oberkörperporträts Mit dem sogenannten „Brustbild“ entfernen wir uns nicht nur ein wenig von dem Gesicht des Menschen, sondern bringen auch noch eine zusätzliche Bildkomponente ein: die Gestik. Sie haben die Möglichkeit, durch Arme und Körperhaltung Intention und Bildaussage zu unterstützen, gleichzeitig aber auch ein weiteres Bildelement, auf das Sie achten müssen.

Für das Oberkörperporträt muss das Modell nicht zwingend stehen oder sitzen. Probieren Sie hier einfach mal etwas anderes aus. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 177 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Aber es gibt neben der Gestik auch noch weitere zusätzliche Gestaltungselemente oder Störfaktoren, ganz wie man es sieht, im Oberkörperporträt. Denn war die Kleidung im Close-up noch ein Faktor ohne jede Bedeutung, schafft hier das Oberteil farblich wie strukturell einen Bildakzent und trägt mit tiefem Dekolleté oder zugeknöpftem Hemd oder Bluse zusätzlich zur Bildaussage bei. Auch dem Hintergrund kann eine größere Bedeutung zukommen. Das kann bei bestimmten Szenarien nützlich sein, bei klassischen Porträts wird er aber eher zu einem weiteren Störfaktor. Das Oberkörperporträt ist die verbreitetste Aufnahmeform des Genres und hat sich über die Jahre als Standard für das klassische Porträt entwickelt. Aber auch wenn der Kopf hier höchstens die Hälfte des Bilds einnimmt, konzentrieren wir uns bei der Bildgestaltung dennoch besonders auf Kopf und Schultern.


Die Körpersprache Bei diesem Ausschnitt bietet sich ein aufgestützter Arm im Foto an. Achten Sie immer darauf, dies nur anzudeuten. Würde das Gesicht tatsächlich aufgestützt, würde die Hand die Gesichtszüge verzerren. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/180 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 135 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Zunächst einmal müssen natürlich die Körpersprache des Modells, also Schulterhaltung und Arme, zum Gesichtsausdruck passen. Alles andere wirkt unharmonisch und irritiert den Betrachter und kann die Wirkung eines ansonsten technisch perfekten Fotos völlig zunichte machen. Dazu müssen Sie Menschen beobachten, schauen, welche Gestik natürlicherweise mit welcher Mimik einhergeht und wie der Gesichtsausdruck durch die Körpersprache unterstützt oder abgeschwächt wird. Hier fängt Ihre Arbeit nicht erst im Studio an, sondern vielleicht in einem Straßencafé, in dem Sie ungestört Menschen ganz gezielt beobachten. Diese Beobachtungen geben Sie dann beim Shooting in Form von Posing-Anweisungen an das Modell weiter. Das ist nicht immer ganz einfach. Denn eventuell ist die Körpersprache des Modells in bestimmten Situationen eine andere als die, die Sie sich für das Bild vorstellen. Am einfachsten ist es hier, vorzumachen, was Sie sich vorstellen, oder eventuell auch an einem Bildbeispiel zu zeigen. Wenn Gesamtaussage und Körpersprache klar sind, reichen meist kleine Anweisungen hinsichtlich der Kopf- und Körperhaltung, die Sie am besten durch den Sucher betrachten und dirigieren. Nützlich ist hier in jedem Fall das Arbeiten mit Stativ, so bleibt der festgelegte Ausschnitt gleich und Sie haben die Möglichkeit, eine Haarsträhne zu korrigieren oder den Kragen der Bluse zu richten. Auch eine helfende Hand wie zum Beispiel die des Visagisten oder einer Begleitperson kann sehr hilfreich sein. So können Sie Feinheiten korrigieren, ohne Ihren Standpunkt verlassen zu müssen, und behalten das Gesamtarrangement durch den Sucher im Auge. Achten Sie dabei auch immer darauf, dass das Modell sich wohlfühlt. Oft wirken Gesten je nach Menschentyp aufgesetzt und überzogen. Wenn sich die Verunsicherung des Modells dann noch im Bild zeigt, nehmen Sie von der Bildidee Abstand und probieren Sie noch andere Posen aus. Ihre ursprüngliche Bildidee lässt sich bestimmt später mit einem anderen Modell besser umsetzen.


Variieren Sie den Fokus. Bei diesen Aufnahmen ist das Modell nur Trägerder Geste und das unscharfe Gesicht macht das Foto spannender. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/2000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Körperhaltung im Detail Körperspannung Wichtig, egal welche Stimmung Sie umsetzen möchten, ist die Körperspannung. Hängende Schultern und zusammengesackte Oberkörper eignen sich höchstens für die Darstellung von Trauer, Krankheit, Unsicherheit oder Angst. In der Regel gilt hier das alte Sprichwort „Bauch rein, Brust raus“ und das nicht nur bei Frauen. Eine straffe Körperhaltung erreichen Sie, indem die Schultern nach hinten gedrückt werden, der Oberkörper also quasi herausgedrückt wird. Keine Angst, das sieht auf dem Foto ebenso wenig unnatürlich aus wie das vorgestreckte Kinn bei der Nahaufnahme. Oft gibt es ein paar Hindernisse beim Umsetzen der Körperspannung. Insbesondere tun sich meiner Erfahrung nach Männer damit schon einmal schwer. Beim Brustbild können Sie jedoch sehr einfach Einfluss darauf nehmen. Ich probiere in solchen Fällen immer verschiedene Sitzmöbel sowie eine stehende Haltung, auch abgestützt aus. Im Sitzen auf einem normalen Stuhl oder Hocker fällt zwar das mulmige Gefühl „Ich stehe vor der Kamera“ im wahrsten Sinne des Wortes weg, die gemütliche Sitzhaltung macht es aber auch schwerer, die Körperspannung zu halten, man lümmelt oder flegelt sich gerne. Auf einem Bar- oder Stehhocker kann man sich es zwar auch bequem machen, aber allein die Balance führt schon zu einer besseren Haltung. Sollte auch das nicht fruchten, bitte ich das Modell, sich hinzustellen und den hohen Hocker als Stütze zu verwenden. Das hat bisher auch in hartnäckigen Fällen noch immer geklappt. Kapitel 8 | Die Form 141

Schultern Die Haltung der Schultern zur Kamera ist beim Brustbild sehr wichtig. Wenn Sie die Schultern parallel zur Kamera gerade ausrichten, wird das Bild immer sehr statisch und formell wirken und den Betrachter an ein Passbild erinnern. Genau das wollen wir ja nicht. Die Schultern sollten also entweder leicht gedreht oder schräg aufgenommen werden. Aber bitte übertreiben Sie es hier nicht. Zu stark verdrehte Schultern machen das Bild unruhig und auch eine extreme Schräge kann leicht unharmonisch wirken.

Kopf

Wichtig ist, dass Mimik und Gestik im Foto aufeinander abgestimmt sind. So unterstützen beide einander und das Foto wirkt stimmig auf den Betrachter. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Die Neigung des Kopfs beeinflusst ebenfalls die Bildwirkung. Ist die Kopfhaltung gerade und die Augen sind auf die Kamera gerichtet, wirkt es auf den Betrachter ehrlich und offen. Achten Sie hierbei darauf, dass die Augen gerade im Bild sind, Augen, die sich nicht auf gleicher Höhe befinden, mindern die Bildwirkung hierbei wieder. Ein leicht zur Seite geneigter Kopf kann Schüchternheit ausdrücken, eine andere Neigung zeugt von Neugier und Interesse. Für den Blick des Modells beziehungsweise die Augenstellung gelten die gleichen Regeln wie bei der Nahaufnahme. Berücksichtigen Sie hier jedoch, dass die Wirkung wegen der kleineren Fläche im Bild eine schwächere ist.

Armhaltung Beim Brustbild haben Sie zwangsläufig die Arme des Modells ganz oder im Anschnitt auf dem Foto. Auch Arme bilden Linien im Bild, wie bereits in Kapitel 3 angesprochen wurde. Dabei ist es wichtig, den Betrachter mit diesen Linien im Bild zu halten. Die Arme dürfen durch ihre Haltung also nicht aus dem Bild herausführen. Oft stören die Arme auch den Gesamtaufbau. Lassen Sie sie einfach hinter dem Rücken des Modells verschwinden oder wagen Sie eine dynamische Bildkomposition. Bekleidete Arme sind dabei deutlich weniger prominent im Bild als die nackten Arme, die in der Regel einen stärkeren Kontrast bilden.

Häufig ist es einfacher, Hände ins Bild zu integrieren, wenn diese beschäftigt werden. Wählen Sie eine zum Sujet passende Requisite, das kann vom Buch über die Kaffeetasse bis hin zu einer Zigarette alles sein. Kamera: Nikon D200 Hände mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/2.8 – BrennHände unterstützen mit ausdrucksvoller Gestik weite 250 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher

die Bildsprache und sollten unbedingt stimmig mit der Gesamtaussage sein. Sie können aber auch nur den Abschluss der Komposition bilden oder Ruhe, Gelassenheit und Stärke vermitteln. Selbst bei Nahaufnahmen kann eine Hand mit ins Bild genommen werden, wie Sie in den Bildbeispielen sehen. Achten Sie aber darauf, die Hand nicht zu flächig abzubilden. Je nach Brennweite, insbesondere bei Weitwinkeln und Normalbrennweite mit halb geschlossener Blende, können Hände überproportional groß wirken, alleine schon, weil sie näher am Objektiv sind. Die Hand sollte also nie im vollen Licht mit dem Handrücken oder der Handfläche zur Kamera hin aufgenommen werden. Auch einzelne abgespreizte Finger stören oft die Komposition. Passen Sie also auch hier auf, dass die Finger möglichst geschlossen sind.

Weitere Bildelemente Requisiten Je nach Intention oder auch nur, um die Hände des Modells zu beschäftigen, können wenige, aber akzentuierte Requisiten in den Händen nützlich sein. Dies gilt besonders dann, wenn Sie Menschen im Kontext, also bei ihrer Arbeit oder im privaten Umfeld bei Freizeitaktivitäten, fotografieren.


Frisur, Make-up und Kleidung Beim Brustbild sehen wir auf dem Foto deutlich mehr von den Haaren und der Kleidung als bei der Nahaufnahme. Das Hair-Styling an sich ist sicherlich Geschmacksache, auf jeden Fall muss es jedoch zum Gesamtbild passen. Eine kunstvoll aufgesteckte Abendfrisur zu Freizeitkleidung wirkt ebenso unsinnig wie unfrisiertes Haar zum Abendkleid. Abhängig davon, wie natürlich Ihr Foto wirken soll, sollten Sie auch das Make-up und HairStyling wählen. Details hierzu finden Sie in Kapitel 3. Die Kleidung muss nicht nur zum Bild, sondern auch zum Menschen passen, sonst wirkt das Modell verkleidet. Dies betrifft normale Aufnahmen von ganz normalen Menschen. Andere Regeln gelten für inszenierte Aufnahmen und FashionFotografie, die Sie bitte in Kapitel 10 nachschlagen. Wenn ich für Porträtaufnahmen gebucht werde, nimmt das Gespräch über Kleidung immer einen Teil des Vorgesprächs ein. Und immer taucht natürlich auch die Frage auf: „Was soll ich denn anziehen und welche Kleidung soll ich mitbringen?“ Meine Standardantwort lautet hier: „Bringen Sie Kleidung mit, in der Sie sich wohlfühlen.“ Eine Bluse, in der sich das Modell attraktiv findet, wirkt sich positiv auf die Ausstrahlung und somit auf das gesamte Foto aus.

Die Lichtführung nimmt hier den nackten Armen die exponierte Stellung im Bild. Auch wenn der Anschnitt zunächst aus dem Bild herauszuführen scheint, führen die geschlossenen Hände über dem Kopf den Betrachter zurück ins Bild. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Natürlich gibt es manchmal Irrungen, die nicht zum Typ und Hintergrund oder in die Szene passen, hier muss man mit etwas Fingerspitzengefühl die mitgebrachte Kleidung sortieren. Allzu grelle Farben oder wirre Muster lenken zu sehr vom eigentlichen Motiv, dem Menschen, ab. Ich habe für solche Fälle auch immer ein paar neutrale Kleidungsstücke im Studio oder Gepäck, der Sitz kann bei Oberkörperporträts schnell mit ein paar Sicherheitsnadeln oder Klammern korrigiert werden.

Lichtsetzung Das Hauptlicht, egal ob von Studioleuchten, natürliches Licht oder vom Reflektor gelenktes Tages- oder Sonnenlicht, sollte hier das Gesicht treffen. Probieren Sie zunächst frontales Licht zum Einrichten aus und variieren Sie dann die Modellposition oder Lichtquelle.

Format Das klassische Aufnahmeformat für Brustbilder ist das Hochformat. Wenn Sie moderne und innovative Fotos machen möchten, probieren Sie auf jeden Fall Querformate aus. Hier lässt sich auch einmal ein etwas auffälligerer Hintergrund in die Bildkomposition integrieren.


Das Ganzkörperporträt Je größer der Bildausschnitt wird, desto mehr verliert die Mimik an Bedeutung. Umso mehr gewinnen Körpersprache und Umfeld an Bedeutung für das Foto. Je nach Bildformat nimmt das Gesicht nur noch wenige Prozent des Bilds ein. Ein ausdrucksvolles Gesicht allein reicht also nicht aus und hat so gut wie keinen Einfluss mehr auf die Bildwirkung. Das bedeutet aber nicht, dass Sie Position und Gesichtsausdruck im Ganzkörperporträt vernachlässigen dürfen.

Die sehr tiefe Kameraposition unterstützt die selbstbewusste Haltung des Modells. Der dunkle Himmel bietet einen tollen Hintergrund und unterstützt die romantische Bildwirkung sehr gut. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 28-105 mm f/2.8-4er Objektiv – Belichtungszeit 1/500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 42 mm – ISO 200. Foto: Martin Schwabe

Nicht nur deswegen halten viele, insbesondere unerfahrene Fotografen dies für den schwierigsten Ausschnitt in der Menschenfotografie. Wobei wohl den meisten zunächst nicht klar ist, dass Ganzkörper nicht zwangsläufig bedeutet, den Menschen im Stehen aufzunehmen. Denn eine Aufnahme von der Haar- bis zur Schuhspitze kann auch im Sitzen, Hocken, Knien oder Liegen fotografiert werden. Das macht es für den Anfang für die meisten ein wenig einfacher. Natürlich gelten für die Totale alle Tipps und Regeln, von denen Sie bereits bei der Nahaufnahme oder dem Oberkörperporträt gelesen haben. Kapitel 8 | Die Form 145

Hinzu kommen jetzt noch Arm- und Beinhaltung. Konnten Sie die Arme in der Halbtotalen noch verstecken und die Beine völlig außer Acht lassen, müssen diese jetzt in die Komposition einbezogen werden. Der Körpersprache wird von Psychologen eine große Bedeutung beigemessen, aber jeder Mensch kann Körpersprache auch intuitiv interpretieren. Nutzen Sie hier Ihren Instinkt und setzen Sie ihn in Anweisungen an Ihr Modell um. Das Ganzkörperporträt birgt aber nicht nur zusätzliche Herausforderungen, sondern auch Chancen. Wenn Sie grundsätzlich kein Fan von langen Brennweiten sind oder keine Teleobjektive besitzen, gibt es Ihnen die Möglichkeit, einen Menschen aus einer deutlich größeren Distanz heraus mit der Kamera zu beobachten und einzufangen. Eventuell fühlen sowohl das Modell als auch Sie sich wohler, beides wird man im Ergebnis erkennen. Wenn Sie anfangen, Ganzkörper zu porträtieren, sollten Sie mit ungezwungenen Posen beginnen. Beobachten Sie Ihr Modell mit der Kamera und versuchen Sie, es „aus dem Leben“ zu greifen. Das Modell sollte wissen, dass es fotografiert wird, aber nicht extra für die Kamera posieren. Die inszenierte Fotografie bedarf einer gewissen Erfahrung des Modells und des Fotografen in Haltung, Mimik und Gestik, um nicht gestellt und gekünstelt zu wirken.

Als ich diesen Ort bei einem Spaziergang in South Kensington (London) fand, war klar, dass ich hier einmal Fotos machen würde. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/500 Sek. bei f/1.8 – Brennweite 75 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher


Hinter- und Vordergrund Mit dem Ganzkörperporträt stehen Sie vor ganz neuen Herausforderungen: Plötzlich werden Vorder- und Hintergrund des Fotos wichtig, denn Sie nehmen einen großen Teil des Bilds ein und tragen damit auch enorm zur Bildwirkung bei. Also erfordert insbesondere der

Hintergrund unsere ganz besondere Aufmerksamkeit. Die Location muss zum Sujet passen, so viel ist klar. Und das klingt deutlich einfacher, als es letztlich vielleicht ist. Ganzkörperaufnahmen im Studio vor weißem oder schwarzem Hintergrund sind in der Regel langweilig und das kann auch das tollste Modell nicht mehr rausreißen, dazu sieht man einfach zu wenig von ihm. Wenn Sie Spaß daran haben, können Sie natürlich aus jedem Studio ein tolles Set machen, es tapezieren und möblieren. Für jedes Shooting neu und anders, denn spätestens nach ein paar Shootings wird Ihnen das immer gleiche Set langweilig. Aber dieser Aufwand ist eigentlich gar nicht nötig, denn die Welt ist voller Hintergründe, die nicht extra aufgebaut und arrangiert werden müssen.

Werden Sie zum Location-Scout Auch wenn Sie beschlossen haben, sich nur noch der People-Fotografie zu widmen, gehen Sie mit offenen Augen und der Kamera durchs Leben. Werden Sie zum Landschafts- und Architekturfotografen. Täglich finden sich neue, spannende Hintergründe um uns herum. Drinnen wie draußen. Warum aber sollen Sie die Kamera mitnehmen? Sich merken, wo der tolle Brunnen steht, reicht doch auch. Ja, aber dann machen Sie sich Notizen. Sie sollten ihn nicht nur wiederfinden, sondern auch wissen, zu welcher Uhrzeit das Licht von wo kommt. Denn wenn Sie um fünf Uhr nachmittags dort vorbeikommen, erwarten Sie vielleicht unliebsame Überraschungen, wenn Sie sich mit dem Modell dort um zehn Uhr Morgens verabreden. Achten Sie auf die Lage, also die Himmelsrichtung, und auch darauf, ob die Sonne eventuell von hohen Gebäuden verdeckt wird oder diese unliebsame Schatten aufs Bild werfen könnten. Wenn Sie ganz sicher sein wollen, besichtigen Sie den Aufnahmeort noch einmal zur gleichen Zeit wie die geplanten Fotos und machen Sie ein paar Bilder, um sich Klarheit über die Belichtungsmöglichkeiten zu verschaffen. Dabei spielt die eigentliche Helligkeit keine Rolle, denn es ist im Grunde egal, ob es am Tag der Auf-

Modell-Posen Die meisten Fotografen, die mit der Menschenfotografie gerade erst beginnen, erachten die Posen, die das Modell einnehmen soll, als das Schwierigste in diesem Genre. Professionelle Modelle spulen in der Regel ganz selbstständig ihr Programm ab. Das ist für einen Einsteiger ganz angenehm, für den ambitionierten Fotografen eher hinderlich und für den Profi ein absolutes No-go. Für den Anfang hilft es Ihnen auf jeden Fall auch hier, immer wieder Bilder zu betrachten und die Posen zu verinnerlichen, um Sie an Ihr Modell weiterzugeben. Ideen zum Posing finden Sie auch auf vielen Seiten im Internet. By Tor hat ein PDF mit 400 Posen für Frauen, Männer und Paare zusammengestellt, das Sie unter dieser Adresse finden: http://bytor. co.uk/library/modelling/PosingGuide. pdf. Auch Dirk Rosenberger hat 400 Posen für weibliche Modell bebildert. Nützlich für die Posen an sich, wenn Sie über Styling und Ambiente hinwegsehen: www.fotoart-dr.de/db69. html#ch335. Weitere Ideen finden Sie unter dem Suchwort „modelposen“.


Das natürliche Modell passt sowohl vom Typ als auch von der Farbe der Kleidung ausgezeichnet zum Felsenhintergrund. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/250 Sek. bei f/4 – Brennweite 195 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

nahmen regnet oder der Himmel leicht bedeckt ist. Die Gesamthelligkeit können Sie über Blende und Belichtungsdauer steuern. Wichtig ist, dass Ihr Licht aus der richtigen Richtung kommt oder in die richtige Richtung gelenkt werden kann. Oft finden sich auch bei einem Kaffee oder Drink ganz neue IndoorLocations. Fragen Sie den Besitzer oder Geschäftsführer einfach, ob Sie in seinem Lokal einmal Fotos machen dürfen, mehr als nein sagen kann er nicht.

Das Modell und der Hintergrund Wenn Sie den Betrachter nicht gerade provozieren wollen, sollten Modell, Kleidung und Hintergrund farblich harmonieren. Das gilt auch für Schwarzweißfotos, denn da müssen Sie die Farben in Graustufen übersetzen. Harmonieren bedeutet jedoch nicht unbedingt, dass der Hintergrund und das Modell beziehungsweise dessen Kleidung farblich aufeinander abgestimmt werden müssen und alles Ton in Ton gehen muss. Denn auch ein knalloranges Oberteil vor blauem Himmel oder grünem Rasen hat eine starke Bildwirkung, wird allerdings das bisschen Gesicht, das vom Modell zu sehen ist, im wahrsten Sinne des Wortes völlig in den Hintergrund treten lassen. Sie sehen auch hier wieder, alles hängt von der Intention Ihres Fotos ab. Es gibt keine starren Regeln, Sie müssen sich lediglich über die Wirkung des Zusammenspiels im Klaren sein und Ihr Wissen nutzen. Wenn also der Mensch immer noch das Hauptmotiv bei diesen Porträts sein soll, darf der Hintergrund nicht vom Motiv ablenken. Sie haben jede Menge Möglichkeiten, das zu erreichen: Als Erstes benutzen Sie die Blende. Natürlich möchten Sie bei der Totalen einen größeren Bildbereich als die Augen scharf haben, also erhalten Sie auch bei längeren Brennweiten mit f/4 oder f/5.6 noch immer eine geringe Tiefenschärfe und


somit einen unscharfen Hintergrund. Wenn Sie mit dem Standardobjektiv oder dem Weitwinkel fotografieren, öffnen Sie die Blende weiter, um den gleichen Effekt zu erhalten, kontrollieren Sie die Tiefenschärfe am besten mit der Abblendtaste. Auch der Abstand des Modells vom Hintergrund nimmt Einfluss auf dessen Wirkung. Lehnt das Modell direkt an einer Steinmauer oder steht es vor einem Graffiti, können Sie nicht mit der Tiefenschärfe arbeiten und der Hintergrund wird immer prominent im Bild sein, eine Wirkung, die durchaus beabsichtigt sein kann. Mit ein paar Metern Abstand lösen Sie nicht nur das Blendenproblem, sondern Sie bringen durch die Staffelung auch etwas mehr Tiefe ins Foto. Das Motiv löst sich vom Hintergrund oder tritt aus dem Hintergrund, wie es so schön heißt. Nicht zuletzt können Sie natürlich einen absolut unauffälligen Hintergrund suchen, der sich quasi farblich am Modell und dessen Kleidung orientiert und in keiner Weise ablenkt. Gut, bei solchen Bildern wird Sie nie jemand fragen: „Wo war denn das?“ Aber das Modell und das Foto werden bestimmt gelobt. Wenn das Ihr Ziel ist, stimmen Sie Kleidung, Pose und Hintergrund gut aufeinander ab. So geschehen auf dem Foto auf der gegenüberliegenden Seite. Für welche Herangehensweise Sie sich auch immer entscheiden, treiben Sie es nicht zu bunt. Wenn Sie bereits einen farbenfrohen Hintergrund haben, halten Sie sich mit der Kleidung zurück und wenn der Hintergrund neutral ist, darf das Outfit schon etwas verrückter sein – Ziel ist immer, dass das Foto nicht unruhig wird und der Blick des Betrachters nicht vom Hauptmotiv abgelenkt wird. Egal, welches nun der Hintergrund Ihrer Wahl ist, er wird noch ein paar Tücken haben, auf die Sie achten müssen. Da wäre draußen zum Beispiel der Horizont. Er bildet eine klare Linie im Bild. Wenn diese Linie quer durch den Kopf geht, kann das die Aufnahme empfindlich stören. Achten Sie also darauf, dass die Horizontlinie den Körper entweder unterhalb des Halses oder ganz am Ende des Kopfs, besser noch oberhalb des Kopfs schneidet.

Platzieren Sie das Modell in einigem Abstand von allzu bunten Hintergründen und wählen Sie ein möglichst neutrales Outfit. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/250 Sek. bei f/4 – Brennweite 195 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Auch Baumäste und ähnliche Gegenstände haben die dumme Angewohnheit, schon mal aus Köpfen zu wachsen. Zunächst werden Sie es gar nicht wahrnehmen, zu Hause ärgern Sie sich aber dann auf jeden Fall darüber. Wechseln Sie den Aufnahmestandpunkt oder die Perspektive, um solche Kopfauswüchse zu vermeiden. Wenn es gar nicht anders geht, wählen Sie einen Ausschnitt, der kurz unter den Haaren endet, bei seitlichen Auswüchsen geht das natürlich nicht.

Der Vordergrund In der Totalen nehmen Sie nicht nur die Umgebung hinter dem Modell auf, auch der Platz zwischen Ihnen und dem Modell kommt mit auf das Foto. Viel wird davon in der Regel nicht zu sehen sein, außer dieser Raum dient Ihnen im speziellen Fall zur Bildkomposition. Aber auch auf dem kleinen Stückchen können unnütze Gegenstände die Bildwirkung stören oder reflektieren. Achten Sie also auch darauf, dort falls nötig Dinge wegzuräumen und umzustellen oder im Zweifelsfall Aufnahmestandpunkt und Perspektive leicht zu verändern.

Ungewöhnliche Aufnahmen fesseln den Betrachter häufig länger ans Bild, denn hier muss er sich zunächst einmal orientieren. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 170 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Ganzköperporträts bieten Ihnen die einmalige Möglichkeit, Ihr Foto dadurch zum Eye-Catcher zu machen, dass Sie an ungewöhnlichen Orten fotografieren. Und wenn Sie besonders experimentierfreudig sind, überraschen Sie den Betrachter an diesen Orten mit unerwarteten Posen. Auf die Spitze treiben Sie die Geschichte mit völlig deplatzierter Kleidung und eventuell setzen Sie mit einer experimentellen Entwicklungstechnik noch eins drauf. Ich gebe zu, das ist vielleicht für den Anfang etwas viel auf einmal. Aber mal ganz ehrlich, welches Foto auf diesen Seiten hat Sie am längsten beschäftigt?

Die Details Wie eingangs schon erwähnt, entspringen Fotos von Körperdetails eher der Werbung als der klassischen Porträtfotografie. Doch häufig sind es gerade die Details, die uns eine Menge über den Menschen erzählen, der auf dem Bild eigentlich gar nicht zu sehen ist. Es bringt auch Abwechslung in Ihr Portfolio und es macht Spaß, anderen Leuten die kleinen Dinge zu zeigen, die sonst leicht übersehen werden. Zwischen dem Betrachter und dem Modell bauen Sie mit solchen konzentrieren Ausschnitten eine Nähe auf, die sonst nicht üblich ist und nie zustande käme.

Detailaufnahmen erfordern von Ihnen bei der Bildkomposition die gleiche Sorg falt wie größere Ausschnitte. Hier müssen Linienführung, Fokus und Licht präzise stimmen. Kamera: Nikon D70s mit 18-70 mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 105 mm – ISO 200. Foto: Alexandre Arocas

Die Hände Das Spektrum der Detailaufnahmen ist groß. Ein beliebtes und schönes Motiv sind die Hände des Modells. Das trifft in besonderem Maße auf die ganz kleinen Händchen von Babys und die Hände von älteren Menschen zu, wie Sie später in diesem Kapitel lesen werden.


Auch Schmuck und Piercings sind Ausdruck der Persönlichkeit und Individualität und sollten unbedingt gezeigt werden. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 105 mm f/2.8er Makro-Objektiv – Belichtungszeit 1/45 Sek. bei f/2,8 – Brennweite 157 mm – ISO 400. Foto: Martin Schwabe

Aber Hände sind auch ein interessantes Motiv der Arbeitsporträts. Egal, ob sie wie in unserem Beispiel einem Handwerk nachgehen und klöppeln oder ob der Manager die Fin6ger auf seine Tatstatur legt, der Betrachter weiß das Motiv sofort einzuordnen.

Weitere Details Aber nicht nur die Hände ergeben eine gute Detailaufnahme. Augen, Mund, Füße und in der Aktfotografie Po, Busen, ja sogar der Bauchnabel, sind ein

Hier fungiert das Modell ausschließlich als Kleiderständer, das eigentliche Motiv ist die Kette. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/180 Sek. bei f/3.2 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher 152 Kapitel 8 | Die Form

lohnenswertes Motiv. Oft bekommt ein solches Closeup auch eine ganz neue, erotische Bedeutung, wenn es für sich alleine steht. Und das trifft nicht nur auf die primären und sekundären Geschlechtsmerkmale zu. Aber auch individueller Körperschmuck und Tattoos sind ein Teil des zu porträtierenden Menschen und verdienen oft die Aufmerksamkeit eines eigenständigen Fotos. Doch Detailaufnahmen können auch nur Mittel zum Zweck sein, das Modell fungiert lediglich als Hintergrund. Gezeigt wird ein Auge, wichtig ist jedoch nur das Make-up oder wie im nebenstehenden Beispiel dient der Hals lediglich als Träger der Kette.

Aufnahmetechnik Häufig sind solche Details auch nur ein Teil der Porträtserie über das Modell. Dennoch sollten Sie unbedingt auch für sich alleine gesehen ihre volle Wirkung entfalten und klar als eigenständige Komposition zu erkennen sein. Fotografieren Sie also hier ebenso sorgfältig wie bei jedem anderen Ausschnitt. Ein Detail, dass sie im Nachhinein aus einem anderen Foto ausschneiden, wird nicht die gleiche Wirkung haben, denn Licht- und Linienführung wurden auf ein völlig anderes Foto abgestimmt. Verwenden Sie bei solchen extremen Close-ups eine lange Brennweite, um das Detail formatfüllend abzubilden. Ein Telezoom liefert hier sehr gute Ergebnisse. Wenn Sie ein Makroobjektiv haben, ist das noch besser. Durch den geringen Aufnahmeabstand können Sie die Größe des Ausschnitts stufenlos variieren und dem Bild eine abstrakte Wirkung geben. Versuchen Sie beim nächsten Shooting einfach einmal, solche Detailaufnahmen mit auf die Liste zu setzen. Und wenn Sie Gefallen daran finden, übernehmen Sie diese Art von Fotos in Ihr Standardprogramm. Joe McNally, der bekannte amerikanische Fotograf und Fotojournalist (Life, National Geographic u.v.m.), hat es sich zur Gewohnheit gemacht, bei jedem seiner Shootings auch die Hände aufzunehmen. Und das mit sehr großem Erfolg (www.joemcnally.com).

So aufwändige Tattoos haben ein eigenes Foto verdient und sind ein tolles Detail. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/250 Sek. bei f/10 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


154 Kapitel 9 | Szenarien

Menschen inszenieren Neben den Formalien und den unterschiedlichsten Aufnahmesituationen unterscheiden wir verschiedene Arten von Porträts. Das betrifft sowohl die Anzahl der abgebildeten Personen auf dem Foto als auch die Altersgruppe, die Sie fotografieren. Weitere Unterscheidungen werden danach getroffen, ob wir Menschen bei der Arbeit, in ihrem häuslichen Umfeld oder auch bei einem Hobby fotografieren. Für alle Szenarien gelten leicht unterschiedliche Regeln und spezielle Tipps sollen Sie unterstützen.

Ein sehr intensives Close-up mit eigenwilligem Bildaufbau, dem auch das leichte Rauschen keinen Abbruch tut, sondern im Gegenteil die Bildwirkung unterstützt. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/80 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 9 | Szenarien 155

Das klassische Porträt Auch wenn die Porträtfotografie wie auch sonst alles Modeströmungen unterworfen ist, hat sich das klassische Porträt seit Anbeginn der Fotografie bis heute gehalten. Unser Klassiker heißt Brustbild oder Oberkörperporträt. Das klassische Porträt ist das, woran die meisten Menschen denken, wenn Sie den Begriff „Porträt“ hören. Eine natürliche, ehrliche Aufnahme eines Menschen, die gleichzeitig viel von seiner Persönlichkeit spiegelt.

Klassische Porträts – wofür und wie? Diese Form des Porträts hat in unserer Informationsgesellschaft zunehmend an Bedeutung gewonnen. Egal, ob der Konzern eine Bilanz veröffentlicht, eine Bewerbung verschickt wird oder über das Internet private oder geschäftliche Kontakte gepflegt werden, diese Art von Fotos werden überall benötigt. Aber nach wie vor werden solche Porträts wie in früheren Zeiten auch für Familie und Freunde angefertigt.

Ein klassisches Porträt, hier für die Internetpräsenz eines Kunden, zeigt den zukünftigen Mandanten auch ein wenig von der Persönlichkeit des Coachs. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/9 – Brennweite 180 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Für Sie als Fotograf eine Herausforderung: Die Aufgabe ist, ein möglichst natürliches Porträt zu erstellen, das das Modell aber dennoch so vorteilhaft wie möglich erscheinen lässt und dazu noch einen oder mehrere seiner Wesenzüge einfängt. Dazu kommt, dass das Modell sich selbst völlig anders wahrnimmt, als Sie als Fotograf dies tun. Eine Gratwanderung, die viel Kommunikation und Einfühlungsvermögen erfordert. Wie lösen Sie nun diese Aufgabe? Ein klassisches Porträt benötigt keine besondere Umgebung oder spezielle Accessoires, nichts soll vom Hauptmotiv, dem Menschen ablenken. Einzig das Herausarbeiten der verschiedenen Facetten der Persönlichkeit des Modells ist die Aufgabe der Sitzung.

Persönlichkeit herausarbeiten Dabei kommt es auf Alleinstellungsmerkmale an. Jeder Mensch hat seine Eigenheiten, die sich in einem Blick, der Drehung des Kopfs, der Art zu lächeln widerspiegeln, und die gilt es, in dem vielleicht winzigen Moment des Auftretens einzufangen. Am einfachsten haben Sie es mit Menschen, die auch optisch kleine Eigenheiten aufweisen, die sie charakterisieren. Schon ein Muttermal oder eine leichte Asymmetrie in den Gesichtszügen hat einen hohen Wiedererkennungswert. Professionelle Fotomodelle mit Ihren gleichmäßigen Gesichtszügen weisen solche Merkmale nicht auf, sind so sehr wandelbar und können dadurch in jede beliebige Rolle schlüpfen. Auch bei dieser Form des Porträts spielt Ihre subjektive Sicht wieder eine große Rolle. Denn bei einer solchen Porträtstudie werden Sie Details entdecken, die anderen Menschen bisher nicht aufgefallen sind und sogar das Modell selbst vielleicht noch nie an sich wahrgenommen hat. Das ist es, was den ganz besonderen Charme dieses Genres ausmacht.

Die Bildauswahl Auch wenn der Verwendungszweck der Fotos ganz klar ist und das Sujet vorgibt, bitten Sie das Modell trotzdem, neben formeller auch zwanglose Kleidung mitzubringen oder umgekehrt. Nehmen Sie verschiedene Serien in unterschiedlicher Kleidung auf, denn es kann durchaus sein, dass zum Beispiel die Bilder in weniger formeller Kleidung eine deutlich bessere Bild-

Starke Präsenz und viel Persönlichkeit strahlt dieses private Porträt aus. Der mittige und symmetrische Bildaufbau im Querformat ist ungewöhnlich und macht das Foto zum Hingucker. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher Kapitel 9 | Szenarien 157

wirkung haben als die geplanten Aufnahmen im Anzug und sich so weitaus besser eignen. Oftmals stellt die Auswahl einer Porträtserie für das Modell eine kleine Hürde dar. Sie werden sich wundern, dass die Bildauswahl ausgerechnet auf solche Bilder fällt, die Sie bereits im Geiste gelöscht haben und die für Sie vermeintlich stärksten Porträts vom Kunden überhaupt nicht in Betracht gezogen werden. Hier ist wieder Sensibilität gefragt. Zeigen Sie dem Modell die Bilder, die Ihnen am geeignetsten erscheinen, und bitten Sie den Kunden, sich bei der Auswahl der Bilder, insbesondere solcher, die veröffentlicht werden sollen, auch von der Familie, Freunden und Bekannten beraten zu lassen. Denn das Modell kann sich häufig schlecht selbst einschätzen und obwohl man sich selbst mehrfach am Tag im Spiegel sieht, sehen wir uns selten so, wie andere Menschen uns sehen.

Das klassische Porträt muss keine Studioarbeit sein. Auch in der Available-Light-Fotografie hat diese Art des Porträts seine Berechtigung. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 230 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher 158 Kapitel 9 | Szenarien

Das Porträt im Kontext Während uns Aufnahmen von formalen und klassischen Porträts eine gute Kontrolle über Ausschnitt und Lichtverhältnisse bieten und wir uns alleine auf die Charakterisierung des Modells konzentrieren können, liefert uns das funktionale Porträt weitere Möglichkeiten, die Persönlichkeit herauszuarbeiten und darzustellen. Der Mensch definiert sich nicht ausschließlich über Aussehen, Mimik und Ausstrahlung, sondern auch über sein persönliches Umfeld, also über seine berufliche oder gesellschaftliche Funktion. Dazu gehören seine Hobbys und Interessen, sein Zuhause und eventuell spezielle Interessen und Fähigkeiten. Aufnahmen in der gewohnten Umgebung bieten noch einen zusätzlichen Vorteil: Das Modell ist in der Regel deutlich entspannter als im Studio mit der eher kühlen Atmosphäre und der für den Laien verwirrenden Technik.

Die Arbeit zu Hause: Warme Farben und gemütliches Licht unterstreichen die private Atmosphäre. Kamera: Nikon D200 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/25 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 157 mm – ISO 200. Foto: Shannon Drawe

Die Homestory Wenn Sie Fotos im privaten Umfeld des Modells planen, vergessen Sie bitte trotz allen beruflichen Engagements nicht, dass Sie in der Wohnung oder in dem Haus zu Gast sind. Zeigen Sie Interesse und schätzen Sie bei einem Rundgang gleichzeitig die Wirkung der Räume auf das Foto ebenso wie die Lichtverhältnisse ab. Der gewählte Raum sollte die Stimmung des Fotos unterstützen, aber nicht dominieren. So kann es durchaus erforderlich sein, das Modell behutsam davon zu überzeugen, dass das Licht im Lieblingsraum unzureichend ist oder sonstige technische Schwierigkeiten dagegen sprechen, die Aufnahmen dort zu machen. Generell sollten Sie versuchen, Fotos in mehreren Räumen sowie auch im Garten zu machen, wenn sich die Gelegenheit dazu bietet. Entscheiden Sie von Fall zu Fall, ob zusätzliches Licht benötigt wird. Oftmals reichen große Fenster und Raumlicht unterstützt von Reflektoren aus und zerstören die natürliche Lichtstimmung nicht. Setzen Sie zusätzliches Licht wie Blitz oder Leuchten behutsam ein.

Arbeitsporträts Auch der Arbeitsplatz sagt mehr über den Hintergrund eines Menschen aus und eignet sich für ein Porträt. Natürlich sind


Beim lässigen Lümmeln auf der Couch darf auch das Haustier mit auf das Bild. Kamera: Nikon D100 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/160 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Auch ein formales Porträt kann ein wenig Individualität zeigen. Der passionierte Teetrinker und fotocommunity-Gründer Andreas Meyer im heimischen Büro. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/3.2 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

hier ungewöhnliche Tätigkeiten und Arbeitsplätze spektakulärer als das Büro. Auch hier fühlt sich das Modell wohler und sicherer als im Studio, es wird eventuell noch von der gewohnten Tätigkeit abgelenkt und entspannt sich im Handumdrehen. Und entspannte Menschen sind der beste Garant für gute Porträts. Im Gegensatz zum Porträt zu Hause ist manches Modell eher bereit, dem Fotografen an seinem Arbeitsplatz zu begegnen, dies ist nicht ganz so privat und intim und bietet einen guten Kompromiss. Beim Besuch des Modells am Arbeitsplatz oder im privaten Umfeld haben Sie auch die einmalige Chance auf ganz spontane Aufnahmen ohne aufwändige Vorbereitung und Beleuchtung. Nehmen Sie nicht erst vor Ort die Kamera aus der Tasche, sondern treten Sie Ihren Besuch mit aufnahmebereiter Kamera an. Packen Sie die Kamera nicht wieder weg, bevor Sie das Grundstück oder die Location endgültig verlassen haben, so verpassen Sie den entscheidenden Moment auf keinen Fall.

Typische Accessoires Die Bildsprache lebt auch von Klischees und Stereotypen, die für den Betrachter das Foto sofort in einen bestimmten Kontext bringen und es leichter machen, die abgebildete Person in ihr Umfeld einzuordnen. Das betrifft natürlich zunächst einmal berufsspezifische Kleidung oder Arbeitsmittel ebenso wie Freizeitkleidung und Sportgerät von der Angel bis zum Tennisschläger. Hier ist der Grat zwischen der Charakterisierung des Modells und dem Modell als Darsteller in einer Funktion schmal, achten Sie darauf, worauf Ihr Fokus liegt. 160 Kapitel 9 | Szenarien

Das inszenierte Porträt Ich stutze immer etwas, wenn ich inszeniertes Porträt lese. Natürlich sind alle Fotos, die wir machen, sorgfältig inszeniert, auch wenn das Ergebnis oft so leicht und natürlich aussieht wie ein Schnappschuss, der quasi im Vorbeigehen aufgenommen wurde. Also bedeutet das inszenierte Porträt etwas anderes: Hier spielt nicht mehr die Persönlichkeit des Modells die erste Geige, sondern sie muss sich der Inszenierung unterordnen. Das Modell wird zum Schauspieler und schlüpft in die Rolle, die Sie als Regisseur ihm für diese Aufnahme zugedacht haben. Das Einsatzgebiet für inszenierte Porträts ist extrem vielfältig, so zahlreich wie die Fantasien des Fotografen. Denn in der Regel wird so in der freien Arbeit des Fotografen eine Bildidee umgesetzt, angefangen von wenig aufwändigen Dingen wie die Darstellung bestimmter Emotionen bis hin zum aufwendigen Set mit Kostümen und Maskenbildner, auf dem FilmStills entstehen, große Inszenierungen für ein kleines, oft einzelnes Foto. Das Modell oder die Modelle müssen zur Bildidee passen und sollten ein wenig Begeisterung für das Projekt mitbringen. Make-up, Hair-styling, Kleidung, Location und Licht, alles wird sorgfältig aufeinander abgestimmt und arrangiert. Ein Aspekt der People-Fotografie, der viel Planung und Vorbereitung erfordert.

Gute Planung und Organisation führten zu der kleinen Serie „Daywalker“. Kostüme mussten geliehen werden und ein Team von Fotografen, Modellen und Maskenbildnern traf sich in einem alten Jagdschloss zu diesem Shooting. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/500 Sek. bei f/3.2 – Brennweite 120 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Ich trage solche Bild ideen oft über ein Jahr mit mir herum, bis sich die passenden Akteure und die Location gefunden haben und die Idee endlich umgesetzt werden kann. Versuchen Sie also nicht auf Biegen und Brechen, das Bild aus Ihrem Kopf auf den Chip zu bekommen und haben Sie Geduld, bis alle Komponenten wirklich zueinander passen. Kapitel 9 | Szenarien 161

Paarfotografie bedeutet nicht immer ein gleichberechtigtes Miteinander der Modelle. Hier dient das weibliche Modell nur als „Hintergrund“. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/1000 Sek. bei f/2,8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Paare und Gruppen Mehr als ein Modell bedeutet für viele Fotografen Stress. Schon ein Doppelporträt heißt für sie „Double Trouble“, zweimal Mimik, Gestik und Details zu arrangieren. Das Gegenteil ist der Fall, wie ich meine. Egal, in welcher Beziehung Paare zueinander stehen, ein Paar, Mutter und Tochter, zwei Freundinnen – es erleichtert Ihnen als Fotograf die Arbeit. Das Modell ist nicht alleine vor der Kamera, jedes der Modelle hat einen vertrauten Menschen nicht nur mit auf dem Set, sondern dicht bei sich vor der Kamera. Die Modelle können sich aufeinander konzentrieren und vergessen bald die Kamera.

Zweier- oder Dreiergruppen Doch Paarporträts müssen nicht zwingend eitel Sonnenschein widerspiegeln. Das Spannende ist die Darstellung jedweder Emotionen im Zusammenspiel zueinander. Denn immer dann, wenn mehr als eine Person im Bild ist, bilden Sie gleichzeitig auch die Beziehung von den Modellen zueinander ab. Hier ist wieder Ihr Einfühlungsvermögen gefragt. Beobachten Sie die Interaktion aufmerksam, entwickeln Sie ein Gespür für die Dynamik 162 Kapitel 9 | Szenarien

innerhalb der Gruppe und drücken Sie im entscheidenden Moment den Auslöser. Die Posing-Anweisungen müssen bei einer Gruppe von zwei oder drei Personen absolut präzise gegeben werden. Merken Sie sich die Namen der Modelle und machen Sie immer wieder darauf aufmerksam, wem die Anweisung gilt und dass die anderen Beteiligten nicht aus der Pose rutschen sollen, wenn sie bereits steht. Die Linienführung kommt bei Doppelporträts stärker zum Tragen als beim Einzelporträt. Die Modelle bilden durch die Anordnung im Bild neue Linien, aber auch ihre Blicke bilden imaginäre Diagonalen und Schrägen im Bild. Die Position im Bild, ob nebeneinander, im Vorder- oder im Hintergrund, bestimmt neben dem Fokus und der Helligkeit auch die Dominanz der Modelle. Sprechen Sie solche Bilder insbesondere mit Paaren genau ab, nicht jeder Mann mag hinter der Frau zurückstehen und umgekehrt. Auch bei weiblichen Modellen können solche Arrangements schon einmal zu Eifersüchteleien führen. Größenunterschiede, die zu extrem sind, können Sie mit mehreren Kniffen ausgleichen. Es bietet sich an, die größere Person sitzen zu lassen. Aber auch die räumliche Tiefe lässt sich nutzen, wenn die kleinere Person im Vordergrund steht. Ein erhöhter Aufnahmestandpunkt nivelliert ebenfalls Größenunterschiede.

Fotografieren von Menschen bedeutet auch immer, den richtigen Augenblick zu erkennen und zu nutzen. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/11 – Brennweite 140 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Das Verhältnis der Personen untereinander wird nicht nur durch Mimik oder Gestik im Bild deutlich, sondern insbesondere auch durch Blende und Lichtführung. Gleichberechtigtes Nebeneinander erfordert auch eine kleinere Blende, um damit ausreichend Tiefenschärfe zu erreichen. Ebenso sollten Sie darauf achten, dass sich die Modelle nicht gegenseitig das Licht nehmen. Im Zweifelsfall braucht je nach Position zum Licht jedes Modell seine eigene Lichtquelle. Experimentieren Sie auch einmal mit der Blickrichtung der Modelle. Nicht immer müssen alle Modelle in die Kamera sehen. Die Blicke können aber nicht nur zueinander gerichtet sein, sondern auch parallel auf einen imaginären Punkt außerhalb des Fotos. Achten Sie besonders bei farbigen Aufnahmen darauf, dass die Kleidung farblich aufeinander abgestimmt ist. Allzu schrille Farben und Muster machen das Bild unruhig, gedecktere Farben, die miteinander harmonieren, lenken nicht zu sehr von den eigentlichen Motiven ab. Eine gute Wirkung erzielen Sie auch mit einem Hell-Dunkel-Kontrast, wenngleich dies wieder eine besondere Herausforderung an die Belichtungsmessung und den Dynamikumfang der Kamera stellt, ist das gelungene Ergebnis in jedem Fall ein Hingucker.

Hinter jeder erfolgreichen Frau steht ein Mann, so der Tenor dieses Paarbilds. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Größere Gruppen Größere Gruppen von Menschen sind in vielerlei Hinsicht auch eine große Herausforderung für den Fotografen. Deswegen ist es besonders wichtig, dass die Gruppe Sie als Autorität anerkennt und Ihren Anweisungen folgt. Planen Sie ein solches Shooting besonders genau und lassen Sie keine Diskussionen aufkommen, sonst laufen Ihnen die Modelle aus dem Ruder und die Aufnahmen dauern über Gebühr lang. Und je länger solche Fotos dauern, desto unaufmerksamer wird die Gruppe und die Aussichten auf ein wirklich gutes Foto werden geringer. Bei großen Gruppen ist es das Einfachste, wenn Sie die Modelle in Reihen hintereinander aufstellen, wenn möglich verwenden Sie dazu ein abschüssiges Gelände, Treppen oder Stühle, Tische und Bänke. Der ideale Standort für Sie als Fotograf ist leicht erhöht. Wenn die örtlichen Gegebenheiten keine treppenförmige Anordnung zulassen, bietet sich eventuell


die Möglichkeit, die Gruppe aus der Vogel- oder Froschperspektive aufzunehmen. So kann sich die Gruppe locker aufstellen oder um ein Objekt gruppieren, und dennoch kommen alle Modelle aufs Bild. Je größer die Gruppe ist, umso schneller müssen Sie arbeiten. Machen Sie deutlich mehr Aufnahmen als sonst, denn die Chance, dass alle Beteiligten in die gewünschte Richtung schauen, niemand die Augen geschlossen hat oder einen unvorteilhaften Gesichtsausdruck hat, sind geringer. Spielen Sie den Entertainer, um die Aufmerksamkeit auf sich zu lenken und damit die Blicke. So bleiben die Modelle auch bei Stimmung, denn für einige Menschen in der Gruppe werden diese Fotos auch unangenehm sein.

Fröhliches Gruppenfoto am Ende eines entspannten Foto-Workshops. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/5.6 – Brenn weite 120 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Auch Profis, wie hier Fotografen und Modelle, schaffen es nicht immer, beim Gruppenfoto auf den Fotografen zu hören. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/500 Sek. bei f/8 – Brennweite 120 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Solche Aufnahmen erfordern wegen der großen Tiefenschärfe, die Sie benötigen, um die ganze Gruppe scharf abzubilden, eine möglichst weit geschlossene Blende. Das bedeutet aber auch gleichzeitig, dass Sie ausreichend Licht benötigen, denn nur kurze Verschlusszeiten geben Ihnen die Chance, dass niemand das Bild durch Bewegungsunschärfe ruiniert. Das Anheben der ISO-Werte bietet bei Gruppenaufnahmen keine optimale Lösung, denn zusätzliches Bildrauschen macht das Foto nicht nur unruhiger, auch die im Verhältnis zum Gesamtfoto sehr klein abgebildeten Gesichter werden undeutlich. Wenn die Platzverhältnisse es zulassen, verwenden Sie ein 50-mm-Objektiv. So wird die Gruppe verzeichnungsfrei abgebildet und es treten auch in den Randbereichen keine Abschattungen auf. Wenn Sie auf ein Weitwinkelobjektiv zurückgreifen müssen, wählen Sie einen größeren Ausschnitt, um so Verzeichnungen innerhalb der Menschengruppe zu minimieren, und beschneiden Sie es gegebenenfalls anschließend.


Babys und Kinder Kinder zählen wohl zu den am häufigsten fotografierten Menschen überhaupt. Das ist von Anbeginn der Fotografie an so gewesen und im Zeitalter der erschwinglichen Digitalfotografie für jedermann wird angefangen von der Geburt bis zum Uni-Abschluss jeder Schritt von Eltern, Verwandten und Freunden dokumentiert.

Unbeobachtet beim Spiel entstehen die besten Kinderfotos. Kamera: Nikon D70 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/4 – Brennweite 230 mm – ISO 320. Foto: Dr. Jörg Karolat (www.joifoto.de)

Ich erinnere mich noch sehr gut daran, wie es war, Kind eines enthusiastischen Fotografen zu sein. Kisten mit Dias zeugen noch heute von jedem meiner Schritte. Ich habe mit sieben den Spieß einfach umgedreht und selbst mit dem Fotografieren begonnen. Und auch ich dokumentierte jeden Schritt meiner gerade zur Welt gekommenen Schwester. Ich habe Glück gehabt, denn mein Vater war ein guter Fotograf und die meisten der Fotos empfinde ich heute noch als schön. Meine Schwester hat mit meinen Fotos weniger Glück gehabt und auch viele Mitschüler und Freunde verstecken ihre Kinderfotos lieber. Was ich Ihnen mit dieser kleinen Geschichte nur sagen möchte, ist: Fotografieren Sie Ihre Kinder bitte so, dass sie sich nie für Ihre Fotos schämen müssen. Kinder verdienen den gleichen Respekt wie jedes andere Modell auch.

Faszination Kind Was ist nun so faszinierend an den kleinen Menschen? Kinder sind authentisch und ungekünstelt. Sie haben als Fotograf die Möglichkeit, eine enorme Bandbreite von echten Emotionen festzuhalten. Zu Unrecht, wie ich meine, wird die Kinderfotografie als äußerst schwierig beschrieben. Natürlich gelten andere Regeln als bei Erwachsenen, aber wenn Sie ein paar Dinge beachten, werden Sie sehen, wie einfach es ist, wirklich tolle Fotos zu schießen. Und das Beste: Sie brauchen kein High-Tech-Fotostudio und eine supertolle Ausrüstung, um die Kleinen auf den Chip zu bannen. Um gute Kinderfotos zu machen, ist nur ein geringer technischer Aufwand erforderlich. Wichtiger als die Ausstattung sind Geduld und Zeit. Es gibt in diesem Genre zwei grundsätzliche Herangehensweisen. Sie können Kinder entweder genau wie Erwachsene in mehr oder weniger gestellten Szenen ablichten. Das funktioniert insbesondere bei kameraverrückten oder älteren Kindern sehr gut. Ich finde es jedoch schöner, Kinder in ihrem „Alltag“ einzufangen, wenn Sie Kinder zum Beispiel beim Spielen mit der Kamera beobachten.


Das Spannendste im Studio war für diesen kleinen Menschen die Leiter. Also wurden die Porträts kurzerhand hier gemacht Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/7.1 – Brennweite 233 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kinder in natürlicher Umgebung Die natürlichsten und schönsten Bilder der kleinen Modelle erhalten Sie, wenn Sie sie beim Spielen beobachten. Dies geschieht im Idealfall draußen, egal ob auf der Wiese, im Wald, am Strand oder auf dem Spielplatz, denn Kinder spielen überall. Toll für Sie als Fotograf, die Sorge wegen der Location fällt weg. Warten Sie nicht auf den nächsten Sonnentag, Regen oder ein bedeckter Himmel sind kein Hindernis. Im Gegenteil bieten Ihnen diese Witterungen Möglichkeiten. Das Licht bei Regenwetter ist für Porträts hervorragend geeignet und ein bewölkter Himmel kommt den Hauttönen entgegen. Das gedämpfte, weiche Licht lässt das Gesicht des Kinds noch zarter und weicher erscheinen. Die Farben werden unter diesen Bedingungen nicht kräftig wiedergegeben, Sie erzielen eher Pastelltöne, was insbesondere bei den Kleinsten ausgezeichnet passt.

Das Equipment Ideal für diese Art von Fotos sind lange Brennweiten. Das Kind vergisst bei großem Abstand sehr schnell, dass es fotografiert wird, und widmet sich seinem Spiel. Sie erhalten natürliche und ungezwungene Aufnahmen. Mit Kapitel 9 | Szenarien 167

einem Telezoom haben Sie die Freiheit, sowohl Close-ups als auch Ganzkörperporträts zu machen. Häufig scheint die geringe Körpergröße Fotografen zu verleiten, Kinder grundsätzlich in der Totalen abzubilden. Lassen Sie sich davon nicht verleiten, es gibt nichts Schöneres als Nahaufnahmen von großen Augen oder Kinderlachen.

Aufnahmestandpunkt und -technik

Selbstbewusst kokettieren diese jungen Damen bereits jetzt mit der Kamera. Kamera: Canon EOS 40D mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/4 – Brennweite 120 mm – ISO 100. Foto: Rolf Simmerer (www.simmerer.de)

Fotografie von Mini-Modellen ist bis auf ganz wenige Ausnahmen Fotografie in Augenhöhe. Das bedeutet in der Regel, dass Sie auf dem Bauch liegen, auf dem Boden sitzen oder hocken müssen, um keine Fotos „von oben herab“ zu machen, die dann genau diese Wirkung haben. Ihre Modelle sind schnell. Das betrifft sowohl ihren Bewegungsdrang an sich als auch den schnellen Wechsel der Mimik. Also müssen Sie genauso schnell sein. Verwenden Sie den kontinuierlichen Autofokus, um unerwünschte Unschärfe im Bild zu vermeiden. Bei den Belichtungszeiten haben Sie zwei Möglichkeiten: Entweder entscheiden Sie sich für sehr kurze Verschlusszeiten, die die Bewegung des Kindes einfrieren, oder Sie nutzen mit längeren Verschlusszeiten die Möglichkeit, die Bewegung des Modells einzufangen und dynamische, lebhafte Fotos zu erhalten. Bei kurzen Belichtungszeiten können Sie auch den Serienbildmodus verwenden und am Computer in Ruhe das beste Bild auswählen. Worauf Sie sich auf jeden Fall einstellen müssen, ist viel Speicherplatz. Sie werden deutlich mehr Ausschuss produzieren, als Sie es sonst vielleicht gewohnt sind.

Outdoor-Tipps Auch bei der Kinderfotografie gelten die gleichen Regeln wie bei der Menschenfotografie im Freien. Vermeiden Sie die Mittagsstunden, fotografieren Sie im Schatten. Da Kinder zumeist von einem Elternteil begleitet werden, nutzen Sie die Begleitperson als „Belichter“ und lassen Sie sie mit einem Reflektor allzu schattige Ecken aufhellen. Und es beschäftigt Mama und Papa, verhindert deren Versuch, die Aufmerksamkeit auf den Onkel oder die Tante hinter der Kamera zu lenken oder dem Bedürfnis nachzukommen, an der Kleidung herumzukorrigieren oder das Gesicht des Kinds zu reinigen.


Der Blick in die Kamera Diese Art der Aufnahmetechnik hat zur Folge, dass das Modell auch beim Close-up in den seltensten Fällen direkt in die Kamera schaut. Das muss auch nicht sein, wie ich meine. Denn ein gezwungenes Grinsen in die Kamera zerstört den größten Zauber des Genres, die Ungezwungenheit und Natürlichkeit der Aufnahmen.

Der Hintergrund Der Hintergrund spielt auch bei Kinderfotos eine große Rolle für die Bildwirkung. Kinderfotos dürfen ruhig knallbunt sein, also sollten Sie keine Farbharmonien erzwingen. Aber das sollte das Bild nicht unruhig machen oder das Hauptmotiv überlagern. Arbeiten Sie auch hier mit offener Blende, um bei Aufnahmen in der Totalen den Hintergrund unscharf zu gestalten.

Regenwetter sollte Sie nicht vom Fotografieren abhalten. Das weiche Licht unterstreicht den zarten Teint von Kindern und bunte Kleidung lässt das Foto trotzdem fröhlich wirken. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/7.1 – Brennweite 155 mm – ISO 200. Foto: Martin Schwabe

Indoor Aber auch beim Spiel im Zimmer können Sie wunderbare Momente festhalten. Versuchen Sie auch hier, den größtmöglichen Abstand zwischen Ihrer Kamera und dem Modell herzustellen. Ein Telezoom wird hier wegen des Mindestabstands an seine Grenzen stoßen und eignet sich Indoor nur für Close-ups oder maximal ein Brustbild. Mit einem Makroobjektiv wie zum Beispiel einer 105-mm-Festbrennweite haben Sie die Möglichkeit, auch aus größerer Nähe Details oder Nahaufnahmen zu machen. Ideal ist sicherlich ein Zoom, das leicht in den Weitwinkelbereich geht. Hier können Sie auch im Raum in der Totalen die ganze Szene einfangen. Denken Sie besonders an den Hintergrund. Kinderspielzeug und bunte Tapeten stören bei offener Blende nicht, Schränke, Sofas und anderes Inventar gehören jedoch nicht aufs Bild.

Das Licht Indoor-Fotografie mit Kindern ist Available-Light-Fotografie. Bei Babys und Kleinkindern verbietet sich der Aufsteckblitz fast schon von alleine. Es ist zwar nicht gefährlich, aber das grelle Licht ist alles andere als angenehm für empfindliche Kinderaugen. Stellen Sie einen höheren ISO-Wert ein, öffnen Sie die


Blende so weit es geht und nutzen Sie von Fenstern einfallendes Tageslicht. Ein wenig Rauschen stört die Bildstimmung wesentlich weniger als ein Blitzlicht. Sollte sich der Einsatz des Blitzes nicht vermeiden lassen, blitzen Sie auf jeden Fall nur indirekt und verwenden Sie eine Softbox für Ihren Aufsteckblitz.

It‘s show time. Wenn der Papa Fotograf ist, liefert Junior auch gerne schon einmal eine Show für die Kamera. Kamera: Nikon D3 mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 155 mm – ISO 100. Foto: Stefan Schaal (www.schaalfoto.de)

Die schönsten Fotos entstehen jedoch in unbeobachteten Momenten. Kamera: Nikon D200 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 155 mm – ISO 200. Foto: Stefan Schaal (www.schaalfoto.de)

Das inszenierte Kinderfoto Beim Shooting mit kleinen Modellen im Studio ist Ihr Job nur in zweiter Linie der des Fotografen, in erster Linie sind Sie Entertainer. Es heißt zwar immer, Kinder können sich nur eine kurze Zeitspanne auf eine Sache wie das Fotografieren konzentrieren, in Wahrheit sind sie einfach schneller gelangweilt und zeigen das auch deutlich. Also gilt es, mit Spielzeug, Handpuppen, lustigen und spannenden Geschichten und Grimassen die Aufmerksamkeit des Kinds zu erregen. Auch das Betrachten der Fotos auf dem Display der Kamera gehört zur Show. Ich habe erlebt, dass selbst Kleinkinder, die weder laufen noch sprechen konnten, ganz klar den Zusammenhang zwischen dem, was passierte, und dem Ergebnis im Display erkennen und begeistert ihre Bilder betrachten. Ältere Kinder verlangen während des Shootings ständig die Ergebnisse zu sehen und geben Ihnen auch oft eine ehrliche und meist gar nicht so falsche Bildkritik. Machen Sie aber hier aus, dass Bilder nur in Pausen angeschaut werden, sonst gibt es ein ständiges Hin und Her auf dem Set. 170 Kapitel 9 | Szenarien

Häufige Pausen sind im Studio extrem wichtig. Lassen Sie Ihren Modellen Zeit, sich zwischen dem Stillhalten ausreichend zu bewegen und versorgen Sie sie mit Getränken und gesundem Essen. Lassen Sie sie ruhig auf dem Set essen und spielen, denn während die Kids Pause haben, bietet sich Ihnen wieder die Gelegenheit, natürliche und unbeobachtete Fotos zu machen. Verwenden Sie weiches Licht, rüsten Sie also die Lampen mit großen Softboxen aus. Meist reicht auch hier eine einzelne Lichtquelle. Denken Sie daran, das Licht auf die Höhe des Motivs zu bringen, und vermeiden Sie überflüssige Auslösungen der Blitzköpfe, kleine Kinder fühlen sich dadurch schon mal gestresst. Ich arbeite in diesem Bereich lieber mit dem Einstelllicht oder mit Studioleuchten.

Babys Für Babys gelten im Grunde keine anderen Regeln als für die Fotografie von Kleinkindern. Nur wird Ihr Motiv zumindest vor dem Einsetzen des Krabbelalters statischer sein. Es kommt also nicht auf Dynamik und Mitzieher an, sondern auf Ruhe und Sensibilität für das winzige Modell. Wenn das Baby den Kopf noch nicht heben oder sitzen kann, machen Sie Bilder des Kinds, wenn es liegt und möglichst den Kopf zur Seite der Kamera dreht. Auch hier gilt: Augenhöhe mit dem Kind. Alternativ können Sie einen etwas anderen Blickwinkel erreichen, wenn das Modell von einem Elternteil auf dem Arm gehalten wird. Sicher kennen Sie auch Bilder, auf denen das winzige Wesen auf der starken Hand des Vaters liegt. Und Sie

„Alles prima“, scheint der junge Mann zu sagen. Natürliches Licht und eine monochrome Umsetzung mit zarter Tonung gleichen Hautrötungen aus. Kamera: Nikon D70 mit 24-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/4 – Brennweite 105 mm – ISO 500. Foto: Dr. Jörg Karolat (www.joifoto.de) Kapitel 9 | Szenarien 171

Anne Geddes geboren im September 1956 in Queensland, lebt in Auckland und ist die wohl derzeit bekannteste Fotografin für Baby- und Mutterschaftsfotografien. Kinder in Blumenkübeln oder Blüten zu fotografieren, trifft sicherlich nicht jedermanns Geschmack, lassen Sie sich aber auf jeden Fall auf den zahlreichen Galerien ihrer Webseite inspirieren. www.annegeddes.com

können hier noch mit einer weiteren Ansicht experimentieren, der Vogelperspektive. Steigen Sie auf einen Stuhl oder auf eine Leiter und nehmen Sie das Modell senkrecht von oben auf. Sobald das Baby den Kopf heben kann, lassen sich auch tolle Fotos machen, wenn das Kind auf dem Bauch liegt und den Kopf hebt. Der Zartheit eines Babys oder Kleinkinds sollten Sie auch beim Hintergrund und der Umgebung des Fotos Tribut zollen. Achten Sie auf ein ruhiges Umfeld und stehlen Sie dem Modell durch knallbunte Kuscheltiere oder Decken mit wilden Mustern nicht die Show. Helle Pastelltöne passen hier wesentlich besser. Überlegen Sie auch, ob Sie die Fotos nicht in Schwarzweiß konvertieren sollten, bei einigen lohnt sich das auf jeden Fall. Auch monochrome Tonungen in zarten Farben machen aus Babyfotos kleine Kunstwerke. Ein weiterer Vorteil dabei ist, dass Hautrötungen im Gesicht so von ganz allein verschwinden.

Details Auch Details und Ausschnitte erzählen schöne Geschichten. Sie können einmal nur die Händchen oder Füßchen fotografieren, auch mit der Hand eines Erwachsenen auf dem Bild, um einen Größenvergleich zu haben. Ebenso ist die kleine Hand, die das Kuscheltier hält oder im Schlaf zu einer Faust geballt ist, ein tolles Motiv. Solche Ausschnitte sind oft viel spannender als so manche Fotos, auf denen Kinder ganz zu sehen sind, und Sie vermeiden bei Detailaufnahmen den störenden Hintergrund.

Die kleinen Hände eines Babys im Schlaf sind ein Detail, das wohl bei jedem Betrachter Emotionen auslöst. Foto: Thomas Ix 172 Kapitel 9 | Szenarien

Das Alter rockt. Senioren im Schaukelstuhl sind passé, eine neue Generation älterer Menschen braucht neue Sujets. Kamera: Nikon D2X mit 24-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1000 Sek. bei f/11 – Brennweite 56 mm – ISO 500. Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)

Senioren Früher war alles einfacher. Doch die Zeiten, dass wir Großmütter oder Urgroßmütter mit Strickzeug im Schaukelstuhl fotografierten, sind erfreulicherweise vorbei. Häufig lässt sich gerade bei Frauen im besten Alter dieses nur ansatzweise schätzen und an die Stelle von Rundstricknadel sind Laptop und Handy getreten. So müssen Sie als Fotograf umdenken und neue Sujets für Senioren finden. Und sogar oft noch Hilfsmittel suchen, um das Alter auch darzustellen. Eines ist auf jeden Fall sicher, ältere Menschen sind für den Porträtfotografen das Motiv überhaupt. Gesichter, Hände und Köperhaltung erzählen in einem einzigen Foto eine ganze Geschichte. Lange wurde diese Altersgruppe in der Porträtfotografie vernachlässigt. Aber spätestens seit die Industrie das Kaufpotenzial dieser immer größer werdenden Altersklasse entdeckt hat, werden auch professionelle Best-Age-Modelle von eigens dafür geschaffenen Agenturen vermittelt. Und diesem Trend haben wir auch eine Unterteilung in drei Altersgruppen zu verdanken, natürlich mit schicken neuen Namen.


Die Best Ager sind zirka 50 bis 65 Jahre alt und stehen in der letzten Phase ihres Erwerbslebens, die Senioren sind zirka 65 bis 80 Jahre und in der Regel im Ruhestand und zu den Hochaltrigen zählen dann die ab zirka 80 Jahre alten Modelle. Warum erzähle ich Ihnen das alles? Ich bin der Meinung, dass diese drei Gruppen von Senioren eine unterschiedliche Herangehensweise an die Aufnahmen benötigen.

Die Best Ager Die Best Ager verlangen zumindest in den meisten Industrieländern keine besonderen Tipps hinsichtlich des Motivs. Hier spielt das Alter noch keine besondere Rolle, in der Regel haben die Jahre kaum Spuren in den Gesichtern hinterlassen. Insbesondere Frauen dieser Altersgruppe sind eher darauf bedacht, so jung und schön auszusehen wie eh und je. Dies erreichen Sie, indem Sie so weiches Licht wie möglich verwenden. Hartes Licht und harte Kontraste lassen Alterungsspuren wie Fältchen oder Hautflecken deutlich heraustreten und sind hier nicht erwünscht. Arbeiten Sie im Studio mit Soft-Boxen oder Beauty Dishes. Noch schöner wirkt hier natürliches Licht, das durch ein Fenster einfällt. Auch die klassische Porträtbeleuchtung, bei der eine Gesichtshälfte etwas im Dunklen liegt, sollten Sie vorsichtig und mit Bedacht einsetzen. Auch bei der Bildbearbeitung sollten Sie die Finger von allzu starken Kontrasten lassen und das Bild nicht nachschärfen.

Die Lesebrille als Stereotype unterstützt hier die Seniorität. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/4 – Brenn weite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Wenn Sie auch bei Best Agern das Alter darstellen möchten, können Sie natürlich genau die oben genannten Aufnahmeparameter umkehren, indem Sie hartes Licht verwenden, die Kontraste verstärken, um so typische Alterungsmerkmale im Gesicht und an den Händen zu verdeutlichen. Doch häufig bedarf es hier Requisiten zur Verdeutlichung. Hier reichen Ihre Möglichkeiten von einer einfachen Lesebrille bis hin zum Enkelkind auf dem Foto.

Senioren Senioren genießen ihren verdienten Ruhestand und sehen gelassen auf ihren längsten Lebensabschnitt zurück. So sollte die Bildwirkung auch eine ruhigere sein. Lassen Sie Ihr Modell Geschichten aus seinem Leben erzählen, neben einer schönen Geschichte werden Sie mit einer Fülle von Gesichtsausdrücken wie Freude, Melancholie und anderen Emotionen 174 Kapitel 9 | Szenarien

belohnt. Bleiben Sie bei klassischen Porträts auf Augenhöhe mit dem Modell und suchen Sie so oft wie möglich Blickkontakt. Verwenden Sie ein Normalobjektiv, um so auch in der Nähe des Menschen bleiben zu können, und vermeiden Sie unnötigen technischen Aufwand. Wenn Sie neben Tageslicht noch Reflektoren oder Blitze verwenden müssen, erklären Sie die Funktion und das beabsichtigte Ergebnis. Bei diffusem und natürlichem Licht, das Sie anstreben sollten, macht sich ein Bildrauschen nicht negativ bemerkbar und passt zur Atmosphäre. Heben Sie also besser den ISO-Wert an und verzichten Sie auf weitere Hilfsmittel.

Die Hochaltrigen Bedenken Sie bei sehr alten Menschen, dass sie sich nicht unbedingt darüber im Klaren sind, wie eine Digitalkamera funktioniert, und dass auch bei schwachem Licht und außerhalb eines Fotostudios gute Aufnahmen zu machen sind. Erzählen Sie ein wenig über sich und Ihre Arbeit, ohne mit allzu vielen technischen Details Verwirrung zu stiften. Achten Sie auch auf körperliche Schwächen des Modells und planen Sie ausreichend Zeit und Ruhe für das Shooting ein. Wählen Sie einen ruhigen Bildaufbau, eine eher statische als dynamische Linien- und Lichtführung sowie ein Querformat oder Quadrat als Ausgabeformat. Entscheiden Sie sich für gedeckte Farben oder denken Sie schon bei der Aufnahme über eine Entwicklung in Schwarzweiß oder Monochrom nach. Vergessen Sie besonders hier nicht, auch Detailaufnahmen zu machen. Die Hände von älteren Menschen erzählen oftmals ganze Geschichten.

Starke Kontraste und hartes Licht stellen hier die Zeichen des Alters absichtlich heraus. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Darstellung der Hände spiegelt hier nicht nur das Alter, sondern auch Verzweiflung wider. Kamera: Nikon D80 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/10 Sek. bei f/4 – Brennweite 155 mm – ISO 200. Foto: Alexey Klementiev Kapitel 9 | Szenarien 175

176 Kapitel 10 | Fashion & Glamour

Fashion & Glamour, Beauty und Lifestyle „Die Modefotografie ist ein Zweig der Fotografie, bei der Kleidermode meist zum Zwecke der Werbung und des Verkaufs abgebildet wird.“ Diese ursprüngliche Definition des Genres Fashion & Glamour ist mittlerweile überholt. Modefotografie wird inzwischen als eigenständige Kunstform angesehen und Modefotos werden in vielen Museen und Galerien ausgestellt. Aber auch Beauty-Shots und Lifestyle-Bilder für die Werbung sind aufwändig inszeniert und viele der Fotos sind kleine Kunstwerke.

Verrücktes Make-up, getragen von selbstbewussten Frauen, soll bei diesem Shooting für junge Mode werben und die Zielgruppe ansprechen. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/8 – Brennweite 140 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 10 | Fashion & Glamour 177

Fashion & Glamour Die Geschichte der Modefotografie Die Modefotografie ist, wenn man es nicht ganz so eng sieht, eines der ältesten Genres der Fotografie. Als Vorläufer der Modefotografie beziehungsweise als die ersten Modefotos werden die bereits 1856 entstandenen Fotos von Pierre-Louis Pierson angesehen. Die ebenso schöne wie exzentrische italienische Comtesse de Castiglione, Virginia Oldoini, ließ sich auf diversen Fotos in ihrer Garderobe ablichten und wurde so das erste Fotomodell der Geschichte. Die französische Zeitschrift „La Mode Practique“ veröffentlichte bereits 1892 die ersten reproduzierten Modefotos. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erschienen dann Modefotografien in „Harper‘s Bazaar“ oder „Les Modes“ und zur selben Zeit entstanden die ersten Fotostudios für Modefotografie in Paris und Berlin. Der Stil der Modefotos veränderte sich im Jahr 1909. Baron Adolf de Meyer entwickelte für die „Vogue“ ein neues Konzept und bildete die Fotomodelle in natürlicher Umgebung und natürlichen Posen ab. So trugen die „Vogue“ ebenso wie „Harper’s Bazaar“ dazu bei, dass sich die Modefotografie zu einer eigenständigen Kunstform entwickelte. Durch den Zweiten Weltkrieg verlagerte sich der Schwerpunkt der Modefotografie von Europa in die USA. Die Hausfotografen der großen Modemagazine prägten den Look der Modefotografie für die nächsten Jahrzehnte entscheidend. Die Modefotografie löste sich aus ihren starren Positionen und entwickelte eine freiere Bildsprache.

Zwischen Kunst und Werbung Musikwerbung? Oder ist das Kleid das Motiv? Kunst oder Kommerz? Die Grenzen bei Fashion & Glamour sind fließend. Kamera: Nikon D3 mit 24-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/125 Sek. bei f/8 – Brennweite 24 mm – ISO 200. Foto: Stefan Schaal (www.schaalfoto.de)


Heutzutage ist die Abgrenzung der Modefotografie von anderen Genres extrem schwierig geworden. Die Übergänge zur People-Fotografie sind fließend und unter dem Oberbegriff „Fashion & Glamour“ werden heute auch Beauty-, Lifestyle- und Szene-Fotografie sowie Bilder aus den Genres „Porträt“ und „Erotik“ zusammengefasst. Also bleiben Modefotos auch nicht mehr nur den Modefotografen vorbehalten, sondern auch Autoren anderer Genres. Auch Hobby- oder professionelle Fotografen beschäftigen sich mit dem weiten Feld der Modefotografie. Im Groben unterscheiden wir zwei Hauptrichtungen: Die verkaufsfördernde Fotografie von Kleidung an Modellen und künstlerisch motivierte, freie Arbeiten. Aber auch die Abbildung von Schmuck, Makeup und anderen Accessoires im Zusammenhang mit Modellen gehört zur Modefotografie.

Der Anspruch an professionelle Modefotografie ist in den letzten Jahren extrem gestiegen. Denn die Werbe- und Marketing-Strategen setzen alles daran, unsere Vorstellungen von Schönheit, Stil und Trends zu prägen. Damit erhöht sich automatisch der Anspruch an den Fotografen. Denn gewöhnliche Fashion-Aufnahmen reichen längst nicht mehr aus, damit eine Designer-Tasche auch wirklich zum Trendsetter wird. Innovativ, stilvoll und extravagant müssen die Fotos sein, um aus der Bilderflut herauszustechen. Wirklich gute Modefotografen haben ihren ganz eigenen Stil entwickelt, mit dem sie die Grenze zwischen Werbung und Kunst verwischen. Dabei machen sie sich die Erkenntnis zunutze, dass eine konkrete Botschaft auch abstrahiert werden kann und dass Abstraktion, obwohl scheinbar weniger, letztendlich doch mehr vermittelt. Das heißt, es ist nicht unbedingt zu erkennen, welcher Artikel mit dem Foto beworben wird. Wichtig ist, dass der Lifestyle, das Wohlgefühl und der Genuss, der beim Tragen dieser Mode entstehen soll, vermittelt wird. Dazu gehören auch Emotionen und Authentizität.

Werbung Bei der kommerziellen Modefotografie, wie wir sie in der Hauptsache aus Katalogen und Internetauftritten von Kaufhäusern und Versandhäusern kennen, liegt der Fokus der Fotos tatsächlich auf der Kleidung. Zu sehen sind Farben und Beschaffenheit des Materials sowie Schnitt und Funktion der Kleidungsstücke. Künstlerische Ansätze oder Porträts sind hier nicht zu finden. Das Modell fungiert als Kleiderpuppe. Sie sehen die Modelle durchgängig in den gleichen Posen. Dazu kommen Details der Kleidung, wie Knöpfe, Reißverschlüsse oder besonders raffinierte Applikationen.

Moiré-Effekte (aus dem Franz.) moirer = marmorieren Der Moiré-Effekt tritt bei der Überlagerung von Rastern oder Linien im Foto auf. Er bildet neue Linienmuster, wodurch ein Rasterungseffekt entsteht. Dies tritt insbesondere bei Fotos mit periodischen Strukturen (karierte Hemden, gemusterte Stoffe, Webstoffdetails) auf.

Typische Posen, Sonnenbrillen als einzige Accessoires, dazu ein wenig Wasser und Sonne sollen nicht nur die Mode verkaufen, sondern auch ein Lebensgefühl vermitteln. Sommerkollektion 2008 von Portocolonia. Fotos: Carina Meyer-Broicher

Aber auch hier geht der Trend dahin, das Modell mit der Kleidung in ein Sujet einzubinden, das die Kleidung höherwertig erscheinen lässt oder einen Lebensstil zeigt, der den Kunden zum Kauf der Kleidung motivieren soll. Denn der Markt ist groß und man will sich von der Konkurrenz abheben. So wird nicht nur eine Bluse oder Hose abgebildet, sondern das Modell mit allen Accessoires ausgestattet und in einer Kulisse gezeigt, die Kapitel 10 | Fashion & Glamour 179

den Betrachter emotional anspricht und Begehrlichkeiten weckt. Das kann im Studio oder auch Outdoor sein.

Die meisten Fotos dieses Genres lassen sich heute nicht mehr eindeutig zuordnen. Dieses Beispiel könnte sowohl in die Bereiche Fashion, Werbung als auch Lifestyle fallen. Kamera: Nikon D200 mit 17-55 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 31 mm – ISO 200. Foto: Stefan Schaal (www.schaalfoto.de)

Kunst

Visagisten Die Zusammenarbeit mit einer Visagistin muss nicht teuer sein. Häufig suchen auch Make-up-Experten, die neu im Geschäft sind, zunächst einmal eine unentgeltliche Zusammenarbeit. Für das Schminken des Modells werden sie mit Fotos ihrer Arbeit für ihre Mappe entlohnt. So können Sie gemeinsam mit der Visagistin Erfahrungen sammeln und Ideen entwickeln. Am besten finden Sie Visagisten in Modell- und Fotog rafieforen im Internet wie zum Beispiel unter www.fotocommunity.de oder www.model-kartei.de.


Im Gegensatz dazu stehen die Werbefotos teurer Labels, wie Sie sie in Magazinen abgebildet sehen. Häufig erkennen Sie auf den ersten Blick nicht, für welches Produkt hier geworben wird, selbst dann, wenn Sie den Markennamen lesen, denn die meisten Designer vertreiben unter gleichem Namen alles − vom Schuh über Kleidung und Schmuck bis hin zu Parfüm. Ich schaue mir solche Fotos gerne an, einfach, weil sie schön sind, aufwändig inszeniert und handwerklich gut gearbeitet. Und darum geht es auch hier, nicht um den Pullover, sondern um ein Lebensgefühl, das diese Bilder vermitteln. Deswegen gibt es bei dieser Gattung von Modefotos auch keine Regeln, was die Art der Aufnahmen angeht. Fotografen, Modelle, Stylisten und Make-up-Artists inszenieren an zum Teil aufwändig gestalteten Sets ein Gesamtkunstwerk. Was dabei herauskommt, kann extrem variieren. Vom Kleidungsdetail an einem angeschnittenen Modell bis hin zum komplett abgebildeten Set mit Komparsen ist alles möglich. Oder das Produkt wird allein mit einem bekannten und ausdrucksstarken Modell beworben. Dann ist die Grenze zur Porträtfotografie überschritten, wobei ein Unterschied besteht: Nicht der Charakter oder die Persönlichkeit des Modells steht im Vordergrund, sondern das Produkt. Gerade bei Dessous und Bademoden ist die Grenze zur erotischen Fotografie eine Gratwanderung. Negligés, Strümpfe und hochhackige Schuhe

lassen die Grenzen leicht verwischen. Der Fotograf muss hier sehr genau und bedächtig arbeiten, um zu erreichen, dass die Aussage des Fotos auf der, wenn auch spärlichen, Kleidung liegt und nicht auf dem Körper des Modells. Die Abgrenzung zur Fetisch-Fotografie ist hier noch schwieriger, weil die meisten Kleidungsstücke mit einer sexuellen Bedeutung belegt sind. Sie sollten also beim Fotografieren nie aus den Augen verlieren, dass es hier um Modefotografie und nicht um erotische Aufnahmen geht. Die fertigen Fotos sollten nach Möglichkeit keine sexuellen Begehrlichkeiten wecken, sondern nur zum Kauf der abgebildeten Mode animieren.

Die Bildgestaltung Totale oder Detail Wie schon gesagt: In der Modefotografie ist alles erlaubt. Das lässt Ihnen als Fotograf einen ungeheuren Spielraum für Ihre Aufnahmen. Dennoch wird der geübte Betrachter sofort merken, ob Ihre Inszenierung wohldurchdacht und gestaltet ist oder ob es sich um ein Zufallsprodukt handelt. Ein paar Grundregeln sollten Sie jedoch beachten. Der Fokus Ihres Fotos muss zum Beispiel auf der abgebildeten Mode liegen. Eine Totale, die das Modell und die Kleidung nur als kleines Detail abbildet, eignet sich lediglich zur Einführung einer Fotostrecke oder Ihres Portfolios. Aber dass es auch anders gehen kann, hat Jeanloup Sieff mit seinen Modefotos, unter anderem für „Harper´s Bazaar“ bewiesen. Auch hier waren die Redakteure zunächst nicht begeistert davon, dass das Modell auf den ersten Blick kaum zu sehen war und das Kleid nicht als Hauptmotiv erschien. Sieff hat jedoch mit geschickter Linienführung und dem Setzen von Kontrapunkten erreicht, dass der Blick des Betrachters eben doch zum Hauptmotiv geführt wurde. Beispiele sind zu sehen unter: www.jeanloupsieff.com. Sie müssen also darauf achten, dass der Mode durch die Farbverteilung, die Schärfelage oder die Anordnung im Foto die nötige Aufmerksamkeit zukommt. Mit Close-ups vereinfachen Sie natürlich die Konzentration auf das Motiv, offene Blenden unterstützen hier Ihre Arbeit. Detailaufnahmen sind das andere Extrem und blenden alle Bildelemente aus, die den Betrachter ablenken könnten. Mit Detailaufnahmen weisen Sie zum Beispiel auf die Struktur des Stoffs hin. Für Details bieten sich aber auch Applikationen, Schmuck, Acces-

Bei Modenschauen, wie hier bei einer Show auf der CPD 2007, kommt es darauf an, Details der Kleidung möglichst genau wiederzugeben. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/180 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 300 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher


soires, Schuhe, Gürtel, Reißverschlüsse und Knopfleisten an. Aber Vorsicht: Hier kann es leicht zu Moiré-Effekten kommen.

Das Format Die meisten Modefotos sind im Hochformat aufgenommen. Das hat natürlich praktische Gründe, zum Beispiel wenn es darum geht, den Titel oder eine einzelne Seite in einem Magazin zu füllen. Aber es ist im Hochformat natürlich auch einfacher, das gesamte Outfit des Modells vom Hut bis zum Schuhabsatz zu zeigen. Werbung wird in Magazinen zumeist auf der rechten Seite abgebildet, weil sie dort beim Blättern mehr Aufmerksamkeit erhält. Also sollten Sie Ihr Motiv nach Möglichkeit nicht an den linken Bildrand quetschen, auch wenn dies in der Porträtfotografie ein schöner Eyecatcher wäre. Auch bei doppelseitigen Anzeigen im Querformat liegt das Hauptmotiv auf der rechten Bildseite, links finden sich zumeist Zusatzinformationen zum Produkt. Querformate eignen sich also nur bedingt für die Fashion-Fotografie und werden in der Hauptsache für Detailaufnahmen verwendet.

Das Querformat links eignet sich für einen Doppelseite. Der Betrachter erhält einen Überblick über Schnitt, Länge und Kombinationsmöglichkeit der Kleidung. Die Struktur und Details der Kleidung sind oben im Hochformat besser zu erfassen, auch wird hier kein Platz verschwendet und man kann das Motiv näher zeigen. Fotos: Carina Meyer-Broicher

Inspirationen Blättern Sie einfach einmal beim Arzt oder Frisör die Modezeitschriften durch. Strecken von außergewöhnlichen und innovativen Modefotos finden Sie zum Beispiel auf in dem Lifestyle-Magazin QVEST. Hier lassen sich auch online tolle Anregungen für neue Bildideen finden: www.qvest.de in der fashion section.


Die Perspektive Auch hier gibt es keine Regel. Extreme Unter- oder Aufsichten sind ebenso erlaubt wie weitwinkelige Aufnahmen oder extrem lange Brennweiten, solange dabei die Mode prominent im Bild ist. Beliebtes Stilmittel sind hier

auch schräge Aufnahmen, die zum einen Aufmerksamkeit erregen und Ihnen zum anderen die Möglichkeit bieten, auch bei Ganzkörperfotos näher an das Motiv heranzugehen.

Linienführung und andere Gestaltungselemente Was Komposition und Linienführung angeht, gelten auch in der Modefotografie die klassischen Regeln der Bildgestaltung. Gerade in einem Genre, in dem gerne mit anderen Regeln gebrochen wird, muss der Blick des Betrachters im Bild gehalten werden. Nach den Regeln des Goldenen Schnitts sollte das Hauptmotiv scharf im Schnittpunkt liegen und keine Linie aus dem Bild herausführen. Anders als beim Porträt greift hier die Regel, dass die Augenpartie beziehungsweise das Gesicht des Modells scharf abgebildet sein und den Blick des Betrachters auf sich ziehen soll, nicht. Das Gesicht des Modells muss weder scharf abgebildet sein noch in der Linienführung aufgegriffen werden, ja, es muss nicht einmal korrekt ausgeleuchtet sein. Alle Aufmerksamkeit gilt der abgebildeten Mode, die das Hauptmotiv ist. Diese muss gut ausgeleuchtet und scharf sein. Wegen des größeren Bildanteils, den die Kleidung einnimmt, ist deshalb häufig eine kleinere Blende nötig als sonst in der Porträtfotografie üblich. Die Anonymisierung des Modells stellt in der Fashion-Fotografie sogar häufig ein Stilmittel dar. Achten Sie einmal darauf: Häufig ist das Gesicht des Modells unscharf, es liegt im Schatten, wendet sich vom Betrachter ab oder ist durch Haare oder Kopfbedeckung verdeckt. Auch der direkte Blick in die Kamera sollte vermieden werden, da so der Betrachter ganz automatisch von den Augen angezogen und der Mode abgelenkt wird. Neben der Pose und der Kopfhaltung sind hier Sonnenbrillen ein beliebtes Mittel, Blickkontakt zu vermeiden. Ebenso häufig werden übertriebene und skurrile Make-ups verwendet, um vom eigentlichen Blick abzulenken. Diese müssen natürlich farblich und stilistisch zur Kleidung passen. Ein weiteres Stilmittel in der Modefotografie ist die Übertreibung. Oft sind die Posen extrem, die Farben unnatürlich, das Ganze surreal. Diese Methode der Über-Inszenierung stellt hohe Anforderungen an den Fotografen und das Modell. Der Fotograf muss – passend oder eben extrem gegensätzlich zu der Mode – kreative Ideen zum Set und Posing des Modells entwickeln. Gemeinsam mit der Visagistin entsteht ein darauf abgestimmtes Make-up und das Modell muss ein wenig schauspielerisches Talent mitbringen. Extreme Posen, Mimik und Gestik müssen auf den Punkt

Für die Stilmittel gilt in der Fashion- und Lifestyle-Fotografie: Erlaubt ist, was gefällt. Um eine ungewöhnliche Aufnahme zu machen, muss sich der Fotograf schon mal flach auf den Boden legen. Der Verlauf der Unschärfe verleiht dem Bild eine besondere Note, da der Vordergrund über den Schärfeverlauf das Auge zum eigentlichen Motiv leitet. Kamera: Nikon Fujifilm FinePix S2 Pro mit 28-105 mm f/2.8-4er Objektiv – Belichtung 1/750 Sek. bei f/3.2 – Brennweite 54 mm – ISO 100. Foto: Martin Schwabe


passen oder das Modell muss sich in kleine Geschichten oder Szenen hineinversetzen. Bei aller Arbeit, die dahintersteckt und meist von einem ganzen Team geleistet wird, muss das Ergebnis trotzdem leicht und zufällig wirken − keine einfache Aufgabe für alle Beteiligten. Das Wichtigste bei der Modefotografie ist eine sorgfältige Planung und gute Vorbereitung. Wenn Sie Mode fotografieren möchten, schauen Sie sich die Kleidungsstücke vorher an. Entwickeln Sie zu den Kleidern Bildideen und achten Sie bei der Auswahl des Modells darauf, dass nicht nur der Typ passt, sondern auch die Kleidung, die gut sitzen sollte. Wenn nötig, nehmen Sie für das Make-up die Hilfe einer Visagistin in Anspruch.

Zwei große Softboxen stellen bei der Modefotografie eine schattenfreie und weiche Ausleuchtung sicher. Das Ergebnis sehen Sie im linken Foto. Kamera: Nikon D100 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/8 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Lichtgestaltung Um die Strukturen von Stoffen oder andere Details im Foto besser herauszuarbeiten, benötigen Sie härteres Licht. Dies erhalten Sie durch die Verwendung von Normalreflektoren, die im Lieferumfang von Blitzköpfen oder Dauerlicht enthalten sind.


Im Studio Weiches und diffuses Licht mit seinen kaum wahrnehmbaren Schatten ist für Modeaufnahmen oft die beste Wahl. Hier verwenden Sie im Studio am besten große Softboxen, die das Modell und die Kleidung gleichmäßig ausleuchten.

Wenn Sie stärkere Lichteffekte benötigen, um zum Beispiel den Faltenwurf oder die Struktur des Stoffs zu betonen, arbeiten Sie mit Licht von der Seite. Hier verwenden Sie keine Softboxen, sondern die Normalreflektoren der Lampen. Die Kontraste lassen sich durch Wabenvorsätze noch verstärken. Bei Materialien, die viel Licht schlucken, wie zum Beispiel Samt oder Pelz, egal ob Kunstpelz oder echter, kann es zu Problemen mit dem Kontrast kommen. Die Haut des Modells überstrahlt schnell, wenn das Material richtig ausgeleuchtet ist. Die gilt insbesondere für dunkle Stoffe oder Pelze. Verwenden Sie hier Lichtformer, die gezielt auf die Kleidung gerichtet sind und das Licht scharf abgrenzen, so dass das Gesicht des Modells kein zusätzliches Licht erhält.

Nicht nur als Naturfotograf müssen Sie früh aufstehen: Hier entstanden im Oktober auf Mallorca Lifestyle-Aufnahmen. Da die direkte Sonne ein zu hartes Licht gibt, wurden die Fotos um 6 Uhr morgens vor Sonnenaufgang im Gegenlicht gemacht und die Modelle mit einem Reflektor ausgeleuchtet. Kamera: Nikon D2X mit 12-24 mm f/4.0er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 24 mm – ISO 400. Eins der Ergebnisse sehen Sie rechts. Fotos: Carina Meyer-Broicher

Im Freien Bei der Modefotografie im Freien erzielen Sie bei bedecktem, aber hellem Himmel die besten Ergebnisse. Die Farben und Details der Kleidung werden bei diesem Licht sehr gut betont, die Schatten sind stark genug, um die Details zu modellieren, aber nicht zu dunkel, als dass sie die Gesamtoptik zerstören würden. Auch bei bedecktem Himmel können Sie mit Reflektoren und Aufhellern Akzente setzen.


Die Beauty-Fotografie Inwieweit sich die Beauty-Fotografie von der Werbefotografie für zum Beispiel Kosmetikprodukte abgrenzt, lässt sich heute schon gar nicht mehr sagen. Gemeinsam haben die beiden Genres auf jeden Fall, dass es hier nicht um natürliche Aufnahmen geht, die das Wesen des Modells fotografisch festhalten wollen. Gute Beauty-Fotos finden Sie zum Beispiel auch in der deutschen Vogue online. Unter www.vogue.de/bilder/galerien/0/0/0 können Sie Fotostrecken verschiedener Fotografen auswählen.

Beim nebenstehenden Foto sind ganz bewusst keinerlei Hautstrukturen mehr zu erkennen. Der Blick wird auf die Augen fokussiert, die den Betrachter in ihren Bann ziehen. Neben der Nachbearbeitung war auch weiches Licht die Voraussetzung für diese Aufnahme, die bei Tageslicht im Schatten entstand.

Das bedeutet jedoch nicht, dass es sich bei Beauty-Fotos durchweg um Aufnahmen handelt, für die die Modelle mehr Zeit bei der Visagistin verbracht haben als vor Ihrer Kamera. Auch Fotos von ungeschminkten Modellen können durchaus zu Beauty-Bildern zählen. Worin liegt nun das Geheimnis solcher Fotos? Alle diese Bilder zeigen offensichtlich makellos schöne Menschen mit gleichmäßigen Gesichtszügen und ebenmäßiger Haut. Und bei den Porträtierten handelt es sich nicht nur um professionelle Modelle, sondern auch um die Hausfrau von nebenan. Das Geheimnis liegt also nicht in der natürlichen Schönheit der Menschen, sondern in der Art der Fotografie und der Nachbearbeitung der Fotos. Auf die digitale Retusche gehen wir in einem späteren Kapitel des Buchs detail186 Kapitel 10 | Fashion & Glamour

liert ein. Hier wollen wir uns besonders anschauen, was bei der Aufnahme zu beachten ist. Denn je sauberer Sie beim Shooting arbeiten, desto geringer ist der Aufwand in der digitalen Dunkelkammer.

Die möglichst breite Streuung des Lichts können Sie mit verschiedenen Mitteln erzielen:

Weiches Licht Im Studio Eine Beauty-Aufnahme steht und fällt mit weichem Licht, egal ob natürlichen oder künstlichen Ursprungs. Das menschliche Gesicht gleicht einer Landschaft mit Ebenen, Senken und Hügeln. Da die Kamera im Grunde ehrlich ist, wird sie all diese vermeintlichen Unzulänglichkeiten bis zur kleinsten Pore abbilden, es sei denn, Sie wissen es zu verhindern. Und das sollten Sie auf jeden Fall tun, außer wenn Sie Charakterporträts erstellen wollen, da kommen Ihnen harte Kontraste zu Nutze.

Mit einem Diffusor, hier ein Diffussionspaneel,

einer speziellen Lampe, dem BeautyDish,

einem Schirmreflektor, hier als Durchlichtschirm oder

Beauty-Fotografie ist keine Frage des Alters. Auch jenseits der Fünfzig lassen sich perfekte Beauty-Shots aufnehmen. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 75mm – ISO 100. Fotos: Carina Meyer-Broicher

einer großen Softbox.


Wie erzielen Sie nun möglichst weiches Licht? Licht wird umso weicher, je größer die Lichtquelle im Verhältnis zum Objekt ist. Beleuchten Sie Ihr Modell mit einem Engstrahler, werden Sie harte Schatten und starke Kontraste erhalten. Ändern Sie jedoch den Lichtformer, indem Sie einen Durchlichtschirm oder eine Softbox verwenden, vergrößert sich damit die Lichtquelle und Sie erhalten weiches Licht mit schwachen Kontrasten. Sie haben die unterschiedlichsten Möglichkeiten, diesen Effekt bei Lampen zu erzielen: Wenn Sie über keine Blitzköpfe oder Festlicht verfügen, tut es auch Backpapier vor Baustrahlern. In der Regel ist zum Beispiel bei Reflektorensets ein Diffusor dabei, den Sie zur Streuung vor Ihre Lichtquelle montieren können. Oder Sie entscheiden sich für Durchlichtschirme, die Sie sowohl als Diffusor als auch als Reflektor verwenden können.

On Location Weiches Licht muss nicht unbedingt künstlichen Ursprungs sein. Viel schöner, aber leider nicht auf Knopfdruck verfügbar, ist natürliches Licht, egal ob drinnen oder draußen. Hierbei spricht man von der Fotografie mit „Available Light“. Der Begriff stammt aus dem Englischen und bedeutet wörtlich übersetzt „verfügbares Licht“ oder „vorhandenes Licht“.

Bei diesem Foto wurde mit zwei großen Softboxen von rechts ausgeleuchtet, die etwas versetzt zueinander standen. Der Hintergrund erhielt zusätzlich ein eigenes Licht. Kamera: Nikon D100 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/60 Sek. bei f/4 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Zwei große Panoramafenster, eins von links und eins von vorne, boten hier ausreichend Licht für dieses Porträt. Kamera: Nikon D100 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 155 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


Eine klassische Situation für Indoor-Beauty-Aufnahmen sind Porträts am Fenster. Das Fenster bildet dabei die einzige Lichtquelle. Um jedoch zu starke Kontrastunterschiede zu verhindern, sollten Sie die Mittagszeit oder direkt einfallendes Sonnenlicht vermeiden oder einen Raum wählen, der durch helle Wände und Tapeten das Licht ausreichend reflektiert. Hierbei kann eine transparente Gardine zusätzlich als Diffusor wirken. Der große Unterschied zur Arbeit mit künstlichem Licht besteht darin, dass sich das Motiv am Licht orientieren muss und nicht das Licht am

Motiv. Fällt das Licht durch ein Fenster, so müssen Sie das Modell zum Beispiel für ein Porträt ins Licht stellen und in Richtung des Fensters schauen lassen. Die Lichtsituation nimmt also Einfluss auf Ihren Aufnahmestandpunkt und damit auf den Bildausschnitt und die Perspektive. Natürliches Licht ist längst nicht so hell wie das von Studiolampen. Sie haben also deutlich längere Belichtungszeiten. Daher ist Beauty-Fotografie mit Tageslicht Indoor in der Regel nur mit lichtstarken Objektiven möglich, deren weit geöffnete Blende eine geringe Tiefenschärfe und damit den ganz besonderen Reiz dieser Fotos bewirkt. Hier kommen Objektive, die eine Blendenöffnung von f/2.8 oder größer zulassen, zum Einsatz. Nutzen Sie auch die Möglichkeit, höhere ISO-Werte an Ihrer Kamera einzustellen. Allerdings nur bis zu einem Maß, in dem sich Bild- und Farbrauschen nicht störend auswirken. Dies wäre insbesondere bei einem Beauty-Porträt kontraproduktiv. Verwenden Sie nach Möglichkeit Kameras oder Objektive mit Bildstabilisatoren und verlängern Sie so die Belichtungszeiten, um nicht an kritische ISO-Werte heranzureichen und Rauschen zu vermeiden. Wenn Sie ein geduldiges, ruhiges Modell fotografieren, sollte auch der Einsatz eines Stativs möglich sein, um so das Verwackeln zu vermeiden. Vor Bewegungsunschärfe durch das Modell sind Sie dadurch natürlich nicht gefeit.

Outdoor Wie generell in der Porträtfotografie gilt hier ganz besonders: Vermeiden Sie unbedingt direktes Sonnenlicht. Selbst im Schatten kann es bei hochstehender Sonne noch zu starken Kontrasten und harter Schattenbildung kommen. Ideales Wetter ist ein heller, aber bedeckter Himmel, sogar bei Regen lassen sich tolle Beauty-Fotos machen, der Regen wirkt wie ein natürlicher Diffusor und zaubert ein wunderbar weiches Licht.

Eine Aufnahme am späten Nachmittag im Schatten schafft hier zarte, ebenmäßige Haut. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/4 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Da Wetter nicht präzise planbar ist und manche Shootings Terminzwängen unterliegen, auf die Sie keinen Einfluss haben, werden Sie auch bei strahlendem Sonnenschein fotografieren müssen. Wählen Sie hier nach Möglichkeit die frühen Morgen- oder Abendstunden und fotografieren Sie trotzdem noch im Schatten. Störende Sonnenstrahlen mildern Sie mit dem Diffusor, für weiches Licht im Gesicht und Reflexe in den Augen verwenden Sie einen Reflektor


Die Lifestyle-Fotografie Fashion, Glamour, Beauty und jetzt auch noch Lifestyle? Es mag Ihnen so vorkommen, als sei dies alles ein und dasselbe, und richtig, die Unterschiede sind auch nur marginal. In der Lifestyle-Fotografie soll dem Betrachter ein Lebensgefühl vermittelt werden, egal, ob es sich dabei um ein Foto für die Werbung oder eine Aufnahme handelt, bei der Sie dem Betrachter einfach ein ganz bestimmtes Wohlgefühl übermitteln wollen.

Diese Aufnahme kommt mit noch weniger aus, lediglich Hut, Feld und Farbe transportieren hier schon die ganze Botschaft. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/4000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Motiv, Farbe und Landschaft senden hier eine klare Botschaft: Sommer, Sonne, Weite und Freiheit. Der fehlende Horizont vermittelt die Weite, das Tuch unterstützt den Gedanken der Freiheit ebenso wie das vom Betrachter abgewandte Modell, das scheinbar immer weiter laufen kann. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/4000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Deswegen geht es bei der Vorbereitung Ihrer Bilder weniger um technische Details und Ausrüstung als um die sorgfältige Zusammenstellung der Bildkomponenten. Klischees werden hier ganz bewusst aufgegriffen und jedes Foto erzählt dem Betrachter eine kleine Geschichte, löst Emotionen aus und weckt Begehrlichkeiten. Wenn Sie eine Bildidee entwickelt haben, geht es also zunächst darum, die passende Location zu finden, dann ein Modell, das den Lifestyle auch überzeugend verkörpert oder darstellen kann und schließlich die passende


Kleidung und Accessoires. Dies klingt jetzt sehr aufwändig. Aber auch mit ganz einfachen Mitteln lässt sich ein Lebensgefühl vermitteln, wie Sie an den Bildbeispielen sehen können. Denken Sie bei diesem Genre ausnahmsweise mal in Schubladen, denn so erreichen Sie, dass die Intention Ihres Fotos von möglichst vielen Menschen verstanden wird. Das Modell tritt in diesem Genre hinter dem Sujet zurück, ist genau wie alle anderen Bildelemente nur Mittel zum Zweck und nicht Hauptmotiv des Fotos. Dennoch muss der Typ zur Bildidee passen, um den Lifestyle überzeugend darzustellen.

Sommer und Sonne auch hier, allerdings unter dem Aspekt „Luxus“. Die Zutaten: ein Golfplatz mit Finca und Meer im Hintergrund, ein schnelles Auto und elegante Kleidung. Die Aufnahme entstand im Schatten. Das Modell wurde mittels einer mobilen Blitzanlage ausgeleuchtet. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/180 Sek. bei f/7.1 – Brennweite 120 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Farben sind ein wichtiger Bestandteil in der Bildsprache. Sie vermitteln Kälte und Wärme, aber auch eine Vielzahl Emotionen, die wir mit ihnen verbinden. Achten Sie bei Lifestyle-Fotos also besonders auf die Farbwahl von Kleidung und Accessoires.

Kühle Eleganz war das Thema bei diesem Foto. Unterstützt wird das Sujet durch die Reduzierung auf die kalten Farben Weiß, Schwarz und Silber. Das leichte Weitwinkel bringt ebenso Distanz wie der der Kamera abgewandte Blick des Modells. Kamera: Nikon D100 mit 15-31 mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtung 1/100 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 45 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher Kapitel 10 | Fashion & Glamour 191

192 Kapitel 11 | Akt & Erotik

Akt und Erotik im Porträt Wenn es sich auch bei den beiden Genres auf den ersten Blick um ein und dasselbe Thema handelt, könnten die Ansätze und Absichten nicht unterschiedlicher sein. Die erotische Fotografie lebt von der Andeutung, das Aktporträt vom Zeigen.

Selbstbewusst und ein wenig verträumt zeigt sich das Modell hier der Kamera. Der grobe Hintergrund bildet einen schönen Kontrast zur zarten Haut und Nacktheit. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/90 Sek. bei f/5.3 – Brennweite 140 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher Kapitel 11 | Akt & Erotik 193

Das Aktporträt Zunächst einmal wirft das Aktporträt einige Fragen auf: Was verstehen wir eigentlich unter einem Aktporträt und was unterscheidet das Aktporträt von einem Teilakt? Oder warum scheint es dem Fotografen (oder dem Modell) wichtig zu sein, den Körper teilweise nackt abzubilden? An diesen Fragen scheiden sich nach wie vor die Geister. Die Ansichten sind so mannigfaltig wie die Anzahl der Fotografen, die sich mit diesem Genre beschäftigen. Also kann hier die Erklärung nur eine subjektive sein: Der Unterschied zwischen dem Aktporträt und dem Teilakt oder Akt liegt in der Fokussierung, wobei ich hier sowohl von dem tatsächlichen Fokus der Kamera wie auch von dem Fokus des Betrachters spreche. Während beim Ganzkörperakt alle Teile des Körpers arrangiert, ausgeleuchtet und in Pose gebracht werden, konzentriert sich das Aktporträt auf das Gesicht des Modells. Hier liegt die Schärfe, also der Fokus. Die unbedeckte Brust oder Schulter oder der in der Unschärfe verschwimmende nackte Körper ist nur schmückendes Beiwerk. Die Intentionen des Fotografen, sich für das Aktporträt zu entscheiden, sind ganz unterschiedlicher Natur. Eine Absicht kann es sein, den Charakter und die Persönlichkeit des Modells durch das Foto herauszuarbeiten und durch die Nacktheit zu unterstreichen. Dies kann auf ganz verschiedene Arten geschehen: durch die Mimik und die Gestik, die Pose, den Blick, der sich von der Kamera scheu abwendet oder direkten Blickkontakt zum Betrachter herstellt oder auch mit Accessoires, die das Sujet unterstützen.

Bei diesem Aktporträt sind die Grenzen zum erotischen Foto fließend: Es versteckt mehr, als es zeigt. Dennoch unterstützt die Nacktheit die Mimik. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Hier können Sie Schmuck, Dessous, Tücher oder Handschuhe verwenden. Auch hier trägt, wie bei allen anderen Porträts, das Make-up oder auch der gänzliche Verzicht auf Schminke dazu bei, Facetten und Nuancen des Charakters zu unterstreichen. So können Sie zum Beispiel Wildheit, Scheu oder Ruhe und Gelassenheit darstellen. Eine andere Motivation zum Aktporträtieren ist es, ein Bild zu gestalten, das Sie als Fotograf längst fertig im Kopf mit sich herumtragen und nun mit einem geeigneten Modell umsetzen möchten.

Hier tritt die Persönlichkeit des Modells komplett in den Hintergrund und es schlüpft in die von Ihnen erdachte Rolle. Dazu müssen Sie das


Modell sorgfältig auswählen, denn um die Rolle überzeugend darzustellen, muss sich die Person wohlfühlen. Aber auch hier schaffen Kopf- und Körperhaltung, der Blick und das Zubehör sowie Make-up erst wieder das gewünschte Gesamtbild. Beide Methoden der Darstellung geben jedoch immer nur das subjektive Empfinden und die persönliche Sichtweise des Fotografen wieder, sowohl was den Charakter des zu porträtierenden Modells als auch den Versuch der Darstellung einer bestimmten Situation oder Emotion angeht. Zur Neutralisierung dieser Subjektivität ebenso wie zur Anfertigung eines gelungenen Aktporträts gilt es, einige fotografische Spielregeln technischer Natur sowie hinsichtlich des Bildaufbaus und der Perspektive einzuhalten. Alternativ können Sie aber auch bewusst sehr drastisch gegen eben diese Regeln verstoßen. In der Aktfotografie und das trifft auch auf das Aktporträt zu, ist der Erfolg einer Aufnahme generell eine Frage des Geschmacks, weil es viele unterschiedliche ästhetische Auffassungen gibt. Sie als Fotograf müssen vorher wissen, wer die Fotos später anschauen wird, und sich über die Wirkung des Fotos im Klaren sein. Die Beleuchtung spielt hierbei eine große Rolle, damit eine erotische Aufnahme später nicht billig wirkt.

Das Licht Für dem Lichtaufbau im Studio oder Indoor kann ich Ihnen auch hier kein Patentrezept anbieten. Denn „den“ Lichtaufbau für das Aktporträt gibt es nicht: Von Available Light über Baustrahler bis hin zu komplexen Aufbauten mit verschiedenen Lichtquellen und deren vielfältigen Vorsätzen ist alles denkbar und machbar. Auch beim Aktporträt ist das Arbeiten mit vorhandenem Licht besonders schön. Denn gerade durch die starke Fokussierung bei der Arbeit mit Offenblende ergeben sich von ganz allein Fotos mit Konzentration auf Augen und Gesicht.

Eine ganz andere Aussage finden wir bei diesem Foto: Ganz natürlich, ohne Glamour und Erotik zeigt diese Frau ihr Tattoo. Sowohl Licht als auch Fokus liegen jedoch auf dem Gesicht, so dass Schärfe und Helligkeit sofort abfallen und so den Blick des Betrachters auf das Gesicht konzentrieren. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/90 Sek. bei f/1.8 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Lichtsetzung ist grundsätzlich auch hier ergebnisorientiert. Ein glamouröses Aktporträt wie auf Seite 194 folgt den gleichen Regeln wie die Beauty-Fotografie. Achten Sie hier auf ausreichenden Abstand von der Lichtquelle, denn Dekolletees und Busen neigen ebenso wie Stirn und

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Nase zu Überstrahlungen. Pudern Sie auch hier leicht glänzende Stellen unbedingt ab. Um den Gedanken der Konzentration auf das Gesicht des Modells logisch fortzuführen, bietet sich Licht von oben an, denn so wird der Blick des Betrachters allein schon durch das Licht auf das Gesicht des Modells gelenkt. Ein Beispiel sehen Sie auf Seite 195. Das Licht nimmt nach unten hin ab und je nach Abstand der Lichtquelle kann es daher notwendig sein, von unten mit einem Aufheller zu arbeiten. Dafür können Sie auch weißen Karton oder Styropor nehmen, wenn Sie keinen Aufheller zur Hand haben. Augen ohne Glanzlichter wirken tot. Auch hier schafft der Aufheller Reflexe und vermeidet Schatten unter der Nase. Trotzdem schränkt diese Art der Lichtführung Ihre Perspektive ein, denn so ein Lichtaufbau ist nur bei Aufsicht sinnvoll.

Spannend wirkt auch ein dramatisches Licht von rechts unten, im Beispiel mit einer kleinen Softbox mit Wabe, um die Kontraste noch zu verstärken. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 75 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Seitenlicht lässt das Modell plastischer erscheinen, verstärkt aber auch die Oberflächenstruktur der Haut. Hierbei entstehen ausgeprägte Schatten, die als Effekt, wenn nur eine Gesichtshälfte im Licht liegt, eine dramatische Wirkung erzielen. Positionieren Sie hierbei die Lichtquelle zwischen Kamera und Modell, wobei Sie mit dem Abstand von Licht und Modell die Länge und Härte der Schatten bestimmen. Auch eine Ausleuchtung von unten bringt eine besondere Dramatik in das Foto. Hier müssen Sie jedoch sehr sorgfältig arbeiten und die Schatten auf dem Display immer wieder kontrollieren, damit Sie vom Ergebnis nicht enttäuscht sind.

Frontales, direktes Licht sollten Sie auf jeden Fall vermeiden. Licht von vorne führt in der Regel zu sehr heller, kalkiger Haut ohne Zeichnung und ruft obendrein noch störende Reflexe mit Überbelichtungen einzelner Hautpartien hervor.

Die Brennweite und Blende Beim Aktporträt wollen Sie den Blick des Betrachters auf das Gesicht des Modells lenken. Dies erreichen Sie am einfachsten, indem Sie mit sehr großen Blenden und möglichst langen Brennweiten arbeiten. Wenn Sie Blen-


den im Bereich von f/1.4 bis f/2.8 wählen, stellen Sie wegen der geringen Tiefenschärfe sicher, dass nur der Bildausschnitt scharf ist, auf dem auch der Fokus liegt. In der Regel sollten Sie den Fokus auf die Augen des Modells legen. Bei langer Brennweite und Offenblende ist der Schärfebereich so gering, dass nur ein Auge scharf wird. Deswegen müssen Sie hier absolut präzise arbeiten, damit der Fokus nicht verrutscht und so das ganze Bild unscharf wirkt. Benutzen Sie die Abblendtaste Ihrer Kamera, um den Fokus zu überprüfen, kontrollieren Sie das Bild am Display und vergrößern Sie es dabei unbedingt, da sich die Schärfenlage sonst wegen der meist unzureichenden Abbildungsqualität der Kameradisplays nicht kontrollieren lässt. Eine lange Brennweite ab 200 mm Kleinbild bietet Ihnen in Verbindung mit einer großen Blende sehr gute Möglichkeiten, den eventuell nackten Körper in die Unschärfe eintauchen zu lassen. Mit der Brennweite kontrollieren Sie auch die Perspektive. Kurze Brennweiten lassen den Hintergrund optisch größer und dominanter erscheinen, lange Brennweiten reduzieren den Bildinhalt auf das Wesent liche. Andererseits stellt jedoch die Nähe zum Motiv auch den Kontakt her und macht es für das Modell einfacher, den direkten Blick zur Kamera herzustellen. Deswegen schwören viele Fotografen auch beim Aktporträt auf eine 50-mm-Festbrennweite (85-mm-Kleinbild). Sie ermöglicht es Ihnen, sehr nah an das Motiv heranzugehen und durch interessante Bildschnitte spannende Aufnahmen zu machen.

Natürlich ist das Aktporträt keine reine Frauendomäne. Wenngleich es etwas schwieriger ist, bei einem männlichen Modell eine erotische Komponente einfließen zu lassen. Das Licht kam hier von einem großen Parabolschirm von rechts. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/160 Sek. bei f/6.3 – Brennweite 120 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Perspektive und Position Bei den meisten Aktporträts soll dem Betrachter vermittelt werden, dass das Modell ihn direkt anschaut, also wird der direkte Blick in die Kamera angestrebt. Das erfordert je nach Intention des Fotos einen unterschiedlichen Aufnahmestandpunkt von Ihnen. Versuchen Sie für den direkten


Blickkontakt, Aufnahmen in Augenhöhe zu fertigen, die Kamera ist also auf gleicher Höhe wie die Augen des Modells. Wenn Sie Stolz oder Überlegenheit der zu porträtierenden Person darstellen möchten, wählen Sie eher einen Aufblick der Kamera, Sie nehmen das Foto also von unten auf. Dies erfordert ein wenig Abstand zum Modell, um nicht von unten gegen das Kinn oder in die Nase zu fotografieren. Mit einem Standpunkt, der es Ihnen ermöglicht, das Modell von oben aufzunehmen, lassen sich Unterwürfigkeit, aber auch Verletzlichkeit darstellen. Klettern Sie dafür gegebenenfalls auf eine Leiter. Beachten Sie, dass sich mit der Aufnahmeperspektive auch die Körperform des Modells in der Abbildung verändert. Eine frontale Aufnahme eines sitzenden Modells lässt dieses wuchtiger erscheinen. Außerdem wirkt diese Aufnahme statisch und auch schnell langweilig, weil diese Perspektive häufig gewählt wird. Abhilfe schafft eine seitliche Körperdrehung der Person, wobei der Kopf sich wieder der Kamera zuwendet. Geringe Änderungen in der Kopfhaltung können dem Foto eine komplett andere Aussage verleihen. Das vorgestreckte Kinn und der leicht nach vorne gebeugte Oberkörper können dem Bild einen freundliche oder offene Note verleihen, zusammen mit hartem Licht aber auch Aggressivität darstellen. Lehnt das Modell Kopf und Oberkörper hingegen nach hinten, kann so Distanz oder auch Verletzlichkeit symbolisiert werden. Sollen die Arme und Hände mit in das Bild einfließen, müssen Sie auch diese sorgfältig arrangieren. Wichtig ist, dass die Armlinie den Blick des Betrachters nicht aus dem Das Ergebnis von langer Brennweite, einem erhöhten Aufnahme Bild führt oder durch Fokussierung vom Gesicht der Perstandpunkt und gebündeltem harten Licht von oben konzentriert son ablenkt. Wenn Hände im Bild sind, sollten diese nicht den Blick des Betrachters auf Augen und Gesicht des Modells. abgeschnitten werden. Sie können auch zur Unterstützung Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung des Fotos herangezogen werden, indem das Model sich mit 1/60 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 195 mm – ISO 640. der Hand durch das Haar fährt oder sich aufstützt. Achten Foto: Carina Meyer-Broicher Sie beim Aufstützen des Gesichts aber unbedingt darauf, dass sich die Person nicht wirklich aufstützt, denn dies verschiebt die Haut und die Mimik und sieht zumeist unschön aus. Die Stütze wird also idealerweise nur angedeutet. Wenn die Arme und Hände nicht mit einbezogen werden, sollten sie locker am Körper liegen.


Ausschnitt und Bildformat Porträtaufnahmen im Querformat geben dem Fotografen und Betrachter Raum im wahrsten Sinne des Wortes. Hier kann der freie Platz dazu genutzt werden, um den Blick des Betrachters auf die Person zu lenken oder die Bildaussage, wie zum Beispiel Verlorenheit, zu unterstützen. Achten Sie darauf, den Platz nicht durch einen unruhigen Hintergrund zu vergeuden und so vom Hauptmotiv abzulenken. Etwas anderes ist es, wenn das Umfeld in das Foto mit einbezogen werden soll, als Gegensatz zum Motiv oder um eine bestimmte Szene zu gestalten. Auch solche szenischen Aktporträts sind möglich. Die Blickrichtung des

Auch hier liegt der Fokus wieder auf Augen und Gesicht des Modells, die Nacktheit erscheint zufällig und erschließt sich dem Betrachter wegen der Komposition erst auf den zweiten Blick Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 200 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher

Betrachters geht hierbei von links nach rechts. So bleibt der Blick am links angeordneten Hauptmotiv „hängen“ und er wird Bildinformationen in der rechten Bildhälfte nur flüchtig wahrnehmen, um zum Hauptmotiv zurückzukehren, während eine Anordnung des Modells im rechten Bilddrittel den Blick des Betrachters über die Fläche zum Hauptmotiv führt. Das Hochformat ist gerade im Bereich der Aktporträts eine sehr schöne Alternative. Durch digitale Bildbearbeitung haben Sie auch bei einer Aufnahme im 2:3-Format die Möglichkeit, durch nachträgliches Beschneiden ein quadratisches Format zu erhalten. Dies sollte Ihnen aber bereits bei der Aufnahme klar sein. Gestalten Sie schon beim Fotografieren bewusst auch das Bildformat, damit der Bildaufbau später nicht unstimmig wirkt.


Erotische Porträts Für jeden Menschen beinhaltet Erotik etwas anderes. So reagiert auch jeder anders auf bestimmte Reize. Was der Einzelne erotisch findet, ist letztlich sehr personenspezifisch. Offensichtlich gibt es aber bestimmte Schlüsselreize, auf die ein breites Publikum reagiert, und diese gilt es, mit einem erotischen Porträt anzusprechen. Erotische Fotos haben den Zweck, die Fantasie des Betrachters anzuregen. Wenn Sie jedoch hingehen und potenzielle Betrachter fragen, welche Art von Aufnahmen sie erotisch finden, werden diese häufig keine Antwort finden. Sie müssen ein Foto zuerst gesehen haben, um zu wissen, ob sie es erotisch finden. Also müssen wir uns auf unsere eigenen Vorstellungen verlassen und überlegen, was auf eine größere Gruppe von Betrachtern erotisch wirken könnte. Aus eben diesem Grund ist auch kaum ein Genre mit mehr Klischees behaftet als die erotische Fotografie. Gerade deswegen gilt es, frischen Wind in diesen Bereich zu bringen und neue Ansätze zu zeigen oder bewährte Motive neu und unkonventionell umzusetzen. Wir haben es hier mit vielen kleinen Komponenten zu tun. Viele leiten die Erotik eines Porträts ausschließlich vom Motiv ab. Aber das allein macht kein erotisches Foto. Wenn nicht alle Elemente der Bildgestaltung aufeinander abgestimmt werden, verfehlt das Foto seine Wirkung.

Tageslicht von einem großen Fenster von rechts trägt bei diesem frischen, natürlichen Foto viel zur Bildwirkung bei. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/1.8 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


So wirkt das gleiche Motiv in unterschiedlichem Licht völlig anders, die Stimmung des Bilds kann zu einer ganz anderen Bildaussage führen. Aber auch Farbgebung, Linienführung, Formen, Tonwerte und Strukturen tragen in diesem emotionalen Bereich der Porträtfotografie enorm dazu bei, ob ein Foto schließlich beim Betrachter „ankommt“. Das Geheimnis des erotischen Fotos liegt in den Dingen, die wir auf dem Foto gar nicht sehen. Als erotisch empfinden wir Dinge, die uns verborgen bleiben, die unser „Kopfkino“ in Gang setzen und unsere Fantasie beflügeln. Also liegt die Aufgabe des Fotografen darin, mehr zu verstecken als zu zeigen. Dinge nur anzudeuten, zu verhüllen oder im wahrsten Sinne de Wortes im Dunkeln liegen zu lassen. Licht und Linienführung spielen

also eine ebenso große Rolle wie Accessoires, in diesem Fall Kleidung oder Tücher, die primäre Reize wie die weibliche Brust verhüllen, statt sie zu präsentieren.

Drinnen oder draußen? Grundsätzlich sind in diesem Bereich Indoor- oder Studioaufnahmen für Sie einfacher handzuhaben. Sie haben jederzeit die volle Kontrolle über die Lichtverhältnisse und müssen nicht auf Publikumsverkehr oder Wetter Rücksicht nehmen. Denn ebenso wichtig wie die Bildparameter ist die Atmosphäre beim Shooting. Das Modell muss sich hier besonders wohlfühlen, um auch durch Mimik und Gestik eine erotische Atmosphäre zu transportieren. Deswegen eignen sich öffentliche Aufnahmeorte nur bedingt und erfordern ein erfahrenes Modell, das sich durch etwaige Passanten nicht stören lässt. Trotzdem lassen sich manche Bildideen nur im Freien umsetzen, ein Wald oder Strand passt einfach nicht ins Studio. Auch dort vorherrschende Lichtstimmungen lassen sich nur mit großem Aufwand nachstellen. Ein anderer Aspekt ist gerade die Komponente, dass diese Fotos im öffentlichen Raum entstanden sind und so dem Betrachter einen zusätzlichen Kick geben.

Kleidung, Make-up und Requisiten Beim erotischen Porträt spielen diese Dinge eine große Rolle, weil die Wirkung des Fotos extrem von der Kleidung abhängt, so spärlich sie auch sein mag. Hier bieten sich Ihnen unzählige Möglichkeiten: schöne Dessous, Strümpfe, Strapse, High-Heels und Stiefel, Korsagen und Korsetts. Die Kleidung sollte auf jeden Fall körperbetont sein wie zum Beispiel enge Jeans oder ein anliegendes Kleid. Gewähren Sie dem Betrachter mit tiefen Dekolletees Einblicke, aber bewahren Sie die Spannung. Die Accessoires richten sich nach Ihren persönlichen Vorlieben oder nach der Zielgruppe, für die Sie das Foto

On Location entstand dieses Foto ganz spontan eigentlich in einer Pause, in der die Modelle ein wenig herumalberten. Ein wenig vom Fotografen gelenkt wurde daraus eine erotische Szene. Available Light. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/50 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher


anfertigen. Von romantischer Spitze und Seide bis hin zu Ketten oder Lederbändern steht Ihnen die ganze Palette zur Verfügung. Die Gegenstände müssen auch nicht immer gemäß ihrer eigentlichen Bestimmung eingesetzt werden. Ein Strumpfband kann zu Maske werden, ein Strumpf zur Fessel, ein Schuh kann im Set liegen und muss nicht am Fuß getragen werden. So sollte jedes erotische Porträt eine kleine Geschichte erzählen und dem Betrachter die Möglichkeit geben, sie im Kopf weiterzuspinnen. Manche Dinge sind ohne großen Aufwand zu erreichen: Eine Frau steigt mit zerzaustem Haar bekleidet mit einem Herrenhemd am Morgen aus dem Bett. Die Geschichte erschließt sich sofort jedem Betrachter, gleich welchen Geschlechts. Auch andere Kleinigkeiten sind simpel und doch wirkungsvoll: Lange, am besten rot lackierte Fingernägel, feuchte Lippen, ein leicht geöffneter Mund, ein verträumter oder verklärter Blick verfehlen ihre Wirkung nicht. Obwohl Rauchen schädlich und inzwischen verpönt ist, leistet auch einen Zigarette oder Zigarre gute Dienste. Das Make-up spielt eine große Rolle beim erotischen Porträt. Passend zum Sujet können von jugendlicher, natürlicher Schönheit bis hin zum Vamp alle Register gezogen werden. Da können Sie ruhig auch ein wenig übertreiben, der Zweck heiligt die Mittel. Greifen Sie auch hier wenn nötig auf die Hilfe eines professionellen Make-up-Artist zurück. Bei Männern entsteht ein Großteil der erotischen Wirkung über die Kleidung. Auch hier eignen sich bei guter Bett, seidene Bettwäsche, Stiefel und Dessous kommen zusammen mit Figur enge Jeans, Leder- und Jeansjacken ebenso wie dem Blick des Modells schon fast einer Einladung gleich. Die Tonung gut geschnittene Anzüge, die lässig getragen werden. vermeidet weitere Ablenkung und trägt so zur Bildwirkung bei. Muscle-Shirts und unifarbene weiße oder schwarze Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung Hemden bilden ebenfalls eine gute Basis. Bei vorzeig 1/160 Sek. bei f/5 – Brennweite 140 mm – ISO 100. barem Körper kann eine Smoking-Jacke auf nackter Foto: Carina Meyer-Broicher Haut durchaus eine erotische Wirkung haben. Gestik und Mimik müssen hier ebenso wie die Atmosphäre des Fotos jedoch meist körperliche Attribute ersetzen. Oft wirkt aber auch bei Männern ein wenig dezenter Kajal oder Wimperntusche Wunder und betont die Augen ganz besonders. 202 Kapitel 11 | Akt & Erotik

Die Wirkung von Licht, Schatten und Schärfentiefe Auch hier gibt es – Sie ahnen es schon – keine festen Regeln zum Setzen von Licht. Wichtig ist, dass das Licht die richtige Stimmung und Atmosphäre zum Foto erzeugt. So kommt von High-Key bis Low-Key und Available Light bis zu aufwändiger Studiobeleuchtung alles in Frage, wie auch die Bildbeispiele zeigen. Die erotische Fotografie lebt von Andeutungen. So liegt es nahe, das Licht so einzusetzen, das Dinge auch ganz bewusst im Dunkeln bleiben. Licht und Schatten werden so gezielt zur Bildkomposition eingesetzt.

Gezielte Nutzung von Licht und Schatten bedeutet nicht zwingend, das Set mit Lampen auszuleuchten. Bei diesem Foto wurde wieder natürliches Licht verwendet, das von rechts durch eine große Fensterfront einfiel. Das Modell wurde soweit zur Raumecke positioniert, dass nur die Füße im Licht lagen. Durch das Arbeiten mit offener Blende und Fokus auf dem Fuß bleiben die Schattenbereiche zusätzlich noch in der Unschärfe. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/80 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 180 mm – ISO 500. Foto: Carina Meyer-Broicher


204 Kapitel 12 | Event-Fotografie

Event-Fotografie Die Event-Fotografie unterscheidet sich in einem ganz wichtigen Punkt von den bisher vorgestellten Genres: Sie haben nur einmal die Chance, Ihre Fotos zu machen. Egal, ob Sie bei einer Sportveranstaltung, Hochzeit oder einem Konzert fotografieren, der Moment, den Sie festhalten möchten, ist einmalig und anders als bei den vorangegangenen Porträtsituationen nicht beliebig oft wiederholbar. Deswegen kommt es gerade bei diesem Genre auf eine bestmögliche Vorbereitung an.

Die Bewegung und Dynamik des Schauspielers geben dem Betrachter hier einen guten Einblick ins Stück "SchepperdiHex" im Theater Alte Feuerwache, Bad Nauheim. Kamera: Canon EOS 10D mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/15 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 48 mm – ISO 1600. Foto: Barbara Thielen (www.blickpunkt-fotografie.de)

Kapitel 12 | Event-Fotografie 205

Sportfotografie Die Sportfotografie ist ein unheimlich breites fotografisches Feld, das allein schon ein ganzes Buch füllen könnte. Deswegen wollen wir uns hier nicht so sehr mit der Reportage-Fotografie beschäftigen, sondern uns auf das Festhalten von sportlichen Höhepunkten unter dem Aspekt Menschenfotografie bzw. Porträts konzentrieren.

Schnelle Bewegungen wie hier beim Eishockey erstarren bei kurzen Verschlusszeiten. Nur bei den Schlägern und der Kopfbewegung tritt noch Bewegungsunschärfe auf, bei einer Belichtungszeit ab 1/500 Sekunde würden auch diese erstarren. Kamera: Nikon D100 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/2.8 – Brenn weite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Grundsätzlich haben alle Sportarten etwas gemeinsam: Im Wettstreit messen sich Menschen miteinander, das geschieht zumeist mit hoher Geschwindigkeit und unter ungünstigen Bedingungen für Sie als Fotograf. Anhand einiger Fallbeispiele aus verschiedenen Sportarten wollen wir Gemeinsamkeiten herausarbeiten und Besonderheiten festhalten. Viele Sportarten finden im Freien statt. Das hat für Sie den Vorteil, in der Regel ausreichend Licht für kurze Belichtungszeiten zur Verfügung zu haben. Andererseits werden Sportveranstaltungen in der Regel aber weder wegen Regen noch wegen Schnee abgesagt. Und auch Veranstaltungen im Sommer werden selbst bei größter Hitze nicht abgesagt. Also stellen die Witterungsverhältnisse, die nicht planbar sind, eine erste große Herausforderung an Sie. Es gilt, die Kamera vor Regen, Schnee und Staub zu schützen. Wenn Sie dazu nicht extra einen Kameraschutzbeutel anschaffen wollen, sollten Sie immer ein paar starke Gefrierbeutel und Klebeband in der Fototasche haben, um Ihre Kamera zu schützen. In der Halle sind Sie und Ihre Kamera zwar in jedem Fall trocken und geschützt, Sie haben aber fast immer mit dem gleichen Problem zu kämpfen: zu wenig Licht. Dazu sind die Lichtverhältnisse in den Hallen nicht konstant, wenn Sie also den Aufnahmestandpunkt wechseln, verändern sich auch die Lichtverhältnisse ebenso wie die Lichtquellen, was eine Herausforderung für den Weißabgleich darstellt, egal ob beim Foto selbst oder nachträglich bei der RAW-Entwicklung. Sie benötigen also lichtstarke Objektive, zumal der Einsatz eines Blitzes bei vielen Sportarten verboten ist oder sich wegen der großen Entfernungen ohnehin von selbst erübrigt.


Wintersport Die Fotografie im Schnee birgt eine Reihe von Besonderheiten: Es gibt eine Unmenge an beeinflussbaren, aber auch unbeeinflussbaren Faktoren, die hier Ihr Ergebnis bestimmen. Ob nun ein Snowboarder beim Aerial in der Pipe oder Carving-Skifahrer in Extremschräglage: Wintersportler sind in der Regel sich schnell bewegende Objekte, die es gilt, mehr oder minder spektakulär auf den Chip zu bannen. Dies hat die Wintersportfotografie mit anderen Sportarten gemeinsam. Also handelt es sich im Prinzip um klassische Sportfotografie mit ein paar zusätzlichen Hürden. Wenn Sie sich in dieser, zugegebenermaßen, äußerst schwierigen fotografischen Disziplin versuchen möchten, sollten Sie idealerweise selbst Ski oder Snowboard fahren. Zumindest sollten Ihnen aber die Bewegungsabläufe der Sportarten vertraut sein. Dies gilt übrigens für alle Sportarten, die Sie fotografieren möchten, damit Sie den perfekten Moment zum Auslösen erwischen. Aber beim Wintersport gibt es auch noch einen anderen Grund: Ohne alpine Ausrüstung und Lift gelangt man nicht zu wirklich interessanten Gebieten und Aufnahmestandpunkten, von denen aus wirklich gute Action-Fotos gelingen. Bereiche in Skigebieten, die auch Fußgängern zugänglich sind, sind eher uninte- Fast meint man, den Snowboarder beim Sprung anfassen zu können. Der ressant, weil sich die Alpinisten dann weniger spek- aufwirbelnde Schnee sorgt für Dynamik im Bild. Kamera: Nikon D100 mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/1000 Sek. bei f/16 – Brennweite takulär auf der Piste bewegen. 100 mm – ISO 200. Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)

Die Ausrüstung Gut verpackt ist hier die Devise für Ausrüstung und Fotograf. Zum Transport der Ausrüstung eignet sich ein Fotorucksack mit getrennten Fächern für Kamerabody und Objektive. Sie müssen die Ausrüstung vor Schlag, wie er bei einem Sturz passieren kann, und vor niedrigen Temperaturen schützen. Natürlich können Sie auch einen normalen Rucksack verwenden, doch hier sollte die Kamera dann mit einfachen Mitteln wie Handtuchwickeln geschützt werden. Auch die Witterungseinflüsse sind nicht zu unterschätzen. Eisige Temperaturen, Schneetreiben, Wind und Feuchtigkeit sind Dinge, auf die Digitalkameras mit mehr oder minder empfindlicher Elektronik anfällig reagieren und bei denen sie gerne ihren Dienst verweigern. Wenn Sie die Kamera aus dem Rucksack und in die


Perfekt im Sprung eingefangen wurde dieser Snowboarder. Trotz Einfrieren verleiht der aufwirbelnde Schnee dem Foto genügend Dynamik. Kamera: Nikon D100 mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/640 Sek. bei f/13 – Brennweite 90 mm – ISO 200. Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)

Hand nehmen, sollten Sie sie immer schützend vor den Körper halten und das möglichst an der dem Wind abgewandten Seite. Wenn Sie die Kamera länger nicht benötigen, verstauen Sie die Ausrüstung wieder im Trockenen und Warmen. Besonders empfindlich auf Kälte reagieren die Akkus, tragen Sie diese möglichst am Körper und nehmen Sie ausreichend Ersatz-Akkus mit. Wenn Sie rundum gelungene Aufnahmen machen möchten, müssen Sie den richtigen Tag, das richtige Wetter und natürlich den richtigen Ort mit der perfekten Perspektive finden. Im Gebirge ist das Wetter oftmals diesig, auch an sonnigen Tagen. Dieser Effekt hat seine Ursache in der ultravioletten Strahlung der Sonne. Der Dunstschleier wird im Allgemeinen als „Luftperspektive“ bezeichnet. Diese führt häufig zu Blaustichen und hellen Grauer Schnee Was selbst der fortschrittlichsten Kamera Probleme bereitet, ist der weiße Schnee, der meist den Hauptanteil des Fotos ausmacht. Kommt dann noch ein blauer Himmel dazu, sucht die Kamera nach etwas, was 18-prozentigem Neutralgrau entspricht. Da sich das aber in solchen Motiven nicht finden lässt, beschließt die Elektronik des Belichtungsmessers, dass der Schnee grau ist, da der Belichtungsmesser auf ein mittleres Grau geeicht ist und der strahlend weiße Schnee zu hell ist. Die Folge ist ein unterbelichtetes Foto. Der Belichtungsmesser misst zu viel Licht und korrigiert mit der Kameraautomatik Blende und/oder Verschlusszeit. Es fällt zu wenig Licht auf den Sensor und das Foto wird zu dunkel. Daher ist der beste Weg zu guten Porträts im Schnee die manuelle Einstellung Ihrer Kamera. Nutzen Sie dazu die Belichtungskorrektur und erstellen Sie eine Belichtungsreihe, um ein optimales Ergebnis zu erzielen. Korrigieren Sie dabei den Blendenwert um eine, eineinhalb oder zwei Stufen (EV +1, +1 ½ oder +2). Achten Sie unbedingt darauf, dass der Schnee noch eine leichte Zeichnung aufweist. Denn wenn der Schnee keine Konturen mehr hat, ist das Foto überbelichtet, das lässt sich auch in der Bildbearbeitung nicht mehr korrigieren, da an diesen weißen Bildstellen jegliche Bilddaten fehlen.


Tonwerten im Foto. Um dem entgegenzuwirken, verwenden Sie einen UV-Filter. Auch ein Polarisationsfilter kann tolle Effekte bringen, da er, richtig angewendet, das Himmelsblau verstärkt. Auch Reflexionen können mit dem Polfilter, je nach Aufnahmeperspektive, verringert oder beseitigt werden. Dieser Effekt muss allerdings mit einem kleinen Nachteil erkauft werden: Der Einsatz eines Polfilters bedeutet den Verlust von etwa zwei Blendenstufen. Bei viel Licht und Sonne sollte dies aber leicht zu kompensieren sein. Wenn Sie einen Skialpinisten oder einen Snowboarder in schneller Fahrt fotografieren möchten, benötigen Sie eine Spiegelreflexkamera, die mit kaum wahrnehmbarer Verzögerung auslöst. Zu einer guten Ausrüstung gehört in jedem Fall ein lichtstarkes Objektiv. Ideal sind Brennweiten zwischen 50 und 300 Millimeter. Reizvoll sind auch extreme Weitwinkelaufnahmen von direkt am Fotografen vorbeirasenden Brettkünstlern. So kann die ganze Person, von der Mütze bis zum Ski, aus großer Nähe spektakulär eingefangen werden. Doch Achtung, hier kann es zu Problemen mit dem Autofokus kommen. Der Autofokus schafft es bei Weitwinkelaufnahmen in den seltensten Fällen, den schmalen Grat zwischen dem sich schnell nähernden Fahrer und einer wirksamen schnellen Fokussierung zu bewältigen. Hier arbeiten Sie besser mit einer manuellen Entfernungseinstellung und stellen auch die korrekte Belichtungszeit vorab manuell ein. Der Belichtungsmesser wird bei Weitwinkelbrennweiten und der Mitziehbewegung der Kamera den heranrasenden Alpinisten nicht immer richtig belichten. Weder die Spotnoch die Mehrfeld-Belichtungsmessung sind hier richtig geeignet, weil die exakte Position des Skifahrers nahezu unvorhersehbar ist.

Checkliste ●

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Die Bildgestaltung Was gibt es Schöneres als einen wolkenlosen Himmel in den Bergen? Aber nicht nur ein reizvoller Hintergrund ist entscheidend bei der Bildgestaltung. Auch ob der Vordergrund, wie beispielsweise eine große Schneefläche, mit in das Foto einbezogen werden soll, müssen Sie sich vor dem Auslösen zu überlegen. Die richtige Position und ein sicherer Standpunkt mit festem Untergrund sind äußerst wichtig.

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Gerade abseits der Piste erlebt man hin und wieder böse Überraschungen. Nicht selten versinkt man plötzlich bis zur Hüfte im Tiefschnee und hat Schwierigkeiten, sich zu befreien. Reizvolle Motive im Tiefschnee, gerade abseits der Piste, können Boarder und Fotograf in lebensbedrohliche Situationen bringen. Hier ist äußerste Vorsicht geboten.

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Um einen springenden Boarder zu fotografieren, aktivieren Sie die Spotmessung. Wählen Sie eine kleine Blende und eine kurze Belichtungszeit (mindestens 1/500 Sekunde), um einen Sprung einzufrieren. Eine relativ lange Belichtungszeit (ab 1/30 Sekunde) hilft, die Dynamik eines vorbeifahrenden Skifahrers durch Mitziehen wiederzugeben. Ein möglichst blauer Himmel beschert einen schönen Hintergrund, der einen beeindruckenden Kontrast zum Motiv liefert. Bei bedecktem Himmel gibt es in der Regel zu wenig Licht und Kontraste. Bei Sonne positionieren Sie sich so, dass Sie die Sonne im Rücken haben und dass der abgebildete Skifahrer/ Snowboarder weitestgehend schattenfrei ist. Ein Polfilter verstärkt das Himmelblau und vermeidet Reflexionen. Ein UV-Filter filtert die Ultraviolettstrahlen heraus, die im Gebirge besonders stark sind.


Der klassische Mitzieher ist nicht nur etwas für den Rennsport, auch rodelnde Kinder sind ein tolles Motiv. Deutlich zu sehen: Nur der junge Sportler ist scharf, der Hintergrund verwischt durch das Mitziehen der Kamera. Foto: Mikael Damkier

Auch der richtige Stand der Sonne, nämlich im Rücken der Fotografen oder im Zenit, ist ein wichtiger Faktor für ein gelungenes Bild. Gute Action-Fotografen müssen in Sekundenbruchteilen reagieren. Da bleibt wenig Zeit, den richtigen Bildausschnitt oder die Belichtung erst bei der Aufnahme einzustellen. Diese Parameter müssen schon vor dem Auslösen festgelegt und eingestellt werden. Action-Fotografien misslingen am häufigsten durch falschen Bildschnitt. Wenn Sie abgeschnittene Arme, Beine oder Köpfe vermeiden möchten, sollte Sie die Brennweite so wählen, dass genug Platz um den Sportler herum bleibt. Sie verwenden also besser eine kürzere Brennweite oder einen entfernteren Aufnahmestandpunkt. Eine spätere Bildgestaltung durch einen bestimmten Bildbeschnitt mit der Bildbearbeitungs-Software ist einfacher, als einen abgeschnittenen Fuß herbeizuzaubern.

Die Aufnahmetechnik Sprungfotos sind eine noch größere Herausforderung als reine Fahraufnahmen auf ebener Piste. Für ein wirkungsvolles Action-Foto sollten Sie mindestens 3, besser jedoch 5 bis 10 Meter vom Brettartisten entfernt stehen. Mit Brennweiten von 50 bis 150 Millimetern und kleinen Blenden können Sie bei kurzen Verschlusszeiten das Geschehen „einfrieren“. Die 210 Kapitel 12 | Event-Fotografie

kurze Verschlusszeit dient hier nicht nur der richtigen Belichtung, sondern ist auch Gestaltungsinstrument. Die Wahl einer kurzen Verschlusszeit wie einer 1/2000 Sekunde friert garantiert den schnellsten Brettartisten ein. Auf dem Bild wird jedes Detail sichtbar sein und es wird durch eine durchgängig gute Schärfe brillieren. Aber die wahre Geschwindigkeit, Schnelligkeit oder Bewegung können Sie durch diese eingefrorenen Aufnahmen nicht vermitteln. Hierzu bedarf es einer anderen Technik, dem Mitziehen. Wählen Sie hierzu eine relativ lange Belichtungszeit, zum Beispiel 1/30 Sekunde und Sie erreichen durch das Mitziehen der Kamera parallel zur Bewegung des Sportlers eine gewollte Bewegungsunschärfe. Das Hauptmotiv, der Skifahrer, wird auf diese Weise scharf abgebildet, der Vorder- und Hintergrund als Bildelemente verschwimmen. Als Ergebnis erhalten Sie ein Foto mit fühlbarer Geschwindigkeit. Je länger die Verschlusszeit, desto unschärfer die Umgebung. Allerdings wird es mit sinkender Belichtungszeit immer schwieriger, das Hauptmotiv scharf abzubilden.

Um den Skifahrer beim Passieren des Tors einzufrieren, sind extrem kurze Belichtungszeiten notwendig. Die lange Brennweite reduziert die Tiefenschärfe, also müssen Sie eine kleine Blende wählen, um den gesamten Sportler scharf abzubilden. Das führt hier zur Wahl eines hohen ISO-Werts. Kamera: Canon EOS 1D-Mark II – Belichtung 1/2500 Sek. bei f/8.0 – Brennweite 400 mm – ISO 500. Foto: Floconagile

Warum Schnee blau ist Fotos, die Sie im Schnee aufgenommen haben, wirken oft kühl und etwas blaustichig, selbst dann, wenn Ihre Kamera sonst eher zu einem kleinen Rotstich neigt. Denn das Blau des Himmels wird vom Schnee reflektiert und taucht so das ganze Bild in einen leichten Blauton. Das menschliche Auge beziehungsweise Gehirn kompensiert diesen Blaustich, da wir wissen, dass Schnee weiß ist. Auf dem Foto macht sich dieser Farbstich allerdings bemerkbar, da hier die Rahmenbedingungen für die Kompensation fehlen. Gerade bei Winterfotos, die ja auch Kälte symbolisieren, muss dieser Farbstich nicht störend wirken, da er auch sehr viel zur Stimmung des Bilds beitragen kann. Bei manchen Fotos stört der Blauton allerdings oder er ist zu stark. Der Farbstich lässt sich im Nachhinein bei der Bildbearbeitung durch Setzen des Weißpunkts schnell korrigieren. Wenn Sie im RAW-Format fotografieren, braucht Sie der Weißabgleich nicht zu kümmern, da Sie die Farbtemperatur hier komfortabel bei der Konvertierung einstellen. Wenn Sie eher zu puristischer Bildbearbeitung neigen, können Sie mit der DSLR natürlich auch einen manuellen Weißabgleich machen.


Wassersport Wassersportarten sind häufig schneller, als Sie zunächst vermuten würden. Und auch hier erfordern die Umgebungsbedingungen eine sorgfältige Vorbereitung. Ein großer Vorteil ist, wenn Sie Zugang zu einem Boot haben, um nahe an das Geschehen heranzukommen. Aber da der Wassersport zunehmend an Zuschauern interessiert ist, verlagert er sich mehr und mehr in Ufernähe, so dass Sie auch dort gute Chancen auf spektakuläre Aufnahmen haben. Sie müssen nicht selber segeln oder Boot fahren können, um schöne Aufnahmen zu bekommen. Es reicht, wenn Sie ein Gespür für den Moment und das Motiv haben. Auch wenn einige Wassersportarten sehr schnell sind, dauern die Events doch oft mehrere Stunden oder Tage. Sie haben also reichlich Gelegenheit, sich an das gelungene Foto heranzutasten. Die kurze Verschlusszeit lässt das umher spritzende Wasser einfrieren und verleiht dem Bild die notwendige Dynamik. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 100-300 mm f/4.0er Objektiv – Belichtung 1/2000 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 330 mm – ISO 200. Foto: Martin Schwabe

Die Ausrüstung Wind, Sand, Wasser und Salz – die vier Feinde Ihrer Ausrüstung – werden Ihnen immer wieder begegnen. Wind an sich wäre kein großes Problem, wenn er nicht oft feinen Sand oder Gischt, also feine Wassertropfen, mit sich führen würde. Vermeiden Sie daher wenn möglich den Objektivwechsel am Strand oder auf dem Wasser, um keinen Sand und keine Gischt in das Gehäuse zu bekommen. Wenn sich ein Objektivwechsel nicht vermeiden lässt, dann suchen Sie sich eine möglichst geschützte Ecke oder Sie wechseln das Objektiv unter einem Tuch oder einer Decke. Sand ist schon ein schwerwiegenderes Problem, da er auch in die kleinsten Ritzen eindringt. Ist der Wind zu stark, verzichten Sie besser Ihrer Kamera zuliebe auf die Fotos. Denn haben Sie einmal Sand im Gehäuse, ist ein kapitaler Schaden an der empfindlichen Mechanik vorprogrammiert.


alten Sie auf jeden Fall einen Pinsel oder einen Blasebalg bereit, um H anhaftenden Staub sanft entfernen zu können. Wasser ist relativ unproblematisch. Die meisten Kameras vertragen durchaus einige Wassertropfen, ohne gleich Kurzschlüsse zu bekommen. Zusammen mit Salz ist Wasser allerdings Gift für jede Kamera, da salzhaltiges Wasser extrem korrosionsfördernd ist und auf der Linse schnell einen schmierigen Film hinterlässt. Halten Sie daher immer ein kleines Fensterleder oder ein Mikrofasertuch bereit, um Wassertropfen schnell von Kamera und Linse entfernen zu können. Wenn Sie von einem kleinen Boot aus fotografieren, sind Fototasche oder Fotorucksack nur noch bedingt geeignet, um Ihre Ausrüstung zu transportieren. Besser sind wasserdichte Kunststoffkisten oder -taschen, die möglichst schwimmfähig sind. Eine gute Nachricht gibt es: Wassersport findet primär im Sommer statt und am Wasser ist es immer sehr hell. Sie werden zwar lange Brennweiten ab 200 mm benötigen, aber die Lichtstärke ist nicht so wichtig. Eine Anfangsöffnung von f/5.6 sollte in den meisten Fällen völlig ausreichen. Ein Polfilter hilft Ihnen, unerwünschte Reflexionen des Wassers zu filtern. Ein UV-Filter schützt Ihre Frontlinse nicht nur vor unliebsamen Begegnungen mit Wasser und Sand, sondern filtert auch die teilweise extreme UV-Strahlung zuverlässig. Der Verlust an Lichtstärke bei Polfiltern sollte im Normalfall keine Rolle spielen.

Die Bildgestaltung Im Wassersport gibt es zwei klassische Aufnahmesituationen – nah dran und weit weg. Da wir aber die Sportler porträtieren wollen und nicht die Boote oder die gesamte Regatta, bleibt Ihnen nur noch eine: nah ran. Wenn Sie die Möglichkeit haben, stellen Sie die Akteure in das ZenTrimaran-Segler beobachten den Gegner und trimmen das Segel um das "Letzte" an trum des Fotos. Kite-Surfen ist eine relativ Tempo aus dem Boot zu holen (bis zu 70 km/h). Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit junge Sportart, die nah am Ufer stattfindet, 18-125 mm f/3.0-5.6er Objektiv – Belichtung 1/1500 Sek. bei f/4.8 – Brennweite 27 da die Sportler flaches Wasser bevorzugen mm – ISO 100. Foto: Martin Schwabe und, um Tempo zu machen, bis auf wenige Meter an den Strand heranfahren. Sie können sich also bequem an den Strand setzen und das Motiv im wahrsten Sinne des Wortes auf sich zukommen lassen.


Verwenden Sie lange Brennweiten mit möglichst offener Blende. So werden die vorderen Boote durch die Unschärfe des Hintergrunds schön freigestellt. Der Blick des Betrachters bleibt bei den Sportlern im Vordergrund hängen. Die Sonne im Rücken ist dabei oft von Vorteil. Allerdings wird es Ihnen nicht immer gelingen, mit der Sonne im Rücken zu fotografieren, da die Segler mehr an der Windrichtung als am Sonnenstand interessiert sind. Ein wenig Gegenlicht ist allerdings nicht allzu tragisch. Eine gezielte Überbelichtung von einer halben bis ganzen Blende gleicht die dunklen Kontraste im Schatten aus und lässt die Segel effektvoll weiß erstrahlen. Haben Sie keine Möglichkeit, auf ein Boot zu kommen, dann suchen Sie sich einen Standpunkt nah am Wasser, möglichst mit freier Rundumsicht. Ein Telezoom ist in diesen Fällen ein wertvolles Werkzeug, da Sie so auf die variierenden Abstände der Akteure reagieren können.

Segelmotive können auch im quadratischen Format eine ansprechende Wirkung haben, sofern das Motiv geeignet ist. Die Action-Aufnahme hebt den Vorschoter schön von dem unscharfen Hintergrund ab. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 100-300 mm f/4.0er Objektiv – Belichtungszeit 1/1500 Sek. bei f/4.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Martin Schwabe

Die Aufnahmetechnik In der Wassersportfotografie lässt sich eine lange Brennweite nur durch noch mehr Brennweite ersetzen. Die passende Verschlusszeit ergibt sich fast zwangsläufig aufgrund der Helligkeit. Achten Sie auf jeden Fall auf Verschlusszeiten oberhalb von 1/500 Sekunden, besser sogar 1/1000 Sekunden, um das umherspritzende Wasser in der Bewegung einzufrieren. Grundsätzlich sollten Sie den Ausschnitt eher größer wählen als zu eng, insbesondere, wenn Sie vom Boot aus fotografieren. Denn die Eigenbewegung des Boots, auf dem Sie stehen, wird Ihnen oft genug einen zu schiefen Horizont bescheren. Am PC lassen sich große Bildausschnitte besser korrigieren als fehlende Bildteile. Offene Blenden haben den Vorteil, dass sich das Motiv durch die Unschärfe des Hintergrunds gut von diesem abhebt. Dunst und Nebel, wie sie heutzutage eigentlich fast immer vorhanden sind, fördern die Unschärfe allerdings zusätzlich. Während der Vordergrund, also das Hauptmotiv, noch klare Farben aufweist, wird der Hintergrund durch den Dunst leicht überstrahlt und farblich flau, in diesem Fall ein gewünschter Effekt.


Wo fotografiert man Wassersportler? Wassersport bedeutet Sommerzeit – zumindest in Deutschland. Abgesehen von einigen Veranstaltungen auf den großen Binnenseen konzentrieren sich die meisten Sportarten auf die Küsten an der Nord- und Ostsee. Ab Mai beginnen die ersten größeren Regatten der Segelboote. Wenn das Wasser wärmer wird, ziehen die Sportarten mit mehr Wasserkontakt nach, also die Surfer, Kiter und andere Wasserakrobaten. In den großen Küstenstädten im Norden wie Lübeck (Travemünde), Kiel, Flensburg, Rostock und Stralsund finden den ganzen Sommer über zahlreiche Wassersport-Events statt, die insofern für Fotografen interessant sind, als es keine Ebbe und Flut gibt und Sie daher immer nah ans Wasser kommen. Aber auch auf Sylt oder vor Cuxhaven oder Wilhelmshaven gibt es immer wieder spannende Veranstaltungen. Manche Sportarten lassen sich sogar nur an einem Ort durchführen. Dazu gehört zum Beispiel das jährliche Strandsegeln in St.-Peter-Ording. Denn dort befindet sich der einzige befahrbare Strand. Herausragend als größtes Segelereignis der Welt ist sicherlich die Kieler Woche mit über 5.000 aktiven Seglern. Sie findet jedes Jahr in der letzten Juniwoche statt. Wenn Sie ein Faible für maritime Motive haben, wird diese Woche für Sie ein fotografisches Highlight sein. Zwar lassen sich nicht alle Sportarten gleich gut und einfach fotografieren, aber die Segler sind in den letzten Jahren zunehmend auch an Zuschauern interessiert. Daher werden die Regatten immer mehr in die Innenhäfen und Förden verlegt, um den Zuschauern auch vom Ufer aus eine gute Sicht zu bieten.

Eine etwas andere Gruppenaufnahme: Die gesamte Crew sitzt auf einer Seite des Schiffs, um es zu trimmen, und segelt entspannt vor dem Wind. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 100-300 mm f/4.0er Objektiv – Belichtung 1/1500 Sek. bei f/4.0 – Brennweite 450 mm – ISO 400. Foto: Martin Schwabe


Insbesondere Motorsport auf dem Wasser, wie Schlauchbootrennen, Jetski-Akrobatik oder PowerBoote, kommen teilweise bis in die Innenhäfen. Auch Surfer und Kiter können Sie durchaus gut vom Strand oder Ufer aus fotografieren. Sie sollten allerdings auf jeden Fall Ihr Objektiv mit der längsten Brennweite mitnehmen und auch ein Stativ ist trotz ausreichendem Licht eine gute Hilfe. Denn so ermüdet Ihr Arm nicht, wenn Sie einige Stunden auf der Jagd nach schönen Szenen am Ufer stehen.

Porträt eines offensichtlich glücklichen Seglers beim Raffen des Segels. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 100-300 mm f/4.0er Objektiv – Belichtung 1/750 Sek. bei f/6.7 – Brennweite 250 mm – ISO 400. Foto: Martin Schwabe

Die eigentlichen Segelregatten sind allerdings vom Ufer aus selten wirklich gut zu sehen. Die Boote brauchen gleichmäßigen Wind und vor allem Platz. Gute Segelbilder gelingen Ihnen hier nur, wenn Sie selber auf dem Wasser sind. Wenn Sie ein eigenes Boot besitzen, dürfte es kein Problem sein, sich den Regattafeldern zu nähern. Achten Sie aber bitte auf die Besonderheiten der Absperrungen und stören Sie den Regattaablauf nicht. Wenn Sie kein eigenes Boot haben, bietet sich eigentlich immer irgendwo eine Regattabegleitfahrt an, bei der erfahrene Skipper mit großen Booten zu den interessanten Regatten hinausfahren und die Schiffe so positionieren, dass Ihnen schöne Fotos gelingen.

Tipps ●

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Nehmen Sie immer die längsten Brennweiten mit, die Sie besitzen. Arbeiten Sie mit kurzen Verschlusszeiten. Sie sollten immer ein Linsen-Fenstertuch griffbereit haben, um Salzwasser schnell entfernen zu können. Sonne im Rücken ist empfehlenswert, allerdings hat auch Gegenlicht, durch Segel verdeckt, einen großen Reiz. Vermeiden Sie aufgrund von Salz und Sand Objektivwechsel. Verstauen Sie Ihre Ausrüstung wasserfest. Verwenden Sie Matrixmessung für eine ausgeglichene Belichtung. Unerwünschte Reflexionen auf dem Wasser entfernen Sie mit einem Polfilter. Auch Dunst und Nebel lassen sich mit einem Polfilter wirksam reduzieren.

Schwimmen Es gibt im Wasser nicht viele Sportarten, die so schnell und dynamisch sind wie der Schwimmsport. Gerade bei öffentlichen Veranstaltungen und Wettkämpfen finden sich die unterschiedlichsten Sportler ein, die man sich vorstellen kann: junge Wilde, athletische Jugendliche sowie bedächtige Oldies. Aber es sind nicht nur die unterschiedlichen Menschen und deren Eigenarten, die die Schwimmsport-Fotografie zu einer echten Herausforderung machen. Sie ist auch deswegen so interessant, weil in diesem Genre die People-Fotografie auf die Sportfotografie trifft. Und dann sind da noch die Disziplinen und die äußeren Umstände, die einen Fotografen manchmal schier zur Verzweiflung treiben können.

Die Schwimmer und die Disziplinen Wichtig für Sie als Fotograf sind − neben dem Umgang mit dem Equipment − die unterschiedlichen Disziplinen: Freistil (allgemein als Kraul bezeichnet), Delfin (früher Schmetterling), Brust- und Rückenschwimmen. Wenn Sie sich schon mal mit dem Schwimmsport auseinandergesetzt haben − und das sollten Sie unbedingt tun, wenn Sie diesen Sport und seine Akteure fotografieren möchten −, werden Sie festgestellt haben, dass die einzelnen Disziplinen einen ganz unterschiedlichen Charakter besitzen. Der Freistil: hektisch, schnell und dynamisch. Delfin: edel, kraftraubend und ebenso elegant wie technisch anspruchsvoll. Brustschwimmen: langgezogene Schwimmzüge mit ebenso langen Tauchphasen. Rückenschwimmen: nicht ganz so dynamisch wie der Freistil, aber mit genauso viel Wasserbewegung. Diese Besonderheiten der einzelnen Disziplinen sind es, die der Fotograf neben dem Sportler im Bild festhalten sollte. Ein junger Athlet, der durchs Wasser pflügt, als würde er vom weißen Hai verfolgt, spritzendes Wasser und die Anstrengung und Konzentration, die ihm ins Gesicht geschrieben sind: Wenn Sie das alles gezielt in einem Sportfoto einfangen können, wissen Sie, was Sportfotografie bedeutet. Hierzu studieren Sie die einzelnen Schwimmer während des Schwimmens. Sind sie hektisch oder eher ruhig? Wie atmen sie? Nur zu einer Seite oder bevorzugen sie die 3er- oder 5er-Atmung? Kommen sie beim Brustschwimmen oder beim Delfin hoch genug aus dem Wasser oder müssen Sie sie schon in der

Eine ungewöhnliche Aufnahme zeigt die Sportlerin in voller Konzentration vor dem Start, hier wird die Nähe zur People-Fotografie besonders deutlich. Kamera: Canon EOS 5D mit 70 – 200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)


Auftauchphase fotografieren? Das sind neben vielen weiteren Fragen die grundlegenden Dinge, die Sie beachten sollten, wenn Sie tolle Fotos dieser Sportart schießen möchten.

Location und Ausrüstung Weiter geht es mit der Location und dem Licht: Wie ist das Becken aufgebaut? Findet die Veranstaltung in einem Freibad mit viel Licht statt oder handelt es sich um ein Hallenbad, in dem Sie zwangsläufig Ihren Aufsteckblitz verwenden müssen? Wie bei allen anderen Sportarten, die fotografisch festgehalten werden, gilt auch beim Schwimmsport: je näher, desto besser. Lange Brennweiten mit lichtstarken Objektiven sind auch im Schwimmsport die beste Wahl: je länger, desto besser. Auch wenn Sie einen Blitz verwenden, sollte der ISO-Wert nicht höher als 800 sein. Glücklicherweise wirkt sich das viele Blau des Wassers positiv auf das Rauschverhalten aus, so dass auch bei schlechtem Rauschverhalten Ihrer Kamera die Bilder noch akzeptabel werden. Mehr als um eventuell störendes Bildrauschen sollten Sie sich allerdings um eingefrorene Wassertropfen und die Schwimmer selbst kümmern, die ein gutes Schwimmsportfoto ausmachen.

Die Vorbereitungen

Beim Rückenschwimmen, wie bei diesem Foto, kann auch schon einmal ein Hochformat die Bewegungsdynamik einfangen. Kamera: Canon EOS 5D mit 70 – 200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1600 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Was Sie auf keinen Fall vergessen sollten, ist, die Kamera zirka 30 Minuten vor dem Wettkampf vorzubereiten. Sie müssen sie den klimatischen Bedingungen der Schwimmhalle, der Wärme und der hohen Luftfeuchtigkeit aussetzen. Dadurch vermeiden Sie das Anlaufen und Beschlagen der Objektive, des Spiegels und sonstiger optischen Teile, die das Bild später negativ beeinflussen könnten. Wenn Sie die Kamera vorbereiten, denken Sie auch an geeignete Kleidung: Eine kurze Sporthose, Badeschlappen oder saubere Turnschuhe sowie leichte Oberbekleidung, zum Beispiel ein T-Shirt, sind unabdingbar. Was das Spritzwasser angeht, so achten Sie darauf, dass Ihre Kamera nicht unnötig viel davon abbekommt. Ein paar Wassertropfen machen den meisten Kameras nichts aus. Aber nicht jeder hat ordentlich abgedichtete Kameras und Objektive, die auch mal einen ganzen Schwall Wasser aushalten.

Die Aufnahmetechnik Wenn Sie gelungene Aufnahmen erhalten möchten, verzichten Sie nicht auf einen leistungsfähigen Aufsteckblitz. Auch wenn das Licht in der Schwimmhalle hell genug scheint, so schadet es auf keinen Fall, die Szene


noch zusätzlich aufzuhellen. In Schwimmhallen kommt das Licht überwiegend von der Decke und nur beim Rückenschwimmen ist das Gesicht des Schwimmers ausreichend ausgeleuchtet, weil er dann nach oben schaut. In den meisten Fällen ist man also froh, dem Athleten noch etwas Licht mitzugeben. Hier brauchen Sie keine Angst zu haben, den Sportler zu stören. Die Schwimmer bekommen in ihrer Konzentration kaum mit, dass sie fotografiert werden, und dass es ab und an einmal blitzt, wird selten registriert. Von irgendwelchen Filtern würde ich Ihnen abraten. Die meisten Filter rauben Ihnen nur wertvolles Licht und bringen in dieser Aufnahmesituation kaum Verbesserungen mit sich. Sinnvoller ist es, eine Gegenlichtblende auf das Objektiv zu schrauben. So ist die Linse ausreichend gegen Wasser und vor allem gegen Stöße geschützt. Die Kamera ist bereit, der Blitz aufgesteckt und aufgeladen. Der Schwimmer steht auf dem Startblock und der Startrichter lässt die Trillerpfeife losschrillen. Jetzt muss alles sehr schnell gehen. Ein 100-Meter-FreistilWettbewerb dauert zirka 1 Minute. Der Schwimmer kommt in dieser Zeit viermal an Ihnen vorbei, wenn es sich um ein 25-Meter-Becken handelt. Sie haben somit auch nur vier Chancen, den Schwimmer ordentlich abzulichten, und das auch nur dann, wenn er wechselseitig atmet. Rücken und Freistil können Sie hervorragend von der Seite des Beckens aus fotografieren, Delfin und Brust sind jedoch von vorne fotografiert am eindrucksvollsten. Also informieren Sie sich immer über die Abfolge der Disziplinen, damit Sie die beste Aufnahmeposition wählen können. Mit offenen Blenden und kurzen Belichtungszeiten lassen sich so sehr schöne Sportbilder machen. Stellen Sie die Kamera ruhig auf eine Zeitautomatik (A oder Av) ein, wählen Sie die Blende vor und lassen Sie die Kamera die Belichtungszeit ausrechnen. Aber Achtung: Bereiten Sie den Blitz auf kürzeste Belichtungszeiten vor. Sie arbeiten hier mit Verschlusszeiten von 1/1000 Sekunde und kürzer, die der Blitz sonst nicht schafft.

Das Querformat eignet sich in den meisten Fällen am besten, insbesondere für Aufnahmen von vorne wie bei diesem Brustschwimmer. Kamera: Canon EOS 5D mit 70 – 200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1600 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Schön sind auch Bewegungsstudien eines Schwimmers, hier bei der Disziplin 100-Meter-Lagen beim kraftvoll dynamischen Delfin-Schwimmen. Kamera: Canon EOS 5D mit 70 – 200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/4000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 200 mm – ISO 800. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Bei der Bildgestaltung haben Sie freie Hand. Sie können Ihre Kreativität ausleben, wie Sie es bevorzugen. Normal ausgeleuchtete Bilder oder Gegenlichtaufnahmen, eingefrorene Bewegungen oder dynamische Bewegungsschlieren − alles ist möglich.


American Football Dynamik, Explosivität, Brutalität, Geschwindigkeit, Emotionen, das macht den American Football aus. Dies aufs Foto zu bannen und den Betrachter damit zu faszinieren, ist die hohe Kunst in dieser Disziplin der Sportfotografie. Von total erschöpften Spielern über einen Trainer, der aus Frust seine Unterlagen in den Dreck wirft, bis hin zu fliegenden Tackles: Hier finden Sie als actionsportbegeisterter Fotograf alles, was Sie sich nur wünschen. Nicht nur das ist es, was das Spiel unglaublich lebendig macht. Da wären auch noch das Publikum, das einen Höllenlärm veranstaltet, die Cheerleader, die durch ihre akrobatischen Darbietungen die Blicke auf sich ziehen, und die Show, die jedes Football-Spiel begleitet. Von den Pre- und Aftergamepartys mal ganz abgesehen.

Die Spieler und ihre Positionen Bevor wir uns der Fotografie widmen, sollten wir uns auf jeden Fall anschauen, wie dieses Spiel funktioniert. Wie in allen anderen Sportarten gibt es Spieler, die nur für bestimmte Positionen ausgebildet wurden, die ihnen von ihren Trainern zugewiesen werden. Es gibt Spielpositionen, die actiongeladen sind, und es gibt solche, die eher statisch oder „langweilig“ sind. Wichtig für Sie zu wissen ist, wer wo auf dem doch sehr großen Spielfeld welche Position einnimmt. Möchten Sie zum Beispiel den Quarterback beim Wurfversuch ablichten, sollten Sie sich auch auf dessen Höhe am Spielfeldrand befinden. Suchen Sie sich Spieler und Positionen aus, die Sie fotografieren möchten, alles andere sind Zufallsergebnisse.

Der Anstoß nach Beendigung eines Spielzugs, das Down, ist immer ein gutes Motiv, die Spieler in ihrer bulligen Schutzkleidung in voller Konzentration auf das Bild zu bannen. Kamera: Canon EOS 5D mit 70 – 200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de) 220 Kapitel 12 | Event-Fotografie

Was wichtig ist: Beschäftigen Sie sich mit dem Spiel, bevor Sie versuchen, es zu fotografieren. Es ist komplexer und komplizierter, als Sie zunächst wahrscheinlich annehmen. Fachleute sprechen vom „Rasenschach“, wenn sie American Football meinen. Als Außenstehender weiß man nie, was einen gerade wo auf dem fußballfeldgroßen Rasen erwartet.

Die Location und die Ausrüstung Die Location

Auch die ruhigen Momente außerhalb des Spielfelds liefern beeindruckende Motive, wie den Spieler auf der Bank, der sich mental auf seinen nächsten Einsatz vorbereitet. Kamera: Canon EOS 5D mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/800 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 220 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Football wird auf Rasenplätzen gespielt. Da die meisten Stadien im Spielfeldbereich ohne Überdachung konstruiert wurden, klären Sie auf jeden Fall vor dem Weg ins Stadion das Wetter. Tragen Sie festes Schuhwerk, am besten Wanderstiefel oder Boots, und passen Sie auch Ihre sonstige Kleidung entsprechend an. Bei schönem Wetter kann sicherlich auf die Regenjacke verzichtet werden, aber dann ist eine Baseball-Mütze zum Schutz gegen die Sonne unverzichtbar. Ein Football-Spiel dauert gerne schon einmal 3 bis 4 Stunden und bei knallender Sonne ist ein leichter Sonnenbrand auf der Stirn nur das Geringste, was Ihnen blüht. Sollte es regnen, so vergessen Sie auf keinen Fall den Regenschutz für Ihre Ausrüstung. Es gibt in den wenigsten Stadien Unterstellmöglichkeiten für Sie oder Ihr Fotomaterial.


Die Ausrüstung Lange Brennweiten sind hier unbedingt erforderlich, wenn Sie die Spieler auch während des Spiels groß aufs Foto bekommen wollen. Blitzlicht wird von den Spielern nicht gerne gesehen und ist auch über die Distanz nicht wirkungsvoll. Greifen Sie deshalb besser auf hohe ISO-Werte zurück und wählen Sie kurze Belichtungszeiten. Wenn Sie sehr lange Brennweiten verwenden, darf auch ein Einbein-Stativ nicht fehlen. Tri-Pods (Dreibeinstative) sind nicht erlaubt. Wenn ein Spieler auf Sie zustürmt und Sie wegen Ihres Stativs nicht schnell ausweichen können, ist das Sicherheitsrisiko zu hoch. Dann gehen neben dem Stativ und Ihrer Fotoausrüstung eventuell auch noch Ihre Knochen zu Bruch – und kein Foto ist Ihre Gesundheit wert. Am Spielfeld gibt es Zonen, die betreten werden dürfen, und es gibt solche, die als absolutes Tabu gelten. Die Team-Zone zum Beispiel dürfen Sie nicht betreten. Außer den Spielern, Trainern, Betreuern oder anderen Mannschaftsmitgliedern ist der Zutritt hier absolut untersagt. Rund um das Spielfeld jedoch ist das Fotografieren normalerweise erlaubt. Stellen Sie sich darauf ein, während des Spiels sehr häufig die Position wechseln zu müssen, aber daran werden Sie sich schnell gewöhnen und es wird Ihnen Spaß machen. Auch die Szenen nach dem Spiel gehören dazu, egal, ob Verlierer oder Gewinner wie hier. Kamera: Canon EOS 5D mit 15-30 mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtungszeit 1/125 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 36 mm – ISO 100. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Die Vorbereitungen Seien Sie am besten mindestens 30 Minuten vor Spielbeginn im Stadion. Denn dann haben Sie die Möglichkeit, die Belichtungen zu messen und Ihre Ausrüstung startbereit zu machen. Zu einem Football-Spiel nehme ich meist die folgende Ausrüstung mit: ● ●

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2 Kamera-Bodys 3 Objektive: – 70-200 mm f/2.8 Telezoomobjektiv – 24-70 mm f/2.8 Weitwinkelzoomobjektiv – 15-30 mm f/3.5-4.5 Weitwinkelzoom 2-fach-Telekonverter

Auf der einen Kamera ist ein 70-200-mm-Telezoomobjektiv mit einer Lichtstärke von f/2.8 montiert und auf der anderen ein Weitwinkelzoomobjektiv mit einer Brennweite von 24-70 mm und einer Lichtstärke von ebenfalls f/2.8. Das dritte Objektiv, ein 15-30-mm-Weitwinkelzoom mit einer Lichtstärke von f/3.5-4.5, tausche ich bei Effektaufnahmen gegen das 24-70er Objektiv. Den Telekonverter nutze ich in Verbindung mit dem


70-200er-Objektiv, dann muss ich auch unbedingt das Einbein-Stativ verwenden. 400 mm aus der Hand zu halten, ist auch bei kurzen Belichtungszeiten trotz Bildstabilisator kaum möglich, ohne verwackelte Aufnahmen zu erhalten. Die Belichtungsmessung gestaltet sich relativ einfach. Vor dem Spiel tummeln sich immer einige Spieler auf dem Spielfeld, um sich aufzuwärmen. Machen Sie einige Probeaufnahmen von ihnen und ermitteln Sie so Ihre optimale Belichtungszeit und die Blende. Verwenden Sie hierbei die Spotmessung, damit der Spieler oder die Spielszene optimal belichtet werden und Ihr Motiv nicht durch einen zu hellen Himmel oder durch einen zu dunklen Hintergrund falsch belichtet wird. Passen Sie vorher die ISO-Werte so weit an, dass das Ergebnis noch gut bis akzeptabel ist. Die Werte können von Kamera zu Kamera sehr unterschiedlich sein. Stellen Sie dann Ihre Kamera auf manuellen Betrieb um und geben Sie die Aufnahmeparameter so ein, wie sie Ihnen aufgrund der Testfotos am besten geeignet erscheinen. Die Kamera sollte nicht auf irgendeiner Automatikeinstellung stehen. Denn schnell kann Ihnen dann bei Gegenlichtaufnahmen das Hauptmotiv „absaufen“ (es ist unterbelichtet) oder vor dunklem Hintergrund der Spieler „überstrahlen“ (er wird überbelichtet).

Die action-geladenen Spielszenen, hier wird gerade der im Ballbesitz befindliche Spieler getackelt, erfordern von Ihnen als Fotograf ebenfalls eine schnelle Reaktion am Auslöser. Kamera: Canon EOS 5D mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv mit 2-fach Telekonverter – Belichtungszeit 1/640 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 480 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Ob Sie den Autofokus verwenden oder die Autofokusnachführung (kontinuierlicher Fokus, AI Servo), hängt von der Geschwindigkeit der Nachführung Ihrer Kamera ab. Bei Einsteigermodellen im DSLR-Bereich ist dieser häufig zu langsam, so dass Sie mit dem Autofokus ohne Nachführung die besseren Fotos machen. Je nach Kamera bieten sich auch für bestimmte


Spielszenen Serienaufnahmen an. Das beste Foto der Szene können Sie dann in Ruhe zu Hause am Rechner aussuchen.

Die Aufnahmetechnik Die Kameraeinstellung Die bei den Vorbereitungen getroffenen Kameraeinstellungen sollten Sie unbedingt einhalten, um schnell gute Fotos machen zu können. Das Spiel ist rasant und somit bleibt Ihnen sehr wenig Zeit, um sich jedes Mal erneut auf eine Spielsituation einzustellen. Lange Brennweiten, kürzeste Belichtungszeiten, mehr braucht es nicht, aber das ist auch das „A und O“ der Sportfotografie. Erfahrung und Geduld Besondere Fotos, die nur indirekt mit dem sportlichen Gesche- sind hier unabdingbar, aber das ist nichts, was Sie von heute hen zu tun haben, sind immer wieder ein Hingucker. Hier ein auf morgen von sich erwarten sollten. Spieler, der sich gerade mit Wasser eine Erfrischung gönnt. Sie sehen das Wasser deutlich spritzen. Kamera: Canon EOS 5D mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1200 Sek. Die Kameraposition bei f/2.8 – Brennweite 200mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt Ebenfalls wichtig für effektvolle Aufnahmen ist der Kame(www.foto-brandt.de)

rastandpunkt. Je tiefer Sie die Kamera führen, desto athletischer und dynamischer wirken die Szenen. Bei kürzesten Belichtungszeiten werden hierbei dann selbst herumfliegende Grasfetzen oder Schweißtropfen der Spieler eingefroren. So wirken die Aktionen auf dem Spielfeld für den Betrachter Ihrer Fotos noch lebendiger.

Motive außerhalb des Spielgeschehens

Ein Foto von den Cheerleadern sollte nicht fehlen, um das Spielgeschehen umfassend zu dokumentieren. Und natürlich sind die Mädchen auch immer ein hübscher Anblick. Kamera: Canon EOS 5D mit 15-30 mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 22 mm – ISO 1250. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)


Aber achten Sie nicht nur auf das Spiel. Am Spielfeldrand gibt es ebenfalls eine Menge zu sehen. Fotografieren Sie auch einmal den Trainer, wenn er sich über eine Fehlentscheidung aufregt. Oder erwischen Sie einen Spieler, der sich gerade mit Wasser aus der Flasche eine Erfrischung gönnt, indem er sich das kühle Nass ins Gesicht spritzt. Das alles sind Situationen, die auch das Spielerlebnis prägen und die ebenfalls sehr gerne gesehen werden, weil Fotografen eben nicht so häufig darauf achten. Auch die Cheerleader sind immer ein Foto wert, egal, ob bei ihrer eigenen Show oder beim Anfeuern der Mannschaft während des Spiels. Versteifen Sie sich also nicht zu sehr auf das Spiel als solches und Sie werden sehen, die Bilder werden besser, als Sie vorher angenommen hätten. Dynamik, Action, Schnelligkeit und Emotion, all das finden Sie beim American Football.

Gerade bei Bühnenfotografie wie hier im Circus Flic Flac (Hand auf Hand: Mehmed Mehmedov und Sezgin Ahmedov) sind hohe ISO-Werte und offene Blenden unvermeidbar. Dennoch entstehen mit nur geringer Nachbearbeitung tolle rauscharme Fotos. Kamera: Nikon D200 mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/15 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 157 mm – ISO 2000. Foto: Carina Meyer-Broicher

Aufführungen Die Bretter, die die Welt bedeuten … und mögen sie noch so klein sein, stellen Sie doch alle eine ganz besondere Herausforderung an Sie als Fotografen. Das Fotografieren von Aufführungen reicht vom Theater mit und ohne Gesang auf großen und kleinen Bühnen, Konzerten auf dem Dorfplatz und in großen Arenen bis hin zum Pantomimen in der Fußgänger zone. Auch dieses Genre der Eventfotografie gelingt nicht beim ersten Versuch und bedarf ein wenig Übung und Geschicklichkeit. Wir treffen auch hier auf viele Aufnahmeparameter, die wir nicht beeinflussen können. Aber mit ein wenig Übung lassen sich auch diese meistern. Der Fotograf der darstellenden Künste muss ein Multitalent sein und die Fotografie der verschiedensten Genres beherrschen: Aus der Sportfotografie sollten Sie das richtige Gefühl für Bewegung und Höhepunkte mitbringen, der Fotojournalist in Ihnen findet sich mit den widrigen Lichtverhältnissen bestens zurecht und der People-Fotograf hat das Gespür für die besondere Stimmung der Szene, um Mimik und Ausdruck des Künstlers einzufangen. Auch die Straße ist eine Bühne. Close-up eines Straßenkünstlers, einer sogenannten lebenden Statue. Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/1000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Vorbereitungen auf das Event In der Sportfotografie hilft es Ihnen, die Bewegungs- und Wettkampfabläufe zu kennen. Und so nützt es mir, mich mit dem Stoff eines Theaterstücks vertraut zu machen. So kenne ich schon vorher die Höhepunkte und Schlüsselszenen. Noch einfacher ist es, wenn Sie die Veranstaltung zunächst ohne Kamera besuchen und sich so auf die Lichtverhältnisse und Punkte des Hauptgeschehens auf der Bühne einrichten können. Natürlich ist das leider häufig nicht möglich, aber vielleicht haben Sie die Chance, einmal eine Probe zu besuchen und auch da fotografieren zu dürfen und insbesondere einen Blick hinter die Kulissen zu werfen.

Bildformat und -beschnitt Auf noch so großen Bühnen und bei noch so aufwändigem Bühnenbild ist der Blick des Zuschauers in der Regel auf einen sehr kleinen Ausschnitt fokussiert, in dem der Hauptakteur der jeweiligen Szene gerade agiert. Als Fotograf sollten Sie den Blickwinkel des Zuschauers nachvollziehen und Ihre gesamte Aufmerksamkeit auf den Darsteller richten. Um den Kontext besser zu dokumentieren, können Sie im Hintergrund und ohne Fokus das Bühnenbild oder die Nebendarsteller der Szene mit aufs Bild nehmen.

Ein einzelner Spot gibt der Szene im Stück "SchepperdiHex" im Theater "Alte Feuer wache", Bad Nauheim noch ein wenig zusätzliches Licht und fängt die Theater atmosphäre sehr gut ein. Kamera: Canon EOS 10D mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/15 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 48 mm – ISO 1600. Foto: Barbara Thielen (www.blickpunkt-fotografie.de)


Der Ausschnitt orientiert sich ebenso wie das Bildformat allerdings ganz stark daran, was gerade auf der Bühne passiert. Eine Hebefigur im Ballet oder im Zirkus vermittelt im Anschnitt in den seltensten Fällen ein Bild vom Geschehen. Hier sind Aufnahmen in der Totalen das Mittel der Wahl. Zusätzlich können Sie dann ein Close-up des Akteurs zeigen, dem die Anstrengung vielleicht im wahrsten Sinne des Wortes ins Gesicht geschrieben steht.

Ausrüstung Der Wechsel von der Totalen zum Close-up gibt Ihnen praktisch auch schon Ihre Ausrüstung vor: Ein Tele-Zoom ist auch in diesem Genre die beste Wahl, um solche schnellen Wechsel vollziehen zu können. Da die Verwendung von Blitzlicht auch hier in der Regel nicht gestattet ist, müssen Sie die oft spärliche Beleuchtung mit lichtstarken Objektiven kompen-

sieren. Ein 70-200 mm f/2.8er Tele-Zoomobjektiv ist meine Empfehlung. Wenn möglich, verwenden Sie auch hier ein Einbeinstativ, um das Verwackeln zu vermeiden. Ein Objektiv mit Bildstabilisator gibt Ihnen noch zusätzlichen Spielraum.

Aufnahmetechnik und Post-Production Bei der Fotografie der schönen Künste rate ich Ihnen, wie eigentlich immer, unbedingt zur Aufnahme im RAW-Format. Denn hier gilt es ganz besonders, Widrigkeiten beim Foto selbst in der anschließenden Bildentwicklung zu kompensieren. Zunächst einmal werden Sie es trotz lichtstarkem Objektiv und Bildstabilisator mit stärkerem Bildrauschen zu tun haben. ISO-Werte von 3200 sind hier keine Seltenheit. Damit das Foto dennoch akzeptabel wird, können Sie schon bei der Entwicklung im RAWKonverter das Bildrauschen mildern. Bei Bühnenlicht kommen als zusätzliche Herausforderung noch starke Kontraste dazu. Natürlich können Sie an Ihrer Kamera im Vorfeld eine niedrige Kontrasteinstellung wählen, aber die RAW-Entwicklung bietet Ihnen deutlich mehr Spielraum. Auch der Weißabgleich wird sich am Monitor deutlich einfacher gestalten. Bühnen werden oft mit den verschiedensten Lichtquellen in mehreren Farben und mit unterschiedlichster Farbtemperatur beleuchtet. Mit bloßem Auge werden Sie keinen Unterschied erkennen, Sie müssten sich aber im JPG-Format für einen Kunst-, Tageslicht- oder automatischen Weißabgleich entscheiden. Am Bildschirm können Sie individuell entscheiden, welche Lichtstimmung das Foto am besten unterstützt. Bei der Belichtungsmessung bietet die Spotmessung das beste Ergebnis, insbesondere um bei Nahaufnahmen störende Lichteinflüsse anderer Lichtquellen auf der Bühne zu eliminieren. Verlassen Sie sich nicht auf eine automatische Einstellung der Kamera. Wählen Sie ISO-Wert und Blende vor und lassen Sie die Kamera wenn nötig bei schnellen Abläufen auf der Bühne die Belichtungszeit ermitteln. Das geht nicht immer gut, denn trotz ISO-Werten jenseits von Gut und Böse sowie offener Blende werden Sie häufig in Bereiche unter 1/30 Sekunde kommen, die regulär insbesondere bei den langen Brennweiten aus der Hand nicht mehr zu halten sind.

Beim Presscall zum Musical "Tanz der Vampire" in Hamburg entstanden diese beiden schönen Impressionen des Auftritts von Graf von Krolock (oben) und eine der Schlüsselszenen des zweiten Akts, indem Sarah ihm freimütig ihren Hals zum Biss anbietet (unten). Kamera: Nikon D100 mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/30 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 1600. Fotos: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)

Nach meiner Erfahrung sollten Sie sich aber nicht davon abschrecken lassen, trotzdem auszulösen. Wenn das Foto nicht verwackelt, sondern nur die bei der langen Belichtungszeit übliche Bewegungsunschärfe aufweist, entstehen durchaus sehenswerte atmosphärisch dichte Bilder, die dem Betrachter das Geschehen auf der Bühne auf das Beste vermitteln.


Konzertfotografie Der Besuch eines Live-Konzerts ist immer ein Erlebnis: Durch die effektvolle Beleuchtung und die Bühnenshow werden nicht nur die Ohren, sondern auch das Auge beglückt: Sie bekommen spektakuläre Motive für Ihre Event-Fotos vor die Linse.

Stefan Lehmann (Drums), Chris Laut und Dennis Henning – die Mitglieder der Hamburger Rockband „Ohrenfeindt“ sehr nah mit dem Weitwinkelobjektiv aufgenommen. Wenn sich die Gelegenheit bietet, entstehen so besonders dynamische Konzertfotos. Kamera: Nikon D2X mit 12-24 mm f/4.0er Objektiv – Belichtungszeit 1/160 Sek. bei f/4.0 – Brennweite 21 mm – ISO 800. Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)


Gerade in den Sommermonaten häufen sich die Konzerttermine und die Stars und Sternchen geben sich die Klinke in die Hand. Wenn Sie nicht auf dieses Genre spezialisiert sind, ist es wichtig, sich im Vorfeld zu erkundigen, ob auf dem entsprechenden Konzert überhaupt fotografiert werden darf, denn oft werden die Kameras schon am Eingang eingezogen. Meist gibt darüber die Konzertkarte Auskunft, auf deren Rückseite ein bestehendes Fotografierverbot aufgedruckt ist. Selbst wenn fotografiert werden darf, machen Sie sich schlau, für welche Zwecke Sie die Fotos verwenden dürfen, denn sehr oft ist schon die Veröffentlichung auf einer nicht kommerziellen Homepage nicht gestattet.

Konzertfotografie in der Praxis Für tolle Konzertfotos ist zunächst der Standort wichtig. Dies kann zum Beispiel ein gut gelegener Sitzplatz möglichst in der Nähe der Bühne sein. Die Lichtverhältnisse ändern sich durch die Bühnenbeleuchtung sekündlich. Seien Sie vorbereitet und haben Sie die Geduld, auf bessere Lichtverhältnisse zu warten. Bestimmt gibt es noch einen Zusatzspot auf den Sänger oder das volle Bühnenlicht gegen Ende eines Songs. Der Einsatz von Blitzgeräten verbietet sich zumeist von selbst, da sie keine ausreichende Lichtstärke und Reichweite haben und in vielen Fällen der Einsatz auch verboten ist. Bei andauernden extrem schlechten Lichtverhältnissen versuchen Sie, die Aktion auf der Bühne in der Totalen einzufangen, weil hier das Licht in der Summe besser ist und Sie so noch kurze Verschlusszeiten erreichen können. Auch zeigen solche Fotos viel von der Atmosphäre und

der Stimmung des Konzerts. Wie bei allen Genres in der Fotografie gilt: ausprobieren und nicht gleich aufgeben, wenn es beim ersten Konzert nicht klappt.

Die Bildgestaltung Natürlich ist eine Großaufnahme der Künstler erklärtes Ziel in der Konzertfotografie, insbesondere unter dem Aspekt der Porträtfotografie. Hierzu benötigen Sie ein Tele- oder Telezoomobjektiv und eine gute Beleuchtung des Musikers. Da diese aber nicht in Ihren Händen, sondern in denen der Lichttechniker liegt, gilt es auch hier, sich vorzubereiten, zu fokussieren und den richtigen Moment abzupassen, in dem Licht und Mimik stimmen. Wenn Ihre Kamera über einen Serienbildmodus verfügt, sollten Sie diesen einsetzen. So ist die Chance, einen Treffer zu landen, ungleich größer. Stellen Sie bei Großaufnahmen wenn möglich die Spotmessung ein, damit der Einfluss des restlichen Bühnenlichts gemildert wird. Achten Sie beim Ausschnitt darauf, dass der Künstler möglichst nicht von fremden Mikrofonen oder den Musikinstrumenten seiner Kollegen verdeckt wird. Falls der Musiker ein Instrument spielt, ist es schön, dieses im Anschnitt mit ins Foto zu nehmen.

Seit 1973 rocken Kiss über die Bühnen der Welt. Altmeister Gene Simmons hat das Zungenschlabbern auch nach 35 Jahren noch nicht verlernt. Impression vom Konzert in Hamburg aus der aktuellen "Alive 35 Tour". Kamera: Nikon D3 mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/320 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 2500. Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)

Seien Sie mit dem Ausschnitt etwas großzügiger und schneiden Sie das Bild nicht zu stark an. Streben Sie nach Möglichkeit eine Freistellung an. Verwenden Sie also eine offene Blende und eine möglichst lange Brennweite, um einen unscharfen, ruhigen Hintergrund zu erhalten. Wenn sich die Gelegenheit bietet, ist eine Staffelung mehrerer Musiker mit selektiver Schärfe auf einen der Künstler sehr effektvoll. Wenn Sie das Glück haben, sich frei vor der Bühne bewegen zu können, wechseln Sie unbedingt den Aufnahmestandpunkt. Jeder Wechsel der Perspektive wird eine andere Lichtstimmung wiedergeben, von der die Konzertfotografie lebt. Sie übermitteln so dem Betrachter die Konzertatmosphäre und schaffen für sich schöne Erinnerungen. Auch ein leichtes Rauschen tut dem Foto keinen Abbruch, oftmals wirkt das Foto dadurch sogar realistischer.

Die Ausrüstung Die fortgeschrittene Konzertfotografie ist die Domäne der digitalen Spiegelreflexkameras. Die schlechte Beleuchtung erfordert sehr hohe ISO-Werte, die nur Kameras mit großen Sensoren bewältigen, ohne sich allzu störend auf die Bildqualität auszuwirken. Ebenfalls wichtig ist ein sehr guter


Links: Schwerstarbeit für die Konzertfotografen beim Britney-Spears-Konzert. Trotz schlechter Arbeitsbedingungen entstand ein gutes Close-Up des Skandal-Pop-Sternchens. Kamera: Nikon D100 mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/160 Sek. bei f/5.0 – Brennweite 240 mm – ISO 800. Mitte: Auch beim Konzert von Christina Aguilera waren die Arbeitsbedingungen für die Fotografen denkbar ungünstig: Nur vier Fotopässe wurden ausgegeben. Fotografiert werden durfte nicht aus dem Fotograben, sondern vom Mischpult fast am Ende der Halle mit 100 Meter Abstand zur Bühne, genau zwei Songs lang. Kamera: Nikon D2X mit 400 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/1250 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 600 mm – ISO 800. Rechts Melanie C., das musikalisch erfolgreichste Mitglied der „Spice-Girls“, bei einem ungewöhnlich spärlich beleuchteten Konzert in Hamburg. Insgesamt war das Fotografieren 8 Minuten gestattet. Kamera: Nikon D2X mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/100 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 110 mm – ISO 800. Fotos: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)


Autofokus, der selbst bei schlechteren Lichtverhältnissen noch schnell und präzise arbeitet. Auch in der Konzertfotografie ist eine geringe Schärfentiefe unser erklärtes Ziel. Diese erreichen Sie mit lichtstarken Objektiven einer DSLR wesentlich leichter als zum Beispiel mit einer Kompaktkamera. Denn ihre größeren Bildsensoren besitzen eine deutlich geringere Schärfentiefe und ermöglichen so ein einfacheres Freistellen des Motivs. Bestens geeignet sind Zoomobjektive mit Brennweiten von 70 bis 200 mm und einer durchgängigen Lichtstärke von f/2.8 oder besser. Auch mit kürzeren Festbrennweiten mit extrem lichtstarken Objektiven im Bereich bis hinunter zu f/1.4 erzielen Sie tolle Ergebnisse. Für Festbrennweiten von 50 mm oder kürzer müssen Sie allerdings einen Aufnahmestandort sehr nah an der Bühne haben. Natürlich lassen sich auch mit weniger lichtstarken Objektiven wie einem 70 bis 300 mm f/4-5.6 noch gute Aufnahmen machen. Aber hier ist eine Hilfe gegen Verwackeln unbedingt angeraten. Diese kann durch einen leistungsstarken Bildstabilisator im Objektiv oder auch in der Kamera erfolgen. Gute Dienste leistet aber auch ein Einbeinstativ.

Und was sagen die Profis? Konzertfotografie ist nicht mein Arbeitsschwerpunkt. Also möchte ich hier zwei Kollegen zu Wort kommen lassen, die sich bestens in der Konzertfotografie auskennen und Ihnen einen Einblick in dieses Genre geben.

Jörg Böh, Hamburg – freier Journalist seit 1979 „Konzertfotografie ist Hardcore-Fotografie pur. Schwierigste Lichtverhältnisse und auch sonst bemerkenswerte Arbeitsbedingungen für Fotografen: Ob flatternde Toilettenpapierrollen bei Heavy-Metal-Bands, tief fliegende BHs, Slips und Teddybär-Armeen bei Boygroups oder gar literweise Bier und Schalentiere bei Kultrockern wie Torfrock − mir ist in 26 Jahren Bühnenfotografie so ziemlich alles um, über und auf die Kamera geflogen. Dennoch macht Konzertfotografie im wahrsten Sinne des Wortes schweißtreibend viel Spaß, Schulter an Schulter mit fünf bis zwanzig Kollegen im engen „Graben“ zwischen Bühne und Publikum. Dazu begrenzte Fotozeit von in der Regel gerade drei Songs zu Beginn jeder Show. Auch hier erinnere ich mich gern an die kürzeste Fotozeit meiner Konzertfotografenzeit, nämlich bei Britney Spears vorletzter Tournee – gerade einmal dreimal 30 Sekunden. Sofort danach kam der bullige „Britney“-Ordner und drückte unsere Objektive zu Boden. Der Grund lag auf der Hand: Nur solange die kleine, doch etwas propere Amerikanerin noch im Bühnenhintergrund war, sah sie einigermaßen vorteilhaft aus. Ganz anders die einmalige Tina Turner, deren Endlosbeine ich aus nächster Nähe fußaufwärts bestaunen durfte und die tatsächlich völlig makellos sind. Die Hauptaufgabe bei der Konzertfotografie besteht darin, bei nahezu identischen Perspektiven, nämlich aus einer Tiefe von 1,70 Metern unterhalb der Bühnenbretter, das „andere“ Foto zu machen, welches die Kollegen eben nicht haben. Blitzschnelle Reaktion, wohin der musizierende Protagonist gerade flitzt, tanzt, rockt, der richtige Bildausschnitt, voreingestellte manuelle Belichtung, fokussieren, abdrücken. Es ist viel Glück, aber auch eine Menge Erfahrung und Können notwendig in dieser fotografischen Disziplin bei 100 Dezibel aufwärts. Ein funktionierender Ohrenschutz ist dabei für den Fotografen ein ebenso wichtiges Utensil wie ein extrem lichtstarkes Objektiv. Unter einer Lichtstärke von f/2.8 braucht man gar nicht erst anzurücken, denn selbst bei ISO 800 aufwärts sind offene Blenden gefordert, um noch vernünftige kurze Verschlusszeiten zu bekommen. Kein Held auf der Bühne berücksichtigt die Fotografen und posiert speziell für diese. Kein Lichtmischer dieser Welt gönnt den Fotografen an der Bühne eine Portion ausreichendes Licht, damit diese eine gute Ausbeute

Die Konzerte des deutschen Soulsängers und Entertainers Stefan Gwildis leben von seinem Charisma und der Verbindung zum Publikum. Seine positive Ausstrahlung fängt dieses Konzertfoto besonders gut ein. Kamera: Nikon D100 mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/180 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 200 mm – ISO 800. Foto: Jörg Böh (www.joerg-boeh.de)


Christof Stein-Schneider, Gitarrist der Band „Fury in the Slaughterhouse“, hier in einem atmosphärisch dichten Low Key. Brandt hat hier geduldig den richtigen Moment zum Auslösen abgewartet, in dem Farbe und Führung des Bühnenlichts das Foto optimal unterstützen. Kamera: Canon EOS 5D mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/200 Sek. bei f/2.8 – -1.00 EV – Brennweite 100 mm – ISO 800. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

bekommen. Fast besser haben es da die Hobbyfotografen, denen seit etwa zwei Jahren immer seltener am Eingang die Kameras abgenommen werden und die während des gesamten Konzerts zumindest Schnappschüsse machen können. Doch wie komme ich denn nun ganz vorn an die Bühne, werden Sie sich fragen. Das ist schwierig bis unmöglich. Eine Akkreditierung gibt es bei großen Konzerten in der Regel nur für eine kleine Zahl handverlesener Fotografen immer durch den Konzertveranstalter selbst oder zum Teil auch durch die Plattenfirma des Künstlers oder der Band. Meist ist die Anzahl der auszugebenden „Fotopässe“ stark limitiert: Schreibende Fotojournalisten haben höhere Chancen und werden gegenüber reinen FotoagenturFotografen bevorzugt. Ein einfacher Presseausweis ist hier keine gültige Eintrittskarte für Fotografen, die sich in dieser Disziplin versuchen möchten.“

Torsten Brandt, St. Augustin – freier Bildjournalist „Konzertfotografie ist eine sehr aufwändige Fotografie. Nicht nur, dass man immer wieder auf die schlimmsten, für den Zuschauer jedoch spektakulärsten Lichtverhältnisse stößt. Nein, es kommen schon sehr viele Unwägbarkeiten im Vorfeld auf den Fotografen zu. In jedem Fall fängt es mit der Akkreditierung an. Wie komme ich ins Konzert? Wann darf ich fotografieren, wann nicht? Meist sind es nur drei Lieder oder eben 15 Minuten Show, die fotografiert werden dürfen. Ich werde jedoch immer wieder von den Bands selbst gebucht und darf dann das ganze Konzert über fotografieren. Ein Luxus, den nicht viele haben. Sicherlich ist es auch in kleinen Clubs oder bei offenen Veranstaltungen möglich, bis zum Ende zu bleiben, aber das ist dann doch eher die Ausnahme. Wenn man sich mit dem Band-Manager oder der Band selbst gut hält, darf man sogar auch auf die Bühne selbst, um spektakuläre Aufnahmen zu machen, die sonst vom Bühnengraben aus nicht möglich wären. Wer fragt, erhält eine Antwort, wer nett fragt, erhält eine nette


Antwort. Das ist eine meiner Hauptdevisen. Ich versuche immer, nett und höflich zu allen Beteiligten zu sein. Das erspart einem Ärger und öffnet so manche Tür, die sonst verschlossen bliebe. Diese Höflichkeit sollte allerdings auch für den Kollegen neben mir im Graben oder vor der Bühne selbstverständlich sein. Nicht nur, dass man „Kollege“ ist, es stört auch ungemein, wenn ewig ein Kopf oder ein Objektiv vor der eigenen Linse vorbeihuscht. Rücksichtnahme und Fairness sollten hier geboten sein. Sicherlich kann man die Fotografen verstehen, die schnell noch ein weiteres Bild für die Zeitung oder das Magazin erhaschen wollen, jedoch sollte man nicht vergessen, dass eben nur ein oder zwei Bilder wirklich an die Presse gehen und gedruckt werden. Wer es nicht schafft, während der ersten drei Lieder ein paar brauchbare Bilder zu schießen, sollte besser bei kleineren Konzerten mehr Praxis sammeln.

Die Bühnenbeleuchtung, die Emotion des Sängers und die Einbeziehung des Instruments machen das Foto von Jason Darr von der Band „Neurosonic“ aus. Kamera: Canon EOS 5D mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/320 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 90 mm – ISO 1600. Foto: Torsten Brandt (www.foto-brandt.de)

Neben einer hochwertigen Ausrüstung, einer schnellen Kamera, die auch in hohen ISO-Bereichen rauscharm sein sollte, sollten sehr lichtstarke Objektive verwendet werden. Was absolut gar nicht geht und auch meist unerwünscht ist, sind Blitze auf den Kameras. Ein Einbeinstativ hilft hier und da bei langen Brennweiten oder bei dunkler Szenerie, da hier die Belichtungszeiten schon mal an die 1/30 Sekunde oder länger werden können. Auch hilft das Einbeinstativ, um von „oben“ fotografieren zu können, was mit Weitwinkel schon sehr cool aussehen kann. Der Kreativität ist keine Grenze gesetzt. Für meinen Teil bearbeite ich die Bilder nur auf das Nötigste, nämlich in Bezug auf den Schnitt und kleine störende Elemente, wie grobe Hautunreinheiten, bei denen der Künstler nicht so gut abschneidet. Lampen, Strahler und Ähnliches bleiben im Bild. Der Lichttechniker oder der Bühnenbauer/Lichtdesigner werden sich schon was dabei gedacht haben, gerade da den Spot hinzuhängen, und mir steht es nicht zu, deren Arbeit infrage zu stellen. Konzertfotografie macht Spaß, aber sie ist auch sehr, sehr anstrengend und stellt hohe Ansprüche an die Ausrüstung und den Fotografen. Sieht ein Fan oder ein Kunde das Foto und erkennt sofort, wann und in welcher Stimmung das Bild aufgenommen wurde, fühlt er sich in diesen Augenblick zurückversetzt. Dann habe ich ein gutes Bild geschossen.“


In der Hochzeitfotografie muss es nicht immer ernst und stimmungsvoll zugehen. Versuchen Sie, wann immer sich die Möglichkeit bietet, auch lockerere und fröhliche Bilder zu machen. Kamera: Canon EOS 10D mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/125 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 45 mm – ISO 100. Foto: Barbara Thielen (www.blickpunkt-fotografie.de)

Hochzeiten Ein sehr spezielles Thema im Bereich der Fotografie von Menschen und Gruppen ist die Hochzeitsfotografie. Denn es ist ein himmelweiter Unterschied, ob Sie mit der Kamera zu einer Hochzeit gehen oder als Fotograf für eine Hochzeit gebucht werden. Sie begegnen fröhlichen Menschen in schönen Kleidern und festlicher Umgebung, sind aber als Fotograf nicht Feiernder, sondern stiller Beobachter. Eine Hochzeit ist ein einmaliges Event und die Aufnahmen sind nicht wiederholbar. Wenn das Brautpaar mit Ihren Fotos zufrieden sein soll, ist eine gute Vorbereitung zwingend notwendig.

Die Vorbereitungen Am Tag der Hochzeit selbst werden Sie wenig Gelegenheit haben, um die Lichtverhältnisse zu testen oder um geeignete Plätze für die Paar- und


Links: Lichttest im Trauzimmer des Standesamts vor der Trauung. Anhand solcher Aufnahmen können Sie vorher alle notwendigen Einstellungen überprüfen, um während der Trauung keine bösen Überraschungen zu erleben. In diesem Fall wurde mit einem Blitz gegen die weiße Zimmerdecke das Tageslicht unterstützt und der Raum gleichmäßig und vor allem schattenfrei ausgeleuchtet. Kamera: Fujifilm FinePixS2 Pro mit 18-125 mm f/3.5-5.6er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/4,8 – Brennweite 27 mm – ISO 100 – indirekter Blitz. Foto: Martin Schwabe Die Stimmung des Brautpaars kurz nach der Trauung einzufangen, gibt den Fotos eine ganz natürliche romantische Stimmung. Kamera: Canon EOS 10D mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv. Links: Belichtungszeit 1/90 Sek. bei f/3.5 – Brennweite 90 mm – ISO 100. Foto: Barbara Thielen (www.blickpunkt-fotografie.de)

Gruppenaufnahmen nach der Trauung zu suchen. Es ist daher unbedingt notwendig, dass Sie sich vorher einen Überblick über die örtlichen Gegebenheiten verschaffen. Besuchen Sie am Tag oder einige Tage vorher das Standesamt und die Kirche, besichtigen Sie, wenn möglich etwa zur selben Uhrzeit der Trauung die Räume und die Umgebung, um herauszufinden, von wo welches Licht kommt. Auch ein Blick in die Wettervorhersage für den Tag der Trauung sollte zum Pflichtprogramm gehören. Ist Regen vorhergesagt, suchen Sie Alternativen, um die Fotos im Innenbereich zu machen. Sprechen Sie mit dem Brautpaar ab, welche Aufnahmen sich das Paar vorstellt und wie der zeitliche Ablauf des Hochzeitstages sein soll. Vor der eigentlichen Trauung sind die Beteiligten häufig sehr nervös, so dass Sie nicht immer die entspannten Gesichter vorfinden, die Sie für die Porträts benötigen. Ein guter Zeitpunkt ist die Stunde direkt nach der Trauung, das Paar ist entspannter und oft ist etwas Zeit, bis sich die Hochzeitsgesellschaft auf den Weg zur eigentlichen Feier macht. Brautsträuße, Brautschmuck und die Kleider haben nach der Trauung noch nicht gelitten und die an die Trauung anschließende Hochstimmung der Beteiligten unterstützt Ihr Ziel: stimmungsvolle Fotos. Vergessen Sie auf keinen Fall, sich mit dem Pfarrer und dem Standesbeamten abzusprechen, ob und wann Aufnahmen gemacht werden können. Nicht in jeder Kirche sind Aufnahmen während der Zeremonie erlaubt und erwünscht. Viele Pfarrer und Pastoren sind häufig bereit, direkt im Anschluss an die eigentliche Zeremonie die Trauungszeremonie nachzustellen. Vielleicht haben Sie und das Brautpaar aber auch Glück und Sie können die Aufnahmen während der Zeremonie machen.


Neben den organisatorischen Vorbereitungen sollten Sie auch einige technische Vorbereitungen treffen. Ausreichend Speicherkarten und volle Akkus sind selbstverständlich. Wenn möglich, planen Sie eine Ersatzkamera ein, denn nichts ist schlimmer als eine defekte Kamera während einer Hochzeit, der Frust des Hochzeitspaars ist Ihnen sicher. Ein Stativ und verschiedene Aufheller (Reflektoren) sollten ebenso zum Equipment gehören wie ein Massenspeicher in Form eines Laptops oder einer mobilen Festplatte, um vor Ort noch eine Sicherungskopie der Aufnahmen machen zu können.

Die Braut Der Braut gilt auch heute noch die größte Aufmerksamkeit aller Beteiligten. Aufwändig geschmückt, frisiert und geschminkt, in wunderschönem Kleid, ist die Braut eine besondere Herausforderung, um romantische und ausgezeichnete Aufnahmen zu machen. Achten Sie besonders bei den Aufnahmen der Braut auf ein stimmungsvolles Gesamtarrangement. Der Hintergrund sollte zum Stil der Braut und des Brautkleids passen.

Fast jede Kirche oder jedes Rathaus ist von ein wenig Grün umgeben, das in der Regel schon völlig ausreicht, um nach der Trauung ein paar erste Bilder von der glücklichen Braut zu machen. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/800 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 180 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


In der Abbildung links außen auf der rechten Seite sehen Sie, wie die Details ins Bild integriert wurden. Der Standort im Schatten der Bäume sorgt trotz hellen Sonnenlichts für eine weiche Ausleuchtung des Motivs. Die leicht unscharfe Parkanlage mit dem verzierten Zaun im Hintergrund passt zu dem Erscheinungsbild der Braut. Die weiße Bank sorgt zusätzlich für eine farbliche Aufteilung des Bilds im Goldenen Schnitt. Die Diagonalen durch den Zaun und die Bank geben dem Bild dabei eine zusätzliche Lebendigkeit. Wenn das Gesicht und das Kleid nicht ausreichend Licht im Schatten bekommen oder der Kontrastumfang zu hoch ist, setzen Sie einen Aufheller ein. Verwenden Sie am besten einen Goldton für warmes Licht. Verwenden Sie jedoch keinesfalls einen silbernen Reflektor. Das kalte Licht würde viel von der Bildstimmung zerstören. Bei dem Kleid achten Sie unbedingt darauf, dass Sie eher knapp belichten. Bei weißen Brautkleidern besteht sehr schnell die Gefahr, dass helle Bereiche ausfressen. Einmal überbelichtet, ist der Bereich nicht mehr zu retten, wohingegen Sie bei etwas knapper Belichtung durch Aufhellen später noch einiges korrigieren können.

Wenn Sie im RAW-Modus fotografieren können, dann sollten Sie dies auf jeden Fall tun. Die 12-Bit-Farbtiefe des RAW-Modus erlaubt Ihnen später eine sehr präzise Abstimmung der Kontraste und Helligkeiten des Bilds, damit auf dem Foto auch später die Feinheiten des Kleids zu erkennen sind. Auch ungewöhnliche Ansichten (unten) bilden in der Brautfotografie schöne Motive. Die kunstvoll aufgesteckten Haare harmonieren schön mit dem schwarzweißen Abschluss des Brautkleids. Die Sepia-Tonung unterstreicht den romantischen Charakter des Bilds. Bei der Aufnahme ist es wichtig, auf ausreichend Zeichnung in den dunklen Haaren zu achten. Dazu können Sie zum Beispiel Spotmessung oder zumindest mittenbetonte Messung einsetzen. Um den Kontrastumfang auf einem akzeptablen Niveau zu halten, sollten Sie für die Aufnahme einen Bereich im Schatten suchen. Ganz im Gegensatz dazu das etwas andere Brautfoto rechts außen. In anderen Kulturkreisen sind Brautkleider in anderen Farben gehalten. Bei der Motivgestaltung sollten Sie darauf achten, die Braut in eine passende Umgebung zu stellen. In diesem Fall wurde das Bild in warmen Tönen gehalten und ein Hintergrund gewählt, der mit seinen sandigen Farben und seiner Struktur mit dem warmen gedeckten Rot und dem Hautton der Braut harmoniert.

Links: Das Das klassische Brautbild. Die Location wird passend zu dem romantischen Look der Braut gewählt. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/180 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 128 mm – ISO 100. Rechts: Brautbild in koloriertem Sepia. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/90 Sek. bei f/4.8 – ISO 100. Fotos: Carina Meyer-Broicher

Das Brautpaar Um das Brautpaar zusammen zu fotografieren, ist der Zeitpunkt direkt nach der Trauung beinahe ideal. Die frisch vollzogene Trauung wirkt sich auch im Foto merkbar auf die Stimmung des Brautpaars aus und es wird Ihnen leichter fallen, innige, stimmungsvolle Momente einzufangen. Neben den klassischen romantischen Close-ups (Seite 235) können Sie über die Gestaltung die Bildaussage unterstützen, wenn Sie Motivhinter-


Das Brautpaar muss nicht immer dicht beieinanderstehend abgebildet werden. Variieren Sie hier, indem Sie einmal Braut und einmal Bräutigam in den Vordergrund holen und mittels offener Blende den Partner jeweils unscharf abbilden Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/180 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

gründe suchen, die das Brautpaar umfassen oder einrahmen, wie zum Beispiel bei der Holzbrücke oder dem Weg durch das Tor auf den Fotos auf Seite 241. In beiden Bildern ist eine Symbolik enthalten, die den von nun an gemeinsam beschrittenen Weg darstellt. Ob das Paar nun über eine Brücke auf Sie zukommt oder wie im zweiten Foto sich entfernt, bleibt dabei Ihrem persönlichen Geschmack überlassen. In der linken Abbildung wurde die einrahmende Wirkung durch nachträgliche Bearbeitung etwas unterstützt, indem über eine Maske eine leichte Vignettierung um das Hauptmotiv gelegt wurde: Das Bild dunkelt nach außen etwas ab. In der rechten Abbildung wurde der optische Rahmen rein fotografisch gelöst, durch das im Schatten liegende Tor und das Paar, das durch das Tor in die Sonne schreitet. Fotografisch gesehen ist dieses Foto etwas komplexer, da hier der Kontrastumfang deutlich höher ist. Im Zweifel sollten Sie hier eine kleine Belichtungsreihe mit Abstufungen von halben Blenden machen.

Die Hochzeitsgesellschaft Zum Abschluss noch einige Worte zur Hochzeitsgesellschaft. Häufig wünschen sich Brautpaare klassische Gruppenfotos vor dem Standesamt oder 238 Kapitel 12 | Event-Fotografie

der Kirche, um ein Bild zu haben, auf denen die ganze – selten so komplett vereinte – Familie zu sehen ist, nebst Freunden und Trauzeugen. Die obere Abbildung auf der nächsten Seite zeigt eine klassische Aufnahme einer Brautgesellschaft vor dem Standesamt. Die kleine Treppe vor dem Eingang wurde genutzt, um die Personen hintereinander zu staffeln. Auf jeden Fall ist es sehr wichtig, dass Sie viele Aufnahmen machen und wenn möglich neben sich jemanden stehen haben, der die Aufmerksamkeit der Personen in Richtung Fotograf lenkt. Viele Aufnahmen zu machen, ist aus zwei Gründen wichtig: zum einen, weil es schwer zu kontrollieren ist, ob alle Personen die Augen geöffnet haben, und zum anderen, weil eine so große Gruppe sich vertrauter Menschen eine Eigendynamik entwickelt und den Drang hat, miteinander zu kommunizieren, wodurch immer wieder einzelne Köpfe zur Seite gedreht sind. Das Brautpaar gehört natürlich in die Mitte, die Trauzeugen stehen neben dem Brautpaar, eingerahmt von der engeren Familie, Freunde und Bekannte gehören nach außen. Ganz im Gegensatz dazu die untere Abbildung: Sie zeigt dieselbe Hochzeitsgesellschaft, allerdings diesmal

Die Hochzeitsgesellschaft vor dem Standesamt. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 28-105mm f/2.8-4 – Belichtungszeit 1/125 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 51 mm – ISO 200. Die Hochzeitsgesellschaft im Park. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 28-105mm f/2.8-4 – Belichtungszeit 1/180 Sek. bei f/6.7 – Brennweite 66 mm – ISO 200. Fotos: Martin Schwabe

nicht so statisch vor dem Eingang des Standesamts, sondern in einem Park. Eine alte umgestürzte Eiche bildete hier eine ideale Kulisse, um die Gesellschaft als Gruppe zu arrangieren, das Bild aber gleichzeitig aufzulockern. Die Kinder wurden rittlings auf die Ausleger des Baums gesetzt und die etwas gelenkigeren Personen stellten sich in den Baum, während der Rest der Gesellschaft seinen Platz vor dem Baum, rund ums Brautpaar Kapitel 12 | Event-Fotografie 239

einnahm. Ganz wichtig hier: Achten Sie darauf, dass wirklich alle Gesichter zu sehen sind und nicht Äste oder Arme einzelne Personen völlig ver decken.

Symbolik Auch wenn es in diesem Buch um Menschenfotografie geht, sollten Sie gerade bei Hochzeiten an einige symbolträchtige Fotos denken. Früher haben die Brautleute die ausgewählten Fotos zumeist selbst ins Hochzeitsalbum geklebt. Heute werden die Auswahl und die Herstellung des Albums meist auch dem Fotografen überlassen. Zunehmender Beliebtheit erfreuen sich hier Fotobücher. Für ein schönes Titelfoto oder um die Aneinanderreihung der Hochzeitsbilder etwas aufzulockern, bieten sich Bilder an, deren Fokus nicht auf dem Brautpaar oder der Hochzeitsgesellschaft liegt. Versuchen Sie also ruhig, ein paar Details einzufangen, Sie können sie immer wieder verwenden. In der Abbildung links wurde ein Overlay mit Sandwich-Technik erstellt. Hierzu wurde ein Foto von Rosenblättern, die vorm Standesamt gestreut wurden, mit einer Detailaufnahme des Brautpaars, das sich über einem Wunschbrunnen die Hände reicht, kombiniert.

Eine ganz besondere Erinnerung ist dieses Hochzeitsfoto. Kamera: Nikon D70 – Belichtung 1/1600 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 60 mm. Foto: Jessica Dannemark (www.jedadesign.com)


Experimentieren Sie auch ruhig einmal mit dem Fokus. In der Abbildung auf der rechten Seite stehen das BrautBouquet sowie eine Flasche Champag ner im Zylinder des Bräutigams im Vordergrund, ein außergewöhnliches Hochzeitsfoto. Lassen Sie sich von den Gegebenheiten bei dem Fest inspirieren.

Links: Das Brautpaar auf der Holzbrücke. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 85mm f/1,8er Objektiv – Belichtungszeit 1/750 Sek. bei f/1.8 – Brennweite 126 mm – ISO 100. Foto: Martin Schwabe Rechts: Der gemeinsame Weg. Kamera: Nikon D70 – Belichtungszeit 1/800 Sek. f/5 – Brennweite 43 mm – ISO 100. Foto: Jessica Dannemark (www.jedadesign.com)

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Planung Vorgespräch mit den Brautleuten hinsichtlich Art und Umfang der Fotos sowie der gewünschten Endverarbeitung der Fotos (Prints, DVD, Album, Fotobuch) Besichtigung des Standesamts und/oder der Kirche möglichst zur Uhrzeit der Trauung einige Tage vorher Falls nötig, Gespräch mit dem Pfarrer/Standesbeamten Besichtigung Umgebung von Kirche, Standesamt und Festlokal für Außenaufnahmen Ausweich-Location bei Regen Wetterbericht ansehen Ausrüstung Kamera/Ersatzkamera Aufsteckblitz mit Bouncer Reflektor Geladene Akkus für Kamera und Blitz Mobiler Massenspeicher

Warten Bei Hochzeiten haben Sie häufig Leerlauf, Phasen, in denen Sie warten müssen. Nutzen Sie diese Zeit, um einige der Gäste, die sich im Hintergrund halten, zu porträtieren. Halten Sie dabei auch nach intimen fami liären Momenten Ausschau.


Es gibt die verschiedensten Möglichkeiten, die Masken in die Kulisse der Stadt einzubinden. Hier verbindet ein Aufblick Architektur- und People-Fotografie, der blaue Himmel trägt viel zur Bildwirkung bei. Kamera: Konica Minolta Dynax 7D – Belichtung 1/100 Sek. bei f/4.5 – Brennweite 40 mm – ISO 100. Fotograf: Eric Péduzzi

Paraden, Karneval und Umzüge Il carnevale – der Karneval in Venedig Die Faszination der Masken: Karneval in Venedig ist ein ganz besonderes, unvergessliches Erlebnis für jeden Fotografen. Jedes Jahr aufs Neue spannendes Ereignis der Event-Fotografie der besonderen Art: people photography meets architecture. Denn nicht nur die fantasievollen Masken ziehen uns in ihren Bann, auch die Kulisse des Schauspiels – ganz Venedig – inspiriert immer wieder zu neuen Bildern.

Die Geschichte des venezianischen Karnevals Der venezianische Karneval ist mit seinem deutschen Pendant nicht zu vergleichen. Hier gibt es keinen rheinischen Frohsinn, keine lauten, betrunkenen Narren und wild durcheinandergewürfelte Farben und Kostüme. Der Karneval hat in Venedig eine fast 800-jährige Geschichte, erstmals erwähnt wurde er im Jahre 1094. Während dieser Zeit wurde er immer mal wieder verboten, zuletzt von Napoleon. Im Mittelalter war „Il carnevale“ die einzige Zeit, in der es keine Klassenunterschiede gab. Jeder, ob arm oder reich, konnte sich freizügig und respektlos zeigen. Die Kostüme entstanden aus Traditionen, die bis in die römische Zeit zurückreichten. Im Jahre 1797 endeten der venezianische Karneval und somit auch die prächtigen Umzüge und Aufführungen der Venezianer mit dem Untergang der Republik Venedig. 242 Kapitel 12 | Event-Fotografie

Erst im Jahr 1979 wurde der venezianische Karneval von Künstlern wieder zum Leben erweckt. Dabei hat man sich vor allem am 18. Jahrhundert orientiert. Jedes Jahr werden Punkt 12 Uhr mittags am Sonntag, zehn Tage vor Beginn der Fastenzeit, die Karnevalsfeierlichkeiten offiziell eröffnet. Während der Zeit bis Aschermittwoch finden in der Lagunenstadt Umzüge und Darbietungen mit wunderschönen Masken statt. An allen Ecken, vor allem natürlich am Markusplatz, finden sich die Maskierten. Diese Masken haben einen historischen Ursprung und sind sehr aufwändig gefertigt. Der venezianische Karneval ist ruhig und ermutigt den Besucher zum Schlendern über die Plätze und durch enge Gassen, zum Staunen und Entdecken weiterer, farbenfroher Masken und aufwändiger Kostüme. Das Ambiente in der Stadt ist einzigartig melancholisch, vor allem in den Morgen- und Abendstunden. Diese Atmosphäre sollten Sie auf sich wirken lassen und versuchen, sie auch fotografisch einzufangen.

Das besondere Licht Einen großen Teil zur besonderen Atmosphäre in der Stadt trägt das Licht bei. Ende Januar bis Mitte März – Karneval ist ein bewegliches Fest – steht die Sonne tief, was Venedig besonders morgens und abends in ein diffuses Licht taucht, das den alten Palästen ein märchenhaftes Aussehen verleiht. Auch wenn es hier um Menschenfotografie geht, sollten Sie diesen Aspekt auf keinen Fall außer Acht lassen. Es lohnt sich also, früh aufzustehen und das Licht sowie die Ruhe des Morgens für einige Architekturaufnahmen oder Szenen rund um die Kanäle zu nutzen. Vielleicht treffen Sie zu dieser Zeit schon auf einzelne Masken, die zumeist bereitwillig für den Fotografen posieren. Venedig eignet sich hervorragend zum ziellosen Herumstreifen durch die Gassen. Man kann sich zwar sehr schnell verlaufen, denn an jeder Ecke gibt es etwas Neues zu entdecken oder Sie laufen in eine der zahlreichen Sackgassen und stehen dann vor einem Kanal ohne Brücke. Aber zum Glück ist Venedig nicht so groß und relativ gut ausgeschildert, so dass Sie keine Angst haben müssen, in dem Labyrinth verloren zu gehen. Am Abend gelingen direkt nach Sonnenuntergang stimmungsvolle Aufnahmen zur Blauen Stunde, nehmen Sie für diesen Zweck unbedingt ein Stativ mit.

Die klassischen venezianischen Masken tauchen gerne in Paaren oder in Gruppen auf. Sie sind zwar farbig, aber selten einmal bunt. So passt sich die Brücke als Hintergrund hier wunderbar dem fast monochromen Gesamtbild in Eisblau an. Kamera: Canon EOS 10D – Belichtungszeit 1/250 Sek. bei f/7.1 – Brennweite 350 mm – ISO 800. Foto: er...ic26


Im Gewühl der Masken Für den Fotografen besteht der besondere Reiz darin, immer neue Kostüme und Masken zu entdecken und diese festzuhalten. Das Besondere daran ist, dass sich die Masken selbstverständlich in Pose stellen und anmutig warten, bis Sie Ihr Foto gemacht haben. Ein unbeschreibliches Erlebnis, das Sie dank der gelungenen Bilder und der einzigartigen Atmosphäre Ihr Leben lang nicht vergessen.

Auch traurige, schreckliche oder traditionelle Masken wie der Pestdoktor haben Platz im Karneval in Venedig. Dabei muss das Foto nicht zwingend bunt sein, eine Sepia-Tonung wie hier unterstreicht den theatralischen Charakter des Bilds. Kamera: Nikon. Foto: Lovrenc Gasparin

Gerne posen die routinierteren Masken von ganz alleine vor besonders schönen Hintergründen für die Fotografen. So erhält man zwar keine Unikate, aber ein breites Spektrum der verschiedensten Masken. Kamera: Nikon. Foto: Lovrenc Gasparin

Aber wo sind nun all die schönen Maskenträger zu finden? Natürlich auf dem Markusplatz, der aber völlig überfüllt von Masken und Menschen ist. Deshalb gelingen dort nicht ohne Weiteres die besten Fotos. Touristen und Fotografen sind im Hintergrund zu sehen, laufen Ihnen durch das Bild oder schubsen, stoßen und stören so Ihre Aufnahme. Für einen zuschauerfreien Hintergrund gehen Sie hier runter auf den Boden und wählen Sie einen Aufblick als Perspektive. Hilfreich ist wie immer auch hier ein lichtstarkes Teleobjektiv, mit dem Sie die Maske ganz nah heranzoomen können und gleichzeitig durch die geringe Tiefenschärfe den unruhigen Hintergrund ausblenden. Aber wirklich gute Aufnahmen gelingen Ihnen eher abseits des großen Trubels. Auch hier lohnt es sich also, ein wenig zu bummeln, bis hin in den Sestiere Dorsoduro. Sogar Burano ist wegen seiner bunten Häuser ein beliebtes Ziel. Es gehört auch ein wenig Glück dazu, dort schöne Masken anzutreffen. Ist das aber der Fall, haben Sie es viel leichter, einen schönen Hintergrund bei optimaler Beleuchtung zu finden. Es besteht auch die Möglichkeit, sich mit einer Maske zum Shooting zu verabreden. Sie erkennen ein verabredetes Shooting zwischen Masken und Fotografen daran, wie präzise die Szene arrangiert wird. Auch hier bietet sich Ihnen die Möglichkeit, an dem Shooting zu partizipieren, wenn Sie den nötigen Abstand einhalten und etwas Feingefühl walten lassen. Und wenn Sie schon öfter dabei waren, kann es bisweilen sogar Spaß machen, mit dem gebotenen Abstand anderen einfach ganz entspannt bei der Arbeit zuzuschauen.


Paraden, Festtagsumzüge und Karneval Ein großes Potenzial für farbenfrohe und abwechslungsreiche Motive bietet sich Ihnen bei Paraden und Umzügen. Egal, ob Sie in den rheinischen Hochburgen die Karnevalszüge fotografieren möchten, die alemannische Fastnacht, den Karneval in Rio oder Paraden wie die Love-Parade, die Umzüge zum Christopher Street Day oder Blumenkorso, die Aufnahmebedingungen sind immer die gleichen.

Der beste Platz Wichtig ist der Aufnahmestandpunkt und im richtigen Moment auf den Auslöser zu drücken. Dabei kann eine gute Planung helfen, was sich in Ihren Bildern widerspiegeln wird. Alle diese Veranstaltungen haben eines gemeinsam: Menschenmassen säumen den Straßenrand und Ihre Aufgabe ist es nun, sich zwischen diesen mit Ihrer Kamera fortzubewegen. Also sollten Sie besser versuchen, von vornherein einen guten Kamerastandpunkt zu finden, der es Ihnen erlaubt, den Überblick über das Geschehen auf der Straße zu haben. Wenn es sich um einen Umzug in Ihrer Heimatstadt handelt, wird es nicht schwierig sein, die besten Standpunkte zu finden. Wenn Sie jedoch in einer fremden Stadt sind, sollten Sie sich unbedingt mit dem Weg der Parade vertraut machen. Der Verlauf der Festtagsumzüge wird in der Regel vorab in der Lokalzeitung oder im Internet veröffentlicht. Daneben erhalten Sie hier zumeist einen genauen Zeitplan der Veranstaltung. Leider werden Sie dennoch auf ein paar Hindernisse stoßen. Wenn Sie aufgrund Ihrer Erfahrung oder an Hand des Plans die besten Aufnahmestandpunkte ausmachen, sind diese in der Regel bereits von den Medien belegt. Aber es lassen sich durchaus auch noch andere geeignete Orte finden, an denen Sie einen freien Blick haben.

Trotz Masken lassen sich stimmungsvolle Close-ups erstellen, wie das Foto, aufgenommen bei der CSD-Parade in Köln, zeigt. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/60 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


Links: Dieses Foto könnte genauso gut beim Karneval in Rio entstanden sein, zeigt aber eine Schönheit bei der Parade zum Christopher-Street-Day, die gerne für die Kamera posiert. Belichtungszeit 1/30 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 170 mm – ISO 100. Rechts: Trotz leichter Aufsicht der Kamera lassen sich auch auf den Wagen bei den Umzügen mit langen Brennweiten noch gute Porträts machen. Hier ein "Rosa Funke" ebenfalls beim CSD in Köln. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/80 Sek. bei f/5.6 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Fotos: Carina Meyer-Broicher


Oder fragen Sie einfach höflich nach, ob Sie den Pressebereich für eine Weile betreten dürfen. Als professioneller, wenn auch genrefremder Fotograf oder mit einem Presseausweis erhalten Sie leichter Zutritt. Der Zeitplan ist in den meisten Fällen bei großen Umzügen nicht einzuhalten. Oft bleibt die Parade in engen Passagen in der Menschenmasse stecken, machen Sie sich also hier auf Wartezeiten gefasst.

Die Ausstattung Auf jeden Fall sollten Sie sich nach einem erhöhten Aufnahmestandpunkt umsehen, hier eignen sich vor allem Balkone oder Hausdächer. Hier haben Sie ausreichend Platz und laufen nicht Gefahr, in der Menge durch Gedrängel und Geschubse die Aufnahmen zu verreißen. Sie haben auch Zeit und Ruhe, das Objektiv zu wechseln und unterschiedliche Brenn-

weiten und Perspektiven auszuprobieren. Auch hier sind für Porträts der Teilnehmer der Umzüge lange Brennweiten erforderlich, aber mit einer Normalbrennweite oder einem Weitwinkel lassen sich schöne Gesamteindrücke vom Publikum mit oder ohne den Umzug machen. Wenn Sie keine Möglichkeit haben, einen solch exponierten Standort zu ergattern, reicht auch schon ein leicht erhöhter Standpunkt, um über die Köpfe der Menschen hinweg fotografieren zu können. Oftmals werden Tribünen entlang der Umzugswege aufgebaut. Solche Tribünenplätze müssen Sie zwar mieten, aber wenn Sie gute Fotos möchten, lohnt sich die Investition. Routinierte Fotografen solcher Events nehmen ein kleine, leichte Trittleiter mit und verschaffen sich so einen besseren Standpunkt. Den besten Blick auf die Parade haben Sie von vorne. Diese Möglichkeit haben Sie jedoch nur an Straßenbiegungen oder an Verkehrsinseln, wenn diese nicht abgesperrt sind. Wenn Sie einen festen Standpunkt haben, können Sie eine umfangreiche Ausrüstung mitnehmen, ein Stativ ist bei den erforderlichen langen Brennweiten auf jeden Fall sinnvoll. Sollten Sie flexibel bleiben wollen und sich durch die Menge bewegen, nehmen Sie nur wenig Ausrüstung mit und verstauen Sie sie sicher in einem kleinen Rucksack, der am besten den Reißverschluss nach innen zum Rücken hat. Auf jeden Fall sollten Sie ausreichend Speicherkarten mitnehmen. Die bunten Kostüme verleiten zum häufigen Auslösen. Und häufig ist ein zweites oder drittes Foto vom gleichen Motiv nötig, um es so gut auf den Chip zu bannen, wie Sie möchten. Wenn der Umzug viele Motive in schneller Abfolge zeigt, ist auch eine zweite Kamera von Vorteil. So verpassen Sie kein Bild und können auch die Brennweite variieren.

Andere Länder, die gleichen Bilder. Das Porträt zeigt das Mitglied einer amerikanischen Marching Band beim GasparillaPiraten-Fest in Tampa/Florida. Kamera: Nikon D70 mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/7.1 – Brennweite 105 mm – ISO 200. Foto: Dr. Jörg Karolat (www.joifoto.de)

Aber auch abseits des eigentlichen Umzugs bieten sich Ihnen Gelegenheiten für gute Bilder. Diese fallen zwar dann eher in den Bereich der Street-Fotografie wie das Foto rechts, aber Sie sollten sich die Chance auf solche Aufnahmen auf keinen Fall entgehen lassen. Schauen Sie sich auf dem Weg zur Parade oder auf dem Heimweg auf jeden Fall aufmerksam um. So lassen sich auch rund um das bunte Treiben nachdenkliche, lustige oder dokumentarische Motive finden.


248 Kapitel 13 | Street-Fotografie

Street-Fotografie Street-Fotografie ist eines der Genres, für das ich Ihnen leider keine deutsche Übersetzung anbieten kann. Und doch will ich es versuchen. Denn es bedeutet nicht, dass es sich um das Fotografieren von Straßen handelt, sondern es gilt, Menschen in öffentlichen Lebenssituationen, den winzigen Augenblick, fotografisch festzuhalten. So bildet die Street-Fotografie einen Teil der Menschenfotografie und überschneidet sich mit der Event-Fotografie und der dokumentarischen Fotografie.

Die Faszination dieses Streets von den Hamburger Landungsbrücken war das Modell: Es schien mir fast, als würde er in einem Film mitspielen, immer wieder setzte er sich in Positur. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/1500 Sek. bei f/9.5 – Brennweite 400 mm – ISO 400. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 13 | Street-Fotografie 249

Wichtigstes Unterscheidungsmerkmal zur normalen Porträtfotografie ist, dass Sie ungestellte und ungekünstelte Aufnahmen machen. Keine Modelle, die auf der Straße posen und keine gestellten Szenen, keine arrangierten Sujets. Ihre Aufgabe ist es, das Geschehen auf der Straße zu beobachten. Das Leben dort ist Ihr Thema und die Szene greifen Sie exemplarisch für das Foto heraus, dokumentieren und halten sie fest.

Ein Stammgast im berühmten Wiener Kaffeehaus Hawelka unterhält sich mit der Barista, die gerade Pause macht. Das Bild transportiert auch über die Farbgebung viel von der Atmosphäre und Gemütlichkeit des Kaffeehauses. Kamera: Nikon D200 mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/80 Sek. bei f/1.8 – Brennweite 75 mm – ISO 1600. Foto: Carina Meyer-Broicher

Anders als ein Pressefotograf oder gar ein Paparazzi sind dies nicht die spektakulären Szenen, es gilt keine Prominenten aufzuspüren, es sei denn, sie laufen Ihnen zufällig über den Weg. Auch gilt es nicht, Hausbrände oder Unfälle zu dokumentieren, sondern den Alltag Ihrer Mitmenschen festzuhalten, zu entscheiden, welcher winzige Augenblick in deren Leben auf den Chip zu bannen sich lohnt. Das Erkennen dieser speziellen Momente bei Ihnen wildfremden Menschen erfordert Übung, Geduld und wie ich meine, auch eine große Portion Respekt und Zurückhaltung, auch wenn viele Kollegen dies anders sehen. Sie gehen recht aggressiv auf die Menschen zu. Ein Beispiel dafür ist der Fotograf Bruce Gilden, gut zu sehen im Video über seine Arbeit (www.youtube.com/watch?v=kkIWW6vwrvM). Auf der Straße wird Ihr „fotografisches Sehen“ ganz besonders gefordert. Denn die Motive finden sich quasi ständig um Sie herum, Sie müssen lernen, Sie zu sehen, zu erkennen und schnell und instinktiv umzusetzen.

Die Rechtslage Sie haben neben dieser Aufgabe noch ein kleines Hindernis, das Ihre Fotografie von Menschen auf der Straße erschwert, und das kann man unter dem Oberbegriff „Recht am eigenen Bild“ zusammenfassen. Auf die Details der Gesetzgebung gehe ich in Kapitel 20 dieses Buchs ein. Hier nur so viel: Es ist Ihnen im Grunde nicht erlaubt, einen anderen Menschen ohne dessen möglichst schriftliche Einwilligung zu fotografieren. Und damit natürlich auch erst Recht nicht, diese Fotos zu veröffentlichen. Dies ist für die Street-Fotografie ein unüberwindliches Hindernis, wie es zunächst scheint. Aber wie Sie an der Menge der veröffentlichten Fotos


überall sehen, gibt es genügend Wege, diese Hürde zu umschiffen oder zu überwinden. Viele Kollegen handeln bis heute nach dem Motto „wo kein Kläger, da kein Richter“ und fotografieren Menschen auf der Straße ohne deren Kenntnis oder deren Erlaubnis. Auch veröffentlichen sie die Bilder im Internet, drucken sie in Büchern ab oder hängen sie in Ausstellungen. Und ich bin immer wieder verwundert, wie selten sich jemand beim Fotografen meldet und sein Recht am eigenen Bild geltend macht. Selbst wenn das geschieht, reicht es in den meisten Fällen, das Bild nicht mehr öffentlich zu zeigen und das digitale Negativ zu vernichten. Aber ich möchte Ihnen von dieser Methode abraten und stattdessen erzählen, wie es auch anders geht. Da die Street-Fotografie von der Authentizität des Augenblicks lebt, verbietet es sich natürlich, dass Sie die Menschen auf der Straße zunächst ansprechen, um Erlaubnis bitten und dann fotografieren. Denn sobald sich Menschen bewusst sind, dass sie fotografiert werden, verhalten sie sich anders und selbst wenn Sie sie bitten, einfach das weiterzumachen, was sie gerade tun, erhalten Sie keine ungestellten Aufnahmen mehr. Also gehen Sie einen anderen Weg: Machen Sie Ihr Foto. Gehen Sie danach auf das unfreiwillige Modell zu und erklären Sie, dass Sie ein Foto gemacht haben und möglichst auch, zu welchem Zweck. Besonders praktisch bei der digitalen Fotografie ist es, dem Modell das Bild auch direkt zeigen zu können. In der Regel freuen sich die Menschen über ein schönes Foto, oft biete ich auch an, das Bild per E-Mail zuzusenden. Ich kann mich an keinen Fall erinnern, wo der Abgebildete nicht geschmeichelt war und die Erlaubnis verwehrt hat. Manchmal reicht auch schon ein kurzer Blickkontakt mit der Person, die Sie fotografieren möchten. Zeigen Sie dabei die Kamera, häufig zeigt das Modell mit einem kurzen Lächeln sein Einverständnis. Warten Sie aber dann ein wenig ab und beobachten Sie weiter die Situation. Machen Sie Ihr Foto erst dann, wenn sich die Menschen wieder unbeobachtet fühlen.

Zunächst dachte ich, der Straßenmusiker auf den Hamburger Landungsbrücken hätte mich entdeckt. Doch wenn man genau hinschaut, geht sein Blick an mir vorbei. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/2000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Können Sie Street-Fotografie planen? Darauf gibt es nur eine Antwort: nein. Denn genau dies ist es, was das Fotografieren auf der Straße so reizvoll macht. Sie wissen nicht, was auf Sie zukommt. Welche Motive sich bieten, was passiert. Also spannender, als alle anderen Genres, die Sie bisher kennengelernt haben. Was Sie jedoch ein wenig planen können, ist die technische Qualität Ihrer Aufnahme.


Prüfen Sie vor Ort die Belichtung und stellen Sie Ihre Kamera so ein, dass Ihnen auch unter widrigsten Umständen ein gutes Foto gelingt. Wählen Sie die Blende und den ISO-Wert so, dass Sie auch in Schattenbereichen ausreichend Licht haben. Und dies so, dass Sie mit sehr kurzen Verschlusszeiten arbeiten können, denn die Momente auf der Straße sind flüchtig. An hellen, sonnigen Tagen sollten Sie eher ein wenig unterbelichten, damit ausgefressene Lichter den Gesamteindruck des Fotos nicht zerstören. In der Regel bieten Blenden bis zu f/4 ausreichend kurze Verschlusszeiten, die Belichtungszeit können Sie dann je nach Helligkeit variieren. Aber bei der Street-Fotografie macht das Motiv das Bild aus. Die Technik spielt für die Bildwirkung eine untergeordnete Rolle. Die Bildschärfe oder absolut ausgewogene Belichtung ist hier dem Bildinhalt untergeordnet, kleinere Schwächen in diesen Bereichen sind bei der Street-Fotografie vernachlässigbar, solange der Gesamteindruck des Fotos davon nicht zerstört wird. Die Frage nach der Brennweite ist in diesem Genre eher eine philosophische und moralische, denn eine technische. Natürlich bieten Ihnen lange Brennweiten die Möglichkeit, die Situation heimlich zu beobachten und nahezu jedes Detail aufzunehmen. Aber das hat auch den faden Beigeschmack eines Paparazzi. Und häufig reagieren die Menschen auf die großen Objektive auch ablehnend, wenn sie Sie entdecken. Um den natürlichen Blick auf die Szene authentisch zu dokumentieren, verwenden Sie ein 50-mm-Objektiv.

Ebenfalls Stammgast im Hawelka ist der Brite George. Eine der wenigen Ausnahmen: Nachdem ich ihn um Erlaubnis für ein Foto gebeten hatte, ging er ungerührt seiner gewohnten Beschäftigung nach. Kamera: Nikon D200 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/20 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 160 mm – ISO 1600. Foto: Carina Meyer-Broicher

Wo findet Street-Fotografie statt? Zunächst einmal natürlich auf der Straße. Doch die Definition dieses Genres spricht von Aufnahmen im öffentlichen Raum, das schließt auch die Fotografie in Gebäuden ein, in denen sich Menschen treffen. Das kann der Bahnhof oder die U-Bahn-Haltestelle ebenso wie eine Konzerthalle oder ein Café sein. Wichtig dabei ist nur, dass die Fotos nicht inszeniert sind. Das schließt auch nachträgliche Manipulationen in der Bildbearbeitung aus, insbesondere das Entfernen oder Hinzufügen von Bildelementen. Die Konvertierung in Schwarzweiß oder eine andere monochrome Ausarbeitung des Fotos ist Ihnen jedoch erlaubt, sie unterstützt in der Regel die


Wenn Sie die Aufnahmedaten meiner Fotos in diesem Genre anschauen, werden Sie sehen, dass ich auch auf der Straße meistens ein 70-200-mm-Objektiv verwende. Betrachten Sie es als einen Spleen meinerseits. Es ist einfach mein Lieblingsobjektiv und so auch auf der Straße meistens auf der Kamera. Es bringt Nachteile mit sich, denn der Mindestabstand bei der Aufnahme sind 2,75 m und so bin ich oftmals einfach zu nah am Motiv und in der Zeit, in der ich den ausreichenden Abstand bekomme, ist der Moment des Fotos vorbei. Es hat aber den Vorteil, dass die Menschen auch den Fotografen beobachten, denn wenn man mit solch einem Teil vor dem Gesicht herumläuft, fällt man zwangsläufig auf. So fällt es mir oft leichter, die Freigabe einer Aufnahme zu bekommen und werde angesprochen, für welche Zeitung ich denn fotografiere oder was ich mit den Fotos mache. Bildaussage und vermeidet eine Ablenkung des Betrachters vom Motiv durch zu große Farbenvielfalt. Sie werden die meisten Street-Fotos zum Beispiel im Internet oder in Bildbänden in Schwarzweiß finden. Dies ist kein Muss, unterstreicht aber in der Regel den Charakter der Aufnahme.

Schon hart an der Grenze zu einem Paparazzi-Foto: Zufällig lief mir bei einem Spaziergang im Londoner Stadtteil Camden Jon Bon Jovi über den Weg. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/500 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Die Aufnahmesituation Es gibt für Sie als Fotografen zwei Aufnahmesituationen auf der Straße: Entweder sind Sie einfach nur unterwegs und haben die Kamera dabei oder Sie gehen ganz bewusst nur zum Fotografieren auf die Straße und halten nach Motiven Ausschau. Wenn Sie bereits Erfahrung in der Street-Fotografie haben, gelingen Ihnen auch quasi „im Vorbeigehen“ gute Aufnahmen, Sie funktionieren im MultiTasking-Modus und Ihr geschultes Auge nimmt das Motiv wahr und Sie drücken gewissermaßen grobmotorisch den Auslöser. Kapitel 13 | Street-Fotografie 253

Der Antik-Markt auf der Portobello Road in London findet jeden Samstag statt. Mit ca. 1.500 Händlern ist er der größte Antiquitätenmarkt weltweit. Das bunten Treiben aus Händlern, Einheimischen und Touristen ist ein wahres Eldorado für Street-Fotografen. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 15-30mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtungszeit 1/90 Sek. bei f/13- Brennweite 39 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Wenn Sie Neuling auf diesem Gebiet sind, erfordert das „Sehen“ wahrscheinlich eher Ihre ganze, ungeteilte Aufmerksamkeit. Sie werden selbst noch unsicher sein und sich fragen: „Kann ich da jetzt einfach abdrücken?“ und selbst ein Freund oder Kollege als Begleitung wird Sie anfangs in Ihrer Konzentration stören. Mich stört es nicht, wenn mich jemand begleitet, aber die meisten machen das nur einmal. Denn eine Fortbewegung im Sinne der Überwindung von Entfernungen ist dabei nicht möglich. Oft bleibe ich lange an einer Kreuzung stehen und beobachte, sehe hier und dort etwas, gehe zurück und so langweilt sich eine Begleitung, die nicht fotografiert, recht schnell.

Motive erkennen lernen Aber wie erkennen Sie nun das Motiv beziehungsweise wie trainieren Sie Ihr „Sehen“? Meiner Ansicht nach ist die beste Trainingsmethode in allen Gattungen der Fotografie das Anschauen von Fotos. Egal, ob in Zeitschriften, Büchern oder im Internet. Googeln Sie ruhig nach Street-Fotos und nehmen Sie sich ausreichend Zeit bei der Betrachtung. Sinn dieser Übung ist nicht, Motive zu „stehlen“ (das wird Ihnen in der ungestellten Street-Fotografie auch kaum gelingen), sondern Ihre Sinne für Situationen zu schärfen. Wenn Sie insbesondere im Web durch die Bilder blättern, werden Sie bei bestimmten Bildern länger verweilen. Betrachten Sie diese


Bilder genauer und finden Sie heraus, warum gerade dieses Foto Sie besonders anspricht. Merken Sie sich diese Elemente und versuchen Sie sie auf der Straße wiederzufinden. Natürlich werden dies in der Regel zunächst einmal ungewöhnliche Charaktere sein, besonders schöne oder skurrile Menschen, die alleine durch optische Merkmale hervorstechen. Aber auch die Interaktion von Menschen wie ein Kuss, Mimik und Gestik in der Kommunikation oder die fehlende Interaktion in der Isolation und Anonymität der Großstadt sind Dinge, die Sie einfangen können. Aber auch wenn Sie sich die gesehenen Fotos nicht bewusst gemerkt haben, wird Ihr Unterbewusstsein Sie auf der Straße wiederfinden. Keine Angst, Sie kopieren nicht. Denn wenn zwei Fotografen auf der Straße vermeintlich das gleiche Foto machen, werden sie aufgrund der subjektiven Sichtweise immer noch zwei völlig verschiedene Bilder erhalten. Mir selbst passiert das, jedoch ohne es auch nur zu bemerken. Ich schaue beruflich jeden Tag Unmengen von Fotos an und verbringe dann auch noch meine Freizeit in Ausstellungen. So machte ich längere Zeit nach dem Besuch einer Ausstellung ein Foto, im guten Glauben, etwas Kreatives und Einmaliges geschaffen zu haben. Mein Mann warf einen kurzen Blick auf das Foto und murmelte etwas von dem offensichtlichen Einfluss von Gregory Crewdson. Ich dachte zunächst, er wolle mir nur ein Kompliment machen, bei genauerer Betrachtung stellte ich jedoch auch eine Ähnlichkeit in der Handschrift fest. Mein Unterbewusstsein hatte bei dieser Aufnahme zumindest bei der Lichtgestaltung und Perspektive das Gesehene auf das Bild adaptiert. Empfehlen kann ich Ihnen hier zum Beispiel die Bildbände „Paris mon amour“ und „Robert Doisneau“, beide von JeanClaude Gautrand im Taschen-Verlag erschienen.

Der Besucher des Britischen Museums in London war lange Zeit so in die Betrachtung des Wandreliefs vertieft, dass ich meinerseits nicht umhin konnte, diesen Moment festzuhalten. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/2000 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher


256 Kapitel 14 | Kreative Fotografie

Kreative PeopleFotografie Um sich von der Masse der inzwischen sehr zahlreichen und auch guten Fotografen abzuheben, lohnt sich auf jeden Fall ein Ausflug in die künstlerische und experimentelle Fotografie. Technisch ausgezeichnete, doch uninspirierte Bilder begegnen uns jeden Tag in rauen Mengen. Also müssen Sie andere Mittel finden, den Betrachter zum Hinschauen zu motivieren.

Die Bewegungsunschärfe des Modells gepaart mit pastelligem Ausbleichen des Fotos geben dem Bild fast den Charakter eines Gemäldes. Obwohl das Modell nur schemenhaft zu erkennen ist, hat das Foto eine erotische Wirkung auf den Betrachter. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 70-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/45 Sek. bei f/13 – Brennweite 140 mm – ISO 160. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 14 | Kreative Fotografie 257

Die abstrakte Fotografie Die abstrakte Fotografie beschäftigt sich in der Hauptsache frei mit Flächen, Farben und Linien, ohne den Kontext abzubilden, in dem sich die Objekte befinden. Wenn Sie sich von der Idee lösen, dass ein Foto eine Aussage über die konkrete Wirklichkeit trifft, und so Ihr Umfeld einmal mit anderen Augen betrachten, erschlägt Sie die Welt mit ihren Farben und Formen. Sie werden gar nicht wissen, wo Sie mit dem Fotografieren anfangen sollen.

Mit Bildern ist es ein wenig wie mit fehlenden Buchstaben in einem Satz: Das menschliche Gehirn fügt die fehlenden Buchstaben einfach hinzu. Und bei einem Foto bildet es aus den sichtbaren Bildelementen wie hier ein Ganzes. So wird das Foto für den Betrachter spannend und er beschäftigt sich länger mit dem Bild. Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/2 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 2000. Foto: Carina Meyer-Broicher

Zunächst mag Ihnen die abstrakte Fotografie einfacher als die gegenständliche erscheinen, doch liegen hier die Schwierigkeiten im Sehen. Ihr Gehirn ordnet Objekten automatisch eine Bedeutung zu. So denken Sie bei jedem Objekt an dessen Funktion und weisen ihm weitere Eigenschaften wie schön oder hässlich, kalt oder warm, schmutzig oder sauber zu. Dieses Wissen ist allgegenwärtig und bestimmt unsere Realität. Versuchen Sie, dies alles zu vergessen, und konzentrieren Sie sich darauf, was Sie wirklich sehen. Konzentrieren Sie sich auf die Form und Farbe der Objekte, auf die sich daraus ergebenden Flächen oder den Kontext, den umgebende Flächen und Formen bilden, sowie die Strukturen der Objekte.

Abstrakt trifft unscharf An dieser Stelle trifft abstrakte Fotografie auf die Unschärfe. In der Farbgebung setzt man auf die Kombination beider Stilmittel: Bei einem scharfen Bild sind Formen und Flächen ganz eindeutig mit einer klar zu erkennenden Farbe belegt. Die Begrenzung ist anschaulich durch die Form oder eine scharfe Abgrenzung zu einer anderen Fläche gegeben. Wenn nun diese Strukturen durch Unschärfe aufgelöst werden, mischen sich die Farben und die Konturen der Formen lösen sich auf. Das menschliche Auge kann kleine verschiedenfarbige Flächen, die dicht beieinanderliegen, aber nicht mehr erkennen, die Farben vermischen sich optisch zu neuen Farben.


Entdecken Sie die Unschärfe als Stilmittel „Unscharfe Bilder? Was soll der Unsinn?“ höre ich einige von Ihnen sagen. Besonders jene, die stets um brillante Schärfe ihrer Fotos bemüht sind und besonders in Fotoforen im Internet ständig Vorträge über Schärfe zu hören bekommen. Es geht hier nicht um sachliche Porträts oder gar Dokumentationen, mit der Unschärfe bewegen wir uns vielmehr auf die künstlerische Fotografie zu. Nicht nur die Unschärfe in ihren verschiedenen Formen, sondern auch gezielte Überbelichtung und Grobkörnigkeit gehören zu dem Thema „kreative Fotografie“. Auch geht es nicht um solche Fotos, die leider verwackelt oder auf andere Weise unscharf geworden sind. Wir sprechen hier über die gezielte manuelle Fokussierung und die damit ausgewählte individuelle Schärfe oder eben Unschärfe eines Fotos, um die Bildwirkung zu verstärken. Die Unschärfe ist keine Erfindung der Fotografie. Bereits die Maler der Romantik haben insbesondere bei Landschaftsbildern bewusst Unschärfen eingesetzt, um damit die emotionale Wirkung der Bilder gegenüber allzu realistischen Darstellungen zu steigern.

Unschärfe – eine Modeerscheinung? Schon in dem 2002 erschienenen Buch „Die Geschichte der Unschärfe“ berichtet Wolfgang Ullrich über das vermehrte Erscheinen unscharfer Fotos, besonders in der Werbung, aber auch bei Schnappschüssen mit Überwachungskameras oder von Paparazzi, die für horrende Summen in der Yellow Press gehandelt werden. Sieben Jahre später ist dieser Trend noch immer ungebrochen. Und nicht nur das ist ein Zeichen, Unschärfe nicht als Modeerscheinung abzutun.

Kölner Karneval einmal anders: Mariechen beim Tanz. Der Fotograf spielt hier mit den Farben und Flächen, die durch die Bewegungsunschärfe entstehen. Dennoch sind die Röcke und Beine deutlich erkennbar. Kamera: Canon EOS 20D mit 28-70 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/2 Sek. bei f/22 – Brennweite 53 mm – ISO 800. Foto: Rolf Simmerer (www.simmerer.de)

Bereits im 19. Jahrhundert wurde in der Fotografie Unschärfe als Stilmittel eingesetzt. Es wurde vor allem zur plastischen Darstellung von Ideologien verwendet: Weichzeichnungen wollten die Romantik zurückholen und die Abstraktion mittels der Unschärfe sollte die Fotografie zur Kunst führen. Damals wie heute wurde die Unschärfe hitzig und kontrovers diskutiert. Doch die Unschärfe ist keine Erfindung der Fotografie. Der wohl berühmteste Vertreter der Romantik, Caspar David Friedrich, hat


vor allem mit seiner Landschaftsmalerei vorgeführt, wie sehr sich die emotionale Wirkung von Bildern von ihrem reinen Wirklichkeitsbezug abheben kann. In vielen seiner Bilder lösen sich Farben und Formen auf. Oft werden seine Bilder auch als melancholisch interpretiert: Seine Gedanken kreisten häufig um das Sein, Vergehen und Werden. Auch der Brite William Turner, ebenfalls ein Vertreter der Romantik, bedient sich in seinen Gemälden der Unschärfe, oft gepaart mit einer starken Wirkung von Licht und Farben. Die Fotografie hat also nicht das Rad neu erfunden, sondern greift wie so oft Mittel der Malerei auf und macht sie sich zu Eigen. Das Spannende an der digitalen Fotografie in Bezug auf die Stilmittel der Unschärfe ist, dass sich die Ausdrucksformen beliebig miteinander kombinieren lassen und auch in der anschließenden Post-Production weitere Elemente hinzugefügt werden können. Halten wir also fest, dass die Unschärfe keine Modeerscheinung ist, sondern bereits seit langem in der Malerei und Fotografie zu Hause ist, wenn auch mit unterschiedlichem Erfolg beim Publikum.

In diesem bewegten Bild habe ich versucht, Musik und Emotionen durch Bewegungsunschärfe darzustellen. Der Musiker ist nur schemenhaft zu erkennen, die Reflexionen lassen den Betrachter das Saxophon deutlich erkennen und stellen es in den Vordergrund. Die Nachtaufnahme wurde unter einer Straßenlaterne aufgenommen. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er – Belichtungszeit 1 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 120 mm – ISO 400. Die einfachste Methode der kreativen Fotografie ist die Langzeitbelichtung, hier auf der Schlittschuhbahn. Die Bewegung der Schlittschuhläufer wirkt wie in Einzelbildern festgehalten, besonders gut zu erkennen an der Person mit der gelben Jacke. Bei einer noch längeren Belichtung würden die Personen ganz aus dem Bild verschwinden. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 15-30mm f/3.5-4.5er Objektiv – Belichtungszeit 4 Sek. bei f/22 – Brennweite 34 mm – ISO 100. Fotos: Carina Meyer-Broicher


Welche Arten der Unschärfe gibt es? Die bewusste manuelle Fokussierung Probieren Sie es einfach einmal selber aus: Schalten Sie den Autofokus Ihrer Kamera ab, stellen Sie das Objektiv auf manuelle Fokussierung und spielen Sie mit der Schärfe des Fotos, das Sie gerade vor der Linse haben. Sie werden erstaunt sein, wie sehr das Ihre Sichtweise verändert. Nein,

ich möchte nicht, dass Sie jetzt nur noch unscharfe Fotos machen. Aber bei dem einen oder anderen Motiv lohnt sich dieser Versuch auf jeden Fall, denn er eröffnet Ihnen eine komplett neue Fotowelt. Es lässt sich nicht pauschal sagen, welche Motive sich besonders gut eignen. Diese bewusst fehlfokussierten Fotos ziehen sich durch alle Genres der Fotografie: Architektur, Landschaft und natürlich auch die Menschenfotografie. Die Entscheidung liegt allein bei Ihnen. Oft ist es eine Eingebung des Augenblicks oder eine Emotion, die mit dem Foto ausgedrückt werden soll. Für mich selbst kann ich nur sagen, dass ich mich hauptsächlich bei dem Versuch der Darstellung von Emotionen zu Unschärfe verleiten lasse. Düstere, melancholische Stimmungen sind in meiner Vorstellung eher diffus, denn scharf.

Die Bewegungsunschärfe Die Bewegungsunschärfe ist Ihnen in diesem Kapitel bereits in der Sportfotografie begegnet. Zumeist ist davon jedoch der Hintergrund oder das Motiv betroffen, nicht das ganze Bild ist unscharf. Wenn wir die Bewegungsunschärfe auf den größten Teil des Fotos ausdehnen, entsteht wieder eine ganz andere Wirkung. Wir unterscheiden hierbei ganz verschiedene, im Groben aber drei Formen der Bewegungsunschärfe:

Auch Kombinationen von Unschärfe mit weiteren fotografischen Stilmitteln sind möglich: Hier trifft die Unschärfe auf eine Low-Key-Aufnahme. Kamera: Nikon D200 mit 28-75 mm f/2.8er – Belichtungszeit 1 Sek. bei f/4 – Brennweite 105 mm – ISO 800. Foto: Norbert Eßer (www.reklamewerk.de)

Das bewegte Objekt Die fotografisch einfachste Form der Bewegungsunschärfe ist, mit einer längeren Verschlusszeit die Bewegung eines bewegten Objekts, in unserem Fall des Modells, im Bild sichtbar zu machen. Davon bleibt der Hintergrund des Fotos unberührt. Wenn das Motiv jedoch formatfüllend aufgenommen wird, hat man eine schöne unscharfe Aufnahme wie zum Beispiel bei den Tanzmariechen auf Seite 259.

Die bewegte Kamera Verwischen Die bewegte Kamera, eigentlich dazu da, um zum Beispiel als Mitzieher die Bewegung einzufrieren, bildet in der Regel den Hintergrund unscharf und das Motiv scharf ab (siehe Sportfotografie,


Wintersport, Seite 210). Wenn man diese Methode bei unbewegten Objekten wie bei einem Modell anwendet, ergeben sich spannende neue Ansichten, das gesamte Bild verwischt horizontal oder vertikal, je nach Bewegungsrichtung der Kamera. Wenn Sie zusätzlich noch Lichter in das Bild integrieren, verwischen als Nebeneffekt der längeren Belichtungszeit die Lichter zu Leucht spuren. Aber auch die Methode, die Kamera im letzten Moment einer etwas längeren Belichtung senkrecht zu verziehen, bildet das Modell noch erkennbar, jedoch unscharf und geheimnisvoll ab. So entsteht ein Schattenbild oder eine Aura, die das Foto geheimnisvoll macht.

Camera-Tossing mag zwar nicht das beste für teuere Spiegelreflexkameras sein, denn nicht immer landet die Ausrüstung wieder sicher beim Fotografen. Hier sieht man aber, dass das eher zufällige Ergebnis dieser Aufnahmetechnik auf jeden Fall kreative und spannende Ergebnisse liefert. Foto: Hugo Corona

Bewegt wird die Kamera auch, wenn Sie aus Fahrzeugen heraus fotografieren. Dabei sollten Sie aber unbedingt darauf achten, dass das Foto nicht noch zusätzlich verwackelt. Das wäre zu viel des Guten. Die Belichtungszeit richtet sich hier nach der Geschwindigkeit des Fahrzeugs. Je schneller Sie sich bewegen, desto kürzer kann die Belichtungszeit ausfallen, die Sie brauchen, um den Effekt zu erreichen.

Camera Tossing Gerade in Mode ist, die Kamera in die Luft zu werfen und zu sehen, was dabei herauskommt. Kamerawurf beziehungsweise. „Camera Tossing“ ist eine experimentelle Technik der Fotografie. Das Auslösen der Kamera erfolgt im letzten Moment beim Hochwerfen oder über den Selbstauslöser. Bei Aufnahmen mit Langzeitbelichtung entstehen durch die Eigenbewegung der Kamera Bilder mit oft ineinander gezirkelten Lichtbahnen. Aber Sie können die Aufnahmen auch bei Tageslicht machen. Der Reiz liegt dann eher in der ungewöhnlichen Aufnahmeperspektive.

Der Zoomeffekt Einzigartig ist ein Effekt, den nur Zoomobjektive bieten: Rasende, fast explosionsartige Actionaufnahmen entstehen durch die Kombination von längeren Belichtungszeiten ab 1/60 Sekunde und einer Veränderung der Brennweite während der Belichtung. Diese Änderung muss sehr schnell geschehen. Schiebezooms sind für den Spurt von der kurzen bis zur längs262 Kapitel 14 | Kreative Fotografie

ten Brennweite wie geschaffen. Das Bildzentrum bleibt dabei relativ scharf, während die Randbereiche nach außen hin wegdriften. Bewegungen schräg zur Horizontlinie oder direkt auf die Kamera zu ergeben die spannendsten Ergebnisse. Da Sie mit relativ langen Verschlusszeiten arbeiten, sollten Sie geringere ISO-Werte ab ISO 50 verwenden. Das hat den Vorteil, dass die Fotos brillanter wirken und der Übergang zwischen Schärfe und Bewegungsunschärfe deutlicher sichtbar wird.

Das bewegte Objekt und die bewegte Kamera Wenn sich sowohl das Objekt als auch die Kamera oder das Objektiv bewegt werden sollen, erfordert das ein sehr präzises Arbeiten, denn sonst erhalten Sie einfach nur ein verwackeltes Foto. Überlegen Sie also bitte vorher genau, ob diese doppelte Bewegung auch wirklich für die Bildwirkung notwendig ist und Sinn ergibt. In den Abbildungen auf Seite 265 finden Sie zwei gelungene Beispiele für die doppelte Bewegungsunschärfe. Bei dem Geiger wurde die Kameradrehung allerdings sehr sparsam eingesetzt und der Geiger selbst bewegt sich innerhalb der Belichtungszeit von 1 Sekunde nicht sehr stark. Das laufende Mädchen ist der experimentellen Fotografie zuzuordnen, eine solche Aufnahme gelingt nur mit Glück auf Anhieb. Das ist ein deutlicher Vorteil der digitalen Fotografie: Sie können nach Herzenslust experimentieren, bis Ihnen ein solches bewegtes Foto gelingt.

Überblendung mit manueller Fokussierung

Der klassische Zoomeffekt, hier bei einem Marathonlauf eingesetzt, verleiht dem Foto eine ungeheure Dynamik. Kamera: Nikon D3 mit 15-30mm f/2.8er Objektiv – Belichtungszeit 1/25 Sek. bei f/22 – Brennweite 57 mm – ISO 100. Foto: PictureArt

Die bewusste Fehlfokussierung wird oft zusätzlich mit einer partiellen oder vollständigen Überbelichtung kombiniert, um so die Abstraktion noch zu verstärken. Dies können Sie entweder sparsam als pastelliges Verblassen einsetzen oder auch bis hin zu komplett ausgefressenen Lichtern, also weißen Bildflächen, übertreiben.

Unschärfe durch Bildbearbeitung Neben der geplanten Unschärfe bei der Aufnahme bietet die Bildbearbeitung zahlreiche Möglichkeiten, die Unschärfe mit


weiteren Stilmitteln zu kombinieren oder ein scharf aufgenommenes Foto nachträglich in die Unschärfe zu führen.

Weichzeichnung und Verwischen

Diese Arbeit kombiniert Aufnahme- und Bildbearbeitungstechnik: Drei Fotos wurden Freihand aufgenommen, dadurch entsteht zusätzlich zur Bewegungsunschärfe noch weitere Dynamik bei der Überlagerung. In Photoshop wurde als Verrechnungsmethode der drei Ebenen „Differenz“ gewählt. Kamera: Canon EOS 20D – Belichtung 1/2 Sek. bei f/22 – Brennweite 42 mm – ISO 400. Foto: Rolf Simmerer (www.simmerer.de)

Adobe Photoshop bringt alleine elf verschiedene Filter zur Weichzeichnung mit. Damit können Sie partiell oder radikal Kameratechniken zur Bildung von Unschärfe simulieren. Aber auch die Filtergalerie bietet über die Kunst-, Mal-, Strukturierungs-, Verzerrungsund Zeichenfilter weitere unzählige Möglichkeiten, nachträglich gezielt Unschärfe ins Foto zu bringen. Viele Plug-ins kombinieren Unschärfe mit Filmkorn. Die Vergröberungsfilter scheinen eigens dafür geschaffen zu sein, über unterschiedliche Methoden Unschärfe ins Bild zu bringen.

Grobpixel Grobpixel sind besonders häufig in der Werbung zu finden. Was für Sie auf den ersten Blick so aussieht, als habe man ein Foto beim Verkleinern oder Vergrößern falsch berechnet, ist ein gezieltes Mittel zur Abstraktion und zwingt den Betrachter, sich länger und genauer mit dem Bild zu beschäftigen und zu versuchen, etwas genau zu erkennen. Der Effekt lässt sich über Filter oder gezielte Fehlberechnungen bei der Vergrößerung oder Verkleinerung des Fotos erzielen.

Pastellfarbenes Verblassen Mit der manuellen Tonwertkorrektur, den Gradationskurven und der Sättigung lassen sich einfach sowohl eine leichte Überbelichtung als auch eine Farbverschiebung zu Pastelltönen mit gleichzeitigem Verblassen der Aufnahme erreichen. Die Wege in Photoshop sind hier so zahlreich, dass ich Ihnen nur empfehlen kann zu experimentieren. Auch hier gibt es viele Plug-ins, die meist unter den Effekten „Washed“ oder „Faded“ das Verblassen oder Auswaschen des Bilds übernehmen.


Häufig findet man Bewegungsunschärfe auch in Fotos zum Thema Musik. Ein leicht bewegtes Objekt, der Fiedler, wurde mit einer Drehbewegung der Kamera kombiniert. So entstand zusätzlich die radiale Unschärfe. Die Schwarzweißkonvertierung und das Filmkorn erfolgten nachträglich in der Bildbearbeitung. So wurden hier vier verschiedene Techniken kombiniert. Kamera: Minolta DiMAGE 7 – Belichtungszeit 1Sek. bei f/3.4 – Brennweite 45 mm – ISO 200.

Grobes Korn Um das Foto nachträglich mit Filmkorn zu versehen, gibt es verschiedene Methoden in Photoshop. Sowohl die Störungs- als auch die Vergröberungsfilter bieten hier verschiedene Methoden an. Insbesondere bei Schwarzweißaufnahmen erzielt man mit diesem Effekt eine gute Wirkung und das Bild erhält zusätzlich einen analogen Touch. Man muss jedoch zugeben, dass analoges Korn von keinem Filter wirklich perfekt simuliert wird. Das kosten lose Plug-in „Virtual Photographer“ bietet Ihnen die Möglichkeit, Filmkorn in verschiedenen ISO-Abstufungen nachzuahmen. Diese Funktion lässt sich auch allein anwenden, ohne die anderen Filter des Plug-ins zu benutzen (www.optikvervelabs.com).

Vorsatzfilter und andere Methoden

Hier verwischen die Grenzen zwischen Fotografie und Malerei im wahrsten Sinne des Wortes. Dieses Self der Fotografin bringt einiges an Bewegung ins Bild: Im Laufen nahm sie ihre eigenen Füße auf. So erhält das Foto die Dynamik der bewegten Kamera und des bewegten Objekts aus einer ganz anderen Perspektive. Kamera: Canon Digital Ixus 75. Foto: Melanie Jörns (www.melaniejoerns.de)

Spezielle Vorsatzlinsen für das Objektiv machen eine anschließende Bildbearbeitung überflüssig. So gibt es eine breite Palette an Soft-FocusFiltern, die über kleine linsenartige Strukturen in der Filterscheibe das Motiv mit einer leichten Unschärfe überlagern. Das Foto wird weich und erhält einen pastellartigen Charakter. Kameras mit Motivprogrammen haben diesen Filter quasi schon eingebaut. Sie finden ihn zumeist unter der Bezeichnung „Weichfokus“. Um eine Unschärfe oder Weichzeichnung zu erreichen, eignen sich aber auch alle Arten von transparenten und halb transparenten Stoffen, die als Diffusor direkt vor der Linse oder vor dem Motiv wirken. Feinstrumpfhosen, Gaze oder Strukturglas haben sich hier sehr gut bewährt. Als altbekannter Filterersatz wirkt auch das Anhauchen der Linse. Ganz natürliche Weichzeichner oder Störungsfilter sind auch Nebel, Regen oder Schneefall. Bei Schnee oder Regen benötigen Sie allerdings lange Belichtungszeiten, um den Effekt auch wirksam sichtbar zu machen.


266 Kapitel 15 | Das Farbmanagement

Das Farbmanagement Das Farbmanagement ist der Prozess, der sicherstellen soll, dass die Farben, die Sie bei der Aufnahme durch das Objektiv sehen, während der verschiedenen Schritte des digitalen Workflows − Aufnahme, Bildbearbeitung, Druck oder Ausbelichtung − so bleiben, wie sie sein sollen.

Kapitel 15 | Das Farbmanagement 267

Schematische Darstellung des digitalen Workflows. Von der Aufnahme über die Bildbearbeitung bis hin zum Druck stellt die Arbeit mit Farbprofilen sicher, dass Ihr Foto genauso aus dem Drucker kommt, wie Sie es aufgenommen haben.

Warum brauchen Sie ein Farb management? Mit dem Farbmanagement (Englisch = color management, kurz CM) soll also erreicht werden, dass eine Vorlage, die mit einem beliebigen Eingabegerät − Scanner oder Digitalkamera − erfasst wurde, an einem beliebigen Ausgabegerät − Drucker oder Ausbelichter − möglichst genau wiedergegeben wird. Beispielsweise soll ein Monitor (Ausgabegerät) die Farben der Fotos einer Digitalkamera (Eingabegerät) möglichst so anzeigen, wie die Kamera die Farben aufgenommen hat. Die Aufgabe eines Farbmanagementsystems (Englisch = CMS, color management system) besteht darin, geräteabhängige Farbbeschreibungen anhand eines Geräteprofils in einen geräteunabhängigen Austauschfarbraum (Englisch = Profile Connection Space, kurz PCS) und auch wieder aus diesem heraus zu konvertieren. Dadurch wird erreicht, dass jedes Gerät in einem Farbmanagementsystem die Farben annähernd gleich darstellt. Ein einfaches Beispiel ist der Ausdruck von Fotos, die dank eines Farbmanagementsystems auf dem Monitor und auf dem Ausdruck identisch aussehen sollten. 268 Kapitel 15 | Das Farbmanagement

Als Geräteprofile kommen in der Regel ICC-Profile zum Einsatz. Die beteiligten Farbräume sind RGB für Digitalkameras und Monitore, CMYK für den Drucker und den geräteunabhängigen Farbraum CIE-LAB (CIE = Commission Internationale de l’Éclirage). Der CIE-LAB-Farbraum dient in diesem Fall als Übersetzer zwischen den anderen Farbräumen (PCS).

Farbmanagement mit ICC-Profilen 1993 gründeten eine Reihe von Industrieunternehmen, darunter Adobe, Agfa, Apple, Kodak und Microsoft, das „International Color Consortium“ (aus dem Englischen = internationales Farbkonsortium, kurz ICC) mit dem Ziel, einen offenen, hersteller- und plattformunabhängigen Standard für den Austausch von Farbdaten zwischen Anwendungsprogrammen auch über Betriebssystemgrenzen hinweg zu schaffen. Ein ICC-Profil oder auch Farbprofil ist ein genormter Datensatz, der den Farbraum eines Farbeingabe- oder Farbwiedergabegeräts beschreibt. Ziel eines konsequent eingesetzten Colormanagements ist, dass eine Vorlage, die mit irgendeinem Eingabegerät erfasst wurde, an einem beliebigen Ausgabegerät möglichst ähnlich wiedergegeben wird. Die ICC-Profile sind seitdem essenzieller Bestandteil eines CMS. Das ICCProfil ist wie ein Fingerabdruck eines Geräts zur Aufnahme und Wiedergabe von Farben: Es beschreibt den gerätespezifischen Farbraum und die Farbfehler des Eingabegeräts, indem es ihn bei einem Eingabegerät auf einen geräteunabhängigen Austauschfarbraum, PCS, abbildet oder umgekehrt die Übersetzung aus dem PCS auf den Gerätefarbraum des Ausgabegeräts vornimmt und dabei dessen Farbverschiebungen berücksichtigt.

Profil-Klassen (Classes) ●

Monitor (mntr): Anzeigegeräte wie Monitore

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Eingabe (scnr): Eingabegeräte wie Scanner, Digitalkameras

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Ausgabe (prtr): Ausgabegeräte wie Tintenstrahldrucker, Druckmaschinen bzw. Druckprozesse.

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Verknüpfung (link): „Named Color”-Profile (nmcl), „ColorSpace Conversion”-Profile (spac), „Abstract”-Profile (abst)

ICC-Profiltypen Der ICC-Standard unterscheidet sieben verschiedene Typen von ICC-Profilen, die in zwei Klassen eingeteilt werden: Die „Device Class“ beschreibt das Wiedergabeverhalten von Geräten wie Scannern, Druckern oder Monitoren, während die „Profile Class“ laut ihrer Definition nicht an Gerätetypen gebunden ist. Die drei „Device Class“-Profilarten beschreiben die Eingabe, die Wiedergabe und die Ausgabe der Farben. Eingabeprofile, intern mit der Abkürzung „scnr“ bezeichnet, waren ursprünglich zur Beschreibung von Scannern gedacht. Heute nutzt man sie auch, um das Farbverhalten von Digitalkameras zu erfassen. Monitorprofile, die mit „mntr“ abgekürzt werden, definieren die Farbwiedergabe von Röhrenbildschirmen (CRT) und Flachmonitoren (TFT).


Windows verwaltet die ICC-Profile im Verzeichnis C:\Windows\system32\ spool\drivers\color. Wenn Sie Profile von Ihrem Ausbelichter erhalten oder aus dem Internet herunterladen, müssen sie in diesem Verzeichnis gespeichert werden.

Die intern mit „prtr“ bezeichneten Ausgabeprofile beschreiben alle Arten von Druckmaschinen. Darunter fallen nicht nur Desktop-Drucker für Fotos und Proofs, sondern auch Fotobelichter. Ebenfalls in diese Kategorie gehören Druckverfahren wie Offsetdruck oder Siebdruck. Im Alltag des Fotografen weniger gebräuchlich, aber zum Teil nicht minder wichtig für die spätere Bildaufbereitung, sind die vier Profiltypen der „Profile Class“. „Device Link“-Profile, kurz „link“ genannt, können zwei Ausgaben zusammenfassen. Das ist vor allem für Proof-Zwecke interessant. „Named Color“-Profile (nmcl) beschreiben die Farbwerte von Sonderfarben wie die Pantone- und HKS-Schmuckfarben. „Color Space Conversion“-Profile (spac) sind zur Umwandlung von Farb räumen gedacht, während „Abstract“-Profile (abst) abstrakte Farbräume definieren. Anwendung finden Letztere vor allem in Forschung und Wissenschaft.

Die Profilerstellung Die Profilerstellung basiert auf der Farbmessung. Dabei werden Farben, deren genauer Farbwert bekannt ist, vom Gerät wiedergegeben und diese Darstellung wird dann mit dem bekannten Wert verglichen. Daraus ergibt sich unter anderem der Gamut (engl. Farbskala), der die Fähigkeit der Farbwiedergabe eines Geräts beschreibt. Dieses Profil erhalten Sie durch die Monitorkalibrierung. Monitorprofile müssen regelmäßig neu generiert werden, da sich Monitore im Laufe der Zeit verändern. Herstellerprofile sind nur für die Geräteserie, nicht jedoch für das spezifische Gerät pas-


send und ein Profil gilt immer nur für einen bestimmten Zustand des betreffenden Geräts. Wechseln Sie also zum Beispiel bei Ihrem Drucker die Papiersorte und stellen Sie von einem weißen auf ein gelbliches Papier um, so führen dieselben CMYK-Werte zu abweichenden Farben. Die ICC-Profile für Ihre Hardware erhalten Sie vom Gerätehersteller. Sie müssen also hier nicht zwingend eigene Profile erstellen. Auch die Fotobelichter stellen Ihnen zur Ausbelichtung Ihrer Fotos ICC-Profile zur Verfügung, ebenso die Papierhersteller, da sich das Profil für den Drucker unter Umständen mit der verwendeten Papiersorte ändert.

Die verschiedenen Farbmodi Sie kennen aus Ihrer Bildbearbeitungs-Software wahrscheinlich zumindest dem Namen nach bereits den RGB-, den LAB-, den CMYK- und den Graustufenmodus. In der Regel nehmen Sie Ihre Fotos im RGB-Modus auf und verarbeiten Sie auch in diesem Modus weiter. Wenn Sie Ihr Foto aber drucken oder ausbelichten möchten, geschieht dies im CMYK-Modus.

Der RGB-Modus

Das RGB-Farbmodell setzt sich aus den drei Grundfarben Rot, Grün und Blau zusammen. Beim additiven Farbmodell ergibt die Summe der Grundfarben Weiß.

Das RGB-Farbmodell ist ein additives Farbmodell. Das bedeutet, dass die Summe der drei Grundfarben Weiß ergibt. Alle Farben werden aus den Grundfarben Rot, Grün und Blau gemischt und jede Farbe lässt sich über drei Koordinaten definieren: ihren Rot-, Grün- und Blauanteil. Im RGB-Farbraum könnten zwar mehr Farben dargestellt werden, als das menschliche Auge sehen kann, aber es werden andererseits nicht alle Farben dargestellt, die das menschliche Auge sehen kann. Bei Fotos im 8-Bit-Modus (pro Farbkanal) kann jeder Farbwert zwischen 256 Tonwertstufen variieren, von 0 bis 255. So entspricht 0,0,0 der Farbe Weiß und 255, 255, 255 der Farbe Schwarz. Auf diese Art und Weise ergeben sich insgesamt mehr als 16 Millionen mögliche unterschiedliche Farbtöne, im 16-Bit-Modus sind es insgesamt sogar 281 Billionen Farben.

Der CMYK-Modus CMYK steht für die Farben Cyan, Magenta, Yellow (Gelb) und Key (Schwarz, zur Erhöhung des Kontrasts in dunklen Stellen) und ist ein subtraktives Farbmodell, welches die technische Grundlage für den modernen Vierfarbdruck bildet. Der Wertebereich jeder einzelnen Farbe geht von 0% bis 100%, wobei 0% einer unbedruckten und 100% einer Volltonfläche entsprechen.

Das CMYK-Farbmodell setzt sich aus den drei Grundfarben Cyan, Magenta und Gelb (Y = Yellow) zusammen. Beim subtraktiven Farbmodell ergibt die Summe der Grundfarben Schwarz.


Der Lab-Farbmodus Das CIE-Lab-Farbmodell ermöglicht eine geräteunabhängige Farbdarstellung. Dargestellt wird dieses System als zweidimensionale Fläche, bei der die Spektralfarben − von Violett über Blau, Cyan, Grün, Gelb bis Rot − entlang der äußeren Linie liegen. Jeder Farbe wird dabei ein bestimmter Punkt innerhalb eines xy-Koordinatensystems zugeteilt. Auf der x-Achse des Koordinatenkreuzes werden alle Rotanteile einer Farbe eingetragen, auf der y-Achse die Grünanteile. Zusätzlich werden auf der Z-Achse die unterschiedlichen Helligkeiten dargestellt. Die a-Achse geht von Grün nach Rot, die b-Achse von Blau nach Gelb. Der L-Wert bestimmt die Helligkeit: Ein Wert von 0 erzeugt Schwarz, ein Wert von 100 Weiß.

In diesem Modell entsprechen die Unterschiede in den Lab-Farbwerten jeweils den Farbunterschieden, wie sie das menschliche Auge empfindet. Lab-Farben lassen sich wie RGB-Bilder mit 24 Bit (3 x 8) kodieren. Der Vorteil des Lab-Systems ist, dass es standardisiert und geräteunabhängig ist. Es umfasst alle sichtbaren Farben und damit auch RGB- und CMYKFarben.

Arbeiten mit Farbräumen Es klingt ein wenig verwirrend, aber innerhalb eines Farbmodus existieren verschiedene Farbräume. Die Farbräume sind meist unterschiedlich groß, aber auch gleich große Farbräume müssen nicht deckungsgleich sein. Farben und Farbunterschiede werden bei der Nutzung des kleineren Farbraums geändert oder bei aktiviertem Farbmanagement gezielt an den neuen Farbraum angepasst. Eine Sonderstellung nimmt der geräteunabhängige Lab-Farbraum ein. Er enthält alle durch das menschliche Auge wahrnehmbaren Farben. Alle anderen Farbräume stellen immer nur Teilmengen des Lab-Farbraums dar. Er dient deshalb als Referenzfarbraum, um alle anderen Farbräume ineinander umzurechnen. Hier sehen Sie den Adobe-RGB-Farbraum (graues Gitter) im Vergleich zum sRGBFarbraum. Der sRGB-Frabraum ist deutlich kleiner. Am Monitor und im Web hat das keine Auswirkungen, beim Druck oder bei der Ausbelichtung schon.

Im Menü der Kamera lässt sich der Farbraum von sRGB auf Adobe RGB umstellen.


Der Kamerafarbraum Viele höherwertige Digitalkameras bieten die Möglichkeit, den Farbraum einzustellen und zwischen sRGB und Adobe RGB (1998) zu wählen. Dabei ist der Adobe-RGB-Farbraum deutlich größer und deshalb in der Lage, wesentlich mehr Farbinformationen abzubilden als der sRGB-Farbraum.

Für die reine Monitor- oder Internetdarstellung ist der sRGB-Farbraum vollkommen ausreichend. Wenn Sie jedoch hochwertige Ausbelichtungen auf Fotopapier machen möchten, bietet der Adobe-RGB-Farbraum deutliche Vorteile bei der Konvertierung in den CMYK-Farbraum. Wenn Sie also die Möglichkeit haben, stellen Sie Ihre Kamera um. Es besteht auch die Möglichkeit, eigene Kameraprofile zu erstellen. Dazu benötigen Sie neben einer Profilierungs-Software spezielle Testtafeln. Der große Aufwand lohnt sich jedoch nur, wenn Sie unter immer gleichen Bedingungen, also konstanten, identischen Lichtverhältnissen und mit abgeschaltetem Weißabgleich, fotografieren.

Der Monitorfarbraum Eine zentrale Bedeutung hat die Kalibrierung des Monitors, mit der wir uns auf den nächsten Seiten beschäftigen. Nach Abschluss der Kalibrierung wird ein Monitorprofil erstellt und automatisch eingebunden. Alle erstellten Farbprofile werden unter Windows im Ordner „C:\windows\ system32\spool\drivers\color“ abgelegt. Durch einen Rechtsklick auf den Windows-Desktop erreichen Sie über das Menü Anpassen > Anzeige >  Erweiterte Einstellungen die  Farbverwaltung. Drücken Sie die Schaltfläche Farbverwaltung. Im Menüpunkt Geräte können Sie über die Schaltfläche  Hinzufügen das erstellte  Farb profil dem Monitor zuordnen. Eine Übersicht über alle auf Ihrem Computer  gespeicherten Profile zeigt Ihnen das Dialogfenster Alle Profile. Wählen Sie  Als Standarprofil festlegen aus und schließen Sie die  Farbverwaltung. 

Noch drastischer fällt der Vergleich zwischen dem Adobe-RGB- (graues Gitter) und dem CMYK-Farbraum aus. Es wird klar, dass es unter Umständen schwierig wird, einige Farbtöne auf das wesentlich kleinere Farbmodell umzurechnen.




Arbeiten mit Profilen in Photoshop Um sicherzustellen, dass auch während der Bildbearbeitung nichts schiefgeht und die Farben Ihres Fotos auch beim Druck noch so aussehen wie auf der Kamera, müssen Sie in Adobe Photoshop das Farbmanagement bearbeiten. Rufen Sie unter Bearbeiten > Farbeinstellung ((Strg)+(ª)+(K)) auf.

1. Arbeitsfarbräume Im Regelfall möchten Sie, dass Ihre Fotos möglichst lange während der Bearbeitung dem Farbumfang des Originals entsprechen und erst beim Speichern für das Internet oder beim Drucken in den kleineren Farbraum konvertiert werden. Darum stellen Sie auch hier − wie zuvor an Ihrer Kamera − als Arbeitsfarbraum RGB: Adobe RGB (1998) ein. Die Farbeinstellungen, die Sie hier sehen, habe ich angelegt, damit Sie in diesem Buch die Fotos auch möglichst so sehen, wie sie von den Fotografen aufgenommen wurden. Deshalb ist bei dem Arbeitsfarb raum CMYK auch Euroscale Coated v2 ausgewählt. Sie können aber ebenso ISO Coated auswählen, da die meisten Desktop-Drucker wie zum Beispiel die von Epson, Canon and HP mit einem RGB-Profil arbeiten und diese Einstellung daher keinen Einfluss auf Ihren Tintenstrahldrucker hat.

2. Farbmanagement-Richtlinien In den Farbmangement-Richtlinien bestimmen Sie nun, was passiert, wenn Sie ein Foto öffnen möchten, dessen Profil nicht mit den von Ihnen im System eingestellten Farbräumen übereinstimmt. In der Regel werden Sie kaum mit Fremdfotos zu tun haben, bei mir ist dies doch häufig der Fall. Aber vielleicht bearbeiten Sie einmal das Bild eines Kollegen oder haben Fotos nicht mit Ihrer eigenen Kamera aufgenommen. Dann spielt es eine Rolle, wie Photoshop mit diesen fremden Profilen verfahren soll. Hier ist die Konvertierung der Profile so eingestellt, dass ich die Daten in meine eigenen Farbräume überführen möchte. Um sicher zu sein, dass


dies auch sinnvoll ist, sind für alle Abweichungen Häkchen unter Beim öffnen wählen gesetzt.  So können Sie für jedes Bild entscheiden, was mit eingebetteten oder fehlenden Profilen passieren soll.



3. Konvertierungsoptionen Hier geht es darum, mit welcher Methode Fotos von einem Farbraum oder -modus in einen anderen konvertiert werden sollen. Wählen Sie als Modul Adobe (ACE) mit der Priorität Relativ farbmetrisch aus. Denn bei Fotos, bei denen nur vereinzelt kleinere Bereiche außerhalb des Zielfarbraums liegen, liefert diese Einstellung die besten Ergebnisse. Bei der Umrechnung werden die Farben, die außerhalb des neuen Farbraums liegen, in Richtung der ähnlichsten Farbe im Zielfarbraum verschoben. Farben, die im neuen Farbraum bereits vorhanden sind, werden nicht geändert. Die Grundhelligkeit und die Brillanz des Bilds bleiben erhalten.

Der Ausgabefarbraum Der Farb-Proof Bei diesem Workflow sind wir davon ausgegangen, dass Sie Ihre Fotos so lange wie möglich im Adobe-RGB-Farbraum bearbeiten. Speichern Sie das fertige Foto zunächst, da Sie nach der Konvertierung eventuell noch Anpassungen an den Farb- und Helligkeitseinstellungen vornehmen müssen.

Damit Sie einen Eindruck davon bekommen, wie Ihr Foto auf Ihrem Drucker aussieht oder die Ausbelichtungsdatei ausfällt, können Sie sich über den Farb-Proof schon vorab auf dem Monitor die Darstellung der Farben ansehen. Dazu müssen Sie den Proof zunächst einrichten, indem Sie in


Adobe Photoshop über das Menü Ansicht > Proof einrichten > Benutzerdefiniert aufrufen. Hier können Sie nun unter zu simulierendes Gerät das ICC-Profil des Ausgabemediums aufrufen, mit dem das Foto ausbelichtet oder gedruckt werden soll.

Viele Druckereien und Ausbelichter geben für ihre Geräte spezielle ICC-Profile an. Andere hingegen geben standardisierte Farbprofile (wie zum Beispiel „sRGB“ oder „CMYK ISO coated“) zur Erzielung möglichst farbgetreuer Ergebnisse an. Erkundigen Sie sich deshalb vorab über das Prozedere. Wählen Sie also entweder das ICC-Profil Ihres Druckers, abgestimmt auf das Papier, das Sie verwenden, oder das Profil Ihres Ausbelichters. Die Bedingungen für Ihren Farb-Proof können Sie nun speichern. Das bietet Ihnen die Möglichkeit, für den Bildschirm-Proof zwischen Ihrem Drucker zu Hause und dem Ausbelichter auch einmal schnell zu wechseln.

Über das Menü Ansicht > Farbproof ((Strg)+(Y)) schalten Sie in der Bildschirmansicht zwischen Farb-Proof und aktuellem Farbraum des Fotos hin und her.


Über das Menü Ansicht > Farbumfang-Warnung ((Strg)+(ª)+(Y)) können Sie die Bereiche, die im eingestellten Profil nicht dargestellt werden können, anzeigen lassen. Die Anzeige erfolgt standardmäßig in Grau.

Da Grau jedoch oft schlecht zu erkennen ist, können Sie im Menü Bearbeiten > Voreinstellungen > Transparenz & Farbumfang-Warnung statt Grau auch eine andere, besser sichtbare Farbe wählen.

Konvertieren Sie Ihr Foto nun in den Ausgabefarbraum und nehmen Sie gegebenenfalls nach der Konvertierung noch Anpassungen an den Farbund Helligkeitseinstellungen vor. Kapitel 15 | Das Farbmanagement 277

Die Monitorkalibrierung Brauchen Sie ein Kolorimeter? Auch wenn Sie meinen, ein gutes Auge zu haben, mit Ihren Ausdrucken weitgehend zufrieden sind und bei der Beurteilung Ihrer Fotos auf fremden Monitoren noch nie die Farbe bemängelt wurde, sollten Sie dennoch Ihren Monitor regelmäßig kalibrieren. Ich kann nur davon abraten, den Bildschirm über Software-Tools einzustellen. Und das nicht nur deswegen, weil fast 10% der Männer von Farbfehlsichtigkeit betroffen sind (bei Frauen sind es nur 1%). Wenn Sie also ein ambitionierter Fotograf sind und viele Ihrer Fotos mit einer Bildbearbeitungs-Software weiterverarbeiten, diese drucken oder ausbelichten lassen, wird sich die Anschaffung einer solchen Hardware bzw. eines Farbmanagementsystems auf jeden Fall lohnen. Neben der Sicherheit zu wissen, dass Ihre Fotos nach der Monitorkalibrierung überall gleich gut aussehen, ersparen Sie sich auch Zeit- und Arbeitsaufwand bei Farbkorrekturen Ihrer Fotos, die mit gutem Farbmanagement eventuell gar nicht nötig gewesen wären. Am Markt existieren verschiedene Anbieter solcher Monitorkalibra tionslösungen. Der Vorgehensweise ist bei allen Kalibrationslösungen im Wesentlichen die gleiche. Der Monitor wird mit Hilfe eines Messinstruments, das über USB an den Rechner angeschlossen ist, profiliert. Dies betrifft Gammawert, Farbtemperatur und Weißpunkt. Bei hochwertigen Bildschirmen kann man hierbei mit den Bedienelementen und per Rückantwort der Kalibrationssoftware die jeweiligen Parameter auf den gewünschten Wert einstellen. Anschließend wird der Monitor gemessen und ein Farbprofil erstellt. Zunächst sollte man für sich jedoch abklären, ob sich aufgrund von Rahmenbedingungen eine solche Anschaffung überhaupt lohnt. Hier die wichtigsten Punkte, auf die man für eine Monitorkalibration achten sollte.

Eignet sich Ihr Monitor für eine Kalibrierung? Der Pantone Huey Pro stellt eine preisgünstige Lösung zur Kalibrierung Ihres Monitors dar. Das Gerät kostet ca. 155 Euro und misst kontinuierlich das Umgebungslicht. www.pantone.de


Grundsätzlich ja, Kolorimeter können Sie auf CRT-, LCD- oder Laptop-Anzeigegeräten verwenden. Auch wenn Sie in der Regel bei Letzteren nur die Helligkeit regeln können, lassen sich Laptops befriedigend kalibrieren. Mit zunehmendem Alter treten jedoch bei Röhrenmonitoren (CRT) Schwächen auf, so dass Sie diese dann leider nicht mehr zuverlässig kalibrieren können. Es entstehen Farbverschiebungen und der Kontrast sinkt deutlich.

Die Beleuchtung Das Umgebungslicht an Ihrem Bildschirmarbeitsplatz sollte konstant sein und eine ausreichend hohe Farbtemperatur aufweisen. Viele Lichtquellen wie Glühbirnen oder Halogenleuchten haben eine Farbtemperatur zwischen 2600 und maximal 4000 Kelvin und sind somit nicht geeignet. Da das menschliche Auge bzw. Gehirn sich schnell auf einen Weißpunkt einstellt, erscheint Ihnen die Farbwiedergabe am Monitor im Vergleich zu Ihrer weißen Wand am Arbeitsplatz zu kühl. Auch Tageslicht ist nicht ideal und ändert sich zudem ständig mit der Wetterlage und Tageszeit. Um dem Rechnung zu tragen, gibt es mittlerweile Kalibrations lösungen, die das wechselnde Umgebungslicht berücksichtigen. Dies funktioniert aber nur begrenzt zuverlässig.

Die Umgebungsfarben Auch die Umgebungsfarben und sogar die Farbe Ihrer Kleidung beeinflussen die Farbwirkung Ihres Monitorbilds. Wenn Sie ganz besonders genau sein wollen, streichen Sie die Bürowände am besten in Neutralgrau und ziehen Sie bei der Monitorarbeit ein graues oder schwarzes T-Shirt an. Ich kann verstehen, dass Sie Ihr neuestes, bestes und eventuell knallbuntes Foto als Desktophintergrund verwenden. Aber auch der Bildschirmhintergrund sollte neutral sein, denn eine farbige Umgebung führt bei der Bildbeurteilung zu falschen Eindrücken und kann dafür sorgen, dass Sie selbst ein neutrales Grau nicht mehr als solches wahrnehmen.

Wie oft müssen Sie Ihren Monitor kalibrieren?

Der Spyder 3 von Datacolor ist deutlich robuster als der kleine filigrane Huey. Für die Beschreibung der Monitor kalibrierung auf den nächsten Seiten kam dieses Gerät zum Einsatz. www.datacolor.eu/de

Zuerst einmal sollten Sie am Monitor keine Einstellungen über die Bedienelemente verändern und die Möglichkeit des Displays, die Helligkeit dem Umgebungslicht anzupassen, abschalten. Da Röhrenmonitore schneller altern und mehr Schwankungen unterliegen, sollten Sie diese alle zwei Monate nachkalibrieren. CRTs müssen warmlaufen, der Bildschirm sollte eine halbe Stunde an sein, bevor Sie mit dem Kalibrieren beginnen.

Moderne Flachbildschirme sind in der Regel stabiler und sollten unter gleich bleibenden Umgebungsbedingungen alle drei bis vier Monate nachkalibriert werden.


280 Kapitel 16 | Die RAW-Entwicklung

Die RAW-Entwicklung Um die bestmögliche Bildqualität Ihrer DSLR zu erreichen, nehmen Sie Ihre Fotos im RAW-Format auf. Diese erfordert eine Weiterverarbeitung im RAW-Konverter, der daraus DNG-, PSD-, TIFF- oder JPEG-Dateien erzeugt, damit Sie Ihre Bilder mit gängigen Bildbearbeitungsprogrammen weiter be- und verarbeiten können.

Adobe liefert mit Photoshop ein komfortables Konvertierungstool, das Adobe Camera RAW, zur Entwicklung Ihrer RAW-Dateien mit. Kamera: Nikon D100 mit 105 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/3.0 – Brennweite 158 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 16 | Die RAW-Entwicklung 281

Das RAW-Format Das RAW-Format bietet Ihnen viele Vorteile beim Fotografieren. In diesem Bildformat werden die Informationen des Aufnahmesensors ohne jegliche Interpretation und Kompression gespeichert. Die Kamera erstellt also kein digitales Bild im eigentlichen Sinne, sondern speichert nur „Rohdaten“ auf der Karte. Ein normales Bildbearbeitungsprogramm kann diese Informationen nicht lesen. Die Rohdaten lassen sich jedoch mittels eines RAW-Konverters in jedem Detail manuell bearbeiten, angefangen vom Weißabgleich über die Belichtungskorrektur bis hin zur Farbkorrektur und zum Schärfen der Fotos.

Bestandteile der RAW-Datei EXIF-Daten Enthalten Informationen über das Kameramodell, die verwendeten Aufnahmeparameter wie Belichtungszeit, Blende etc. Bildparameter Sind zwar während der Aufnahme von der Kamera festgelegt worden, können allerdings im RAW-Konverter nachträglich editiert oder verworfen werden. Dazu gehören z.B. Farbmodus, Weißabgleich, Sättigung, Tonwertverteilung und Bildschärfung. Bilddaten Nicht interpolierte Rohdaten direkt vom Chip

282 Kapitel 16 | Die RAW-Entwicklung

Wegen der zahlreichen Möglichkeiten gehört das RAW-Format zu den beliebtesten Datenformaten in der professionellen Fotografie. Es bleibt jedoch ganz Ihrer Einschätzung und Entscheidung überlassen, ob Sie bei der Kamera trotzdem einen Weißabgleich und andere Bildparameter einstellen, da diese keinerlei Einfluss auf die Rohdatei haben. Ich selbst stelle keine Parameter ein und mein Weißabgleich steht immer auf Standard. Wenn Sie die Kamera auch andere Parameter berechnen lassen, stehen Ihnen diese Daten in einem separaten Bereich der RAW-Datei zur Verfügung und Sie können sie in die Entwicklung integrieren oder verwerfen.

Vorteile des RAW-Formats auf einen Blick ●

Einfacheres Fotografieren: Sie müssen weniger Bildparameter bei der Aufnahme beachten.

●

Höhere Bildqualität, keine Kompressionsverluste wie z.B. durch das normale JPEG-Verfahren

●

Nachträglicher stufenloser Weißabgleich unabhängig von der Einstellung während der Aufnahme im Bereich zwischen 2.000 und 10.000 Kelvin

●

Größere Datentiefe: Die Rohdaten speichern die Helligkeitswerte mit der vollen Bittiefe.

●

Größerer Dynamikbereich der gespeicherten Bildinformation und gezielt steuerbares Kontrastverhalten einzelner Helligkeitsbereiche

●

Stufenlose Steuerung der Farbsättigung im RAW-Konverter zur Regelung bzw. Optimierung der Farbnuancen des Motivs

●

Gezielte Steuerung beim digitalen Nachschärfen, präzise Einstellungen individuell auf das Motiv abgestimmt.

Der RAW-Konverter

Hersteller

Dateierweiterung

Alle aktuellen Rohdatenformate sind proprietär. Das bedeutet, dass jeder Kamerahersteller sein eigenes Rohdatenformat verwendet. Aus diesem Grund gibt es im Wesentlichen zwei Arten von RAW-Konvertern. Zum einen die vom Hersteller mitgelieferten Konverter, die ausschließlich die eigenen Rohdaten verarbeiten können, und zum anderen Entwicklungssoftware, die eine Vielzahl von Rohdaten unterschiedlichster Kamerahersteller lesen und interpretieren können. Ein solches Produkt ist das Adobe Camera RAW. Sie müssen diese Software nicht eigens kaufen, sie ist integraler Bestandteil von Adobe Photoshop und Lightroom.

Adobe Digital Negative

*.DNG

Canon

*.CRW, *.CR2

Contax

*.RAW

Epson

*.ERF

Fuji

*.RAF

Hasselblad

*.3FR

Der digitale Workflow beginnt mit dem Datenimport. Wenn Sie regelmäßig fotografieren, fallen große Menge an Bilddaten an, die verwaltet und bearbeitet werden wollen. Wenn Sie die Arbeitsschritte, die nach dem Shooting anfallen, vereinheitlichen, spart Ihnen dies Zeit und Arbeit. Zunächst müssen die Fotos natürlich von der Speicherkarte auf den Rechner. Wenn Sie bereits den Import mit professioneller Software vornehmen, haben Sie die Möglichkeit, beim Import gleich Keywords zu vergeben und die IPTC-Daten zu ergänzen. Wir schauen uns den Prozess in Adobe Lightroom an. Die Bedienung des Adobe Camera Raws (ACR) in Adobe Photoshop ist identisch und bietet die gleichen Funktionen.

Kodak

*.DCR, *.DCS *.KDC

Leica

*.RAW, *.DNG

Mamiya

*.MEF

Minolta

*.MRW, *.MDC

Nikon RAW

*.NEF

Olympus

*.ORF

Panasonic

*.RAW, *.RW2

Pentax

*.PEF, *.DNG

Sigma

*.X3F

Sony

*.SRF, *.SR2, *.ARW

 



Lightroom bietet beim Import von der Speicherkarte oder von der Festplatte eine Reihe von Optionen wie zum Beispiel die Eingabe der  IPTC-Daten und die Vergabe von Stichwörtern, die Ihnen helfen, ein bestimmtes Foto schnell wieder aufzufinden.

Kapitel 16 | Die RAW-Entwicklung 283

Die RAW-Entwicklung mit ACR Welche Schritte sollten Sie im RAW-Konverter abarbeiten? Die Menschenfotografie stellt andere Ansprüche an Ihren Arbeitsablauf wie zum Beispiel die Architekturfotografie. Während es dabei wohl eher um „Gerade ausrichten“ und „Freistellen“ geht, liegt der Schwerpunkt beim Porträt eher in der Optimierung der Hauttöne und der Bildschärfe an den richtigen Stellen. Grob können wir vier Bereiche festlegen: Farben, Belichtung, andere Korrekturen und die Ausgabe.



 

 

L

 

Foto Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/150 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 300 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Nach dem Import Ihrer Fotos in Lightroom wechseln Sie zum Modul  Entwickeln ((Strg)+(Alt)+(2)). Wählen Sie unten im  Filmstreifen das Foto aus, welches Sie bearbeiten möchten. Schalten Sie die  Vergleichsansicht Vorher/Nachher ((Y)) zu, um Ihre Änderungen besser verfolgen zu können. Im linken  Modulbedienfeld ((F7)) finden Sie bereits in Lightroom gespeicherte Vorgaben zur schnellen Entwicklung von Fotos. Diese können Sie schon beim Import auswählen oder jetzt durch Anklicken auf das Foto anwenden. Selten bringen aber solche Voreinstellungen schon das gewünschte Ergebnis. Außerdem können Sie hier auch selbst erstellte Vorgaben zur Entwicklung abspeichern. Schalten Sie das linke Modulbedienfeld und den Filmstreifen weg, um mehr Arbeitsfläche für das Foto zu haben. Dies geschieht über die kleinen  Pfeiltasten oder die Shortcuts ((F6)) für Filmstreifen und ((F7)) für das linke Modulbedienfeld. Das ebenfalls im linken Modulbedienfeld befindliche  Protokoll können Sie so jederzeit schnell wieder einblenden. Eine Liste mit allen Tastaturbefehlen des jeweiligen Moduls erhalten Sie über das Menü Hilfe oder mit dem Kurzbefehl (Strg)+( Exportieren ((Strg)+(ª)+(E)) auf. Passen Sie die Parameter hier nach Ihren Wünschen an und speichern Sie sie unter Benutzervorgaben über die Schaltfläche Hinzufügen. Wichtig ist hierbei, dass  Bittiefe,  Ausgabegröße und Auflösung und größtmöglich gewählt werden. Eine Interpolation des Fotos auf Basis der Rohdaten erreicht bessere Ergebnisse als die eines bereits bearbeiteten Bilds. Wählen Sie also eine Bitttiefe von 16 Bit/Komponente sowie 300 ppi Auflösung. Die Größe richtet sich nach dem Sensor Ihrer Kamera. Kapitel 16 | Die RAW-Entwicklung 289

290 Kapitel 17 | Digitale Retusche

Die digitale Retusche Sie werden kein professionelles Foto finden, das nicht in irgendeiner Form die Bildbearbeitung durchlaufen hat. Auch die Top-Modelle haben einen schlechten Tag und nicht jedes Pickelchen und alle Augenränder lassen sich mit Make-up vollständig entfernen, gerade wenn von der Hautstruktur auf dem Foto noch etwas zu erkennen sein soll. Bei Fotos für Zeitschriftencover, Modefotografie und Werbung ist es also mit natürlicher Schönheit allein nicht getan. Aber auch Ihre Porträts können Sie mit wenigen Werkzeugen und Klicks in Adobe Photoshop deutlich aufwerten.

Ziel war hier, ein natürliches „Winterfoto“ am Strand zu erstellen. Auf Make-up wurde verzichtet, deswegen sind im Originalbild Spuren von Wind und Sonne dem Modell deutlich ins Gesicht geschrieben. Mit ein wenig Retusche erreichen Sie schnell das gewünschte Ergebnis. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/250 Sek. bei f/4 – Brennweite 163 mm – ISO 100. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 17 | Digitale Retusche 291

Entfernen von Hautunreinheiten Natürlich kann man über die Aussagekraft und Ästhetik retuschierter Aufnahmen geteilter Meinung sein. Man muss ja auch nicht zwingend das gesamte Programm bei jedem Foto abarbeiten. Sparsam eingesetzt, wertet die Schönheitsretusche Ihre Fotos auf jeden Fall auf und das Modell freut sich und kommt gerne wieder vor Ihre Kamera. Zunächst behandeln wir die Retusche von Pickeln, Hautunreinheiten und Leberflecken/Muttermalen. Zumindest das Entfernen von Pickeln dürfte unstrittig sein, bei Leberflecken oder Muttermalen muss man überlegen, inwieweit sie zur Persönlichkeit des Modells gehören oder ob sie wie im Fall Cindy Crawford sogar Markenzeichen sind. Das Beseitigen von Falten und Fältchen ist ebenfalls ein Streitpunkt, weil sie Charakterzüge widerspiegeln. Auch hier ist ein überlegter Umgang angeraten, manchmal tut hier ein leichtes Mildern dem Bild besser als ein komplettes Entfernen.

Öffnen Sie die in ACR konvertierte Datei in Adobe Photoshop und stellen Sie eine 100%-Ansicht [Z] Tatsächliche Pixel ein.


Das Bereichsreparatur-Pinsel-Werkzeug Um sich für das passende Werkzeug für die einzelnen Retuscheschritte zu entscheiden, sollte Sie deren Funktionsweise kennen und verstehen. Der  Bereichsreparatur-Pinsel ((J)) nimmt Pixel aus dem Bild auf und Struktur, Beleuchtung, Transparenz und Schattierung werden mit den zu reparierenden Pixeln abgeglichen und berechnet. Bei diesem Reparatur-Pinsel wird kein Aufnahmebereich festgelegt, er nimmt die Pixel automatisch aus der Umgebung auf. Hautunreinheiten und kleine Pickel lassen sich so am

L





 

schnellsten bearbeiten. Passen Sie den  Durchmesser der zu reparierenden Stelle an und wählen Sie eine Härte von 100%. Gehen Sie das Bild in der 100%-Ansicht Streifen für Streifen durch.

Das Reparatur-Pinsel-Werkzeug Der  Reparatur-Pinsel ((J)) arbeitet in Bezug auf Struktur, Beleuchtung, Transparenz und Schattierung wie der Bereichsreparatur-Pinsel. Bei diesem Werkzeug nehmen Sie jedoch wie beim Kopierstempel-Werkzeug ((S)) zunächst mit der (Alt)-Taste einen Bereich aus dem Foto auf. Dies führt dort zu einem besseren Ergebnis, wo die Umgebungspixel des Bereichsreparatur-Pinsels wegen starker Kontraste oder Farbunterschiede zu keinem guten Ergebnis führen.



Das Ausbessern-Werkzeug [J] Für etwas größere Flächen verwenden Sie am besten das  AusbessernWerkzeug ((J)). Hierbei wird der ausgewählte Bereich durch die Pixel des Quellbereichs ersetzt. Auch bei diesem Werkzeug werden Struktur, Beleuchtung, Transparenz und Schattierung mit der zu reparierenden Stelle abgeglichen und neu berechnet. Das Werkzeug funktioniert mit den Optionen Quelle und Ziel. Bei der Option  Quelle wird der zu ändernde Bereich markiert und auf den Zielbereich gezogen , mit der Option Ziel wird der Bereich markiert, der die zu ersetzende Stelle dann überlagern soll.


 



Das Kopierstempel-Werkzeug In älteren Versionen von Adobe Photoshop stehen die beiden vorgenannten Werkzeuge noch nicht zur Verfügung. Hier leistet das  Kopierstempel-Werkzeug ((S)) zur Retusche von Hautunreinheiten gute Dienste.  Nehmen Sie mit gedrückter (Alt)-Taste zunächst Pixel aus dem Bild auf. Der Kopierstempel hinterlässt jedoch gerne Flecken, weil er die aufgenommenen Pixel überträgt und nicht verrechnet wie die bei den Reparaturwerkzeugen. Hier sollten Sie unbedingt auf einer zweiten Ebene arbeiten und über den Modus  Verblassen die Korrektur anpassen. Passen Sie die Werkzeugspitze in Form und Größe der zu retuschierenden Stelle an und wählen Sie eine Härte von 0.



 


Fältchen mindern und beseitigen Die Werkzeuge Auch bei der Retusche von Fältchen arbeiten Sie in der Hauptsache mit dem Ausbessern-Werkzeug und dem Reparatur-Pinsel. Um jedoch Charakterzüge nicht zu entstellen, werden die Falten zunächst komplett entfernt und dann abgeschwächt wieder sichtbar gemacht.  Erstellen Sie zunächst jeweils eine Ebenenkopie des Originals für die Fältchen und eine für das Weichzeichnen. Doch bevor Sie die Ebenen kopieren, entfernen Sie auf dem Hintergrund Hautunreinheiten und andere Störungen wie zuvor beschrieben.



Blenden Sie im  Ebenenfenster ((F7)) die Ebene  Weichzeichnen aus, indem Sie auf das Auge vor der Ebenenminiatur klicken. Wechseln Sie zur Ebene Fältchen und bearbeiten Sie mit dem Ausbessern-Werkzeug ((J)) jedes der tieferen Fältchen einzeln. Achten Sie darauf, die Auswahl so knapp wie möglich zu halten.

Foto: Carina Meyer-Broicher Kamera: Nikon D200 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/200 Sek. bei f/5 – Brennweite 200 mm – ISO 100



 

Um diese drastische Bearbeitung zu mildern, verringern Sie jetzt die Deckkraft der Ebene Fältchen. Je nach Geschmack sollte sie zwischen 30 und 75 Prozent liegen. Im Beispiel wirkte eine 75-prozentige Deckkraft am natürlichsten.


Auch die dünnen und oft dunkleren Hautpartien, wie Tränensäcke bei Männerporträts, können gemildert werden.  Hier markieren Sie das ganze Gebiet. Achten Sie darauf, dass die Wimpern nicht mit ausgewählt werden.



Wechseln Sie zur Ebene  Weichzeichnen und blenden Sie diese wieder ein. Rufen Sie im Menü Filter > Weichzeichnungsfilter den  Gaußschen Weichzeichner auf. Wenden Sie diesen mit einem nicht zu großen Radius an. Im Beispiel wurden 1,5 Pixel gewählt.







 296 Kapitel 17 | Digitale Retusche

Der beim Weichzeichnen gewählte Radius bestimmt indirekt auch die Deckkraft für die Ebene Weichzeichnen. Je größer der gewählte Radius ist, desto geringer ist die Deckkraft, die Sie für die Ebene benötigen. Im Beispiel wurde für die Ebene Weichzeichnen eine Deckkraft von 30% verwendet. Bereiche wie die Augen, Augenbrauen und die Mundpartie sollen beim Weichzeichnen ausgespart werden . Dazu erstellen Sie für die Ebene Weichzeichnen eine  Ebenenmaske über das Menü der Ebenenpalette.

Wählen Sie das Pinsel-Werkzeug ((B)) mit großer weicher Pinselspitze und übermalen Sie die Partien wie Haare, Augen und Mund, die nicht weichgezeichnet werden sollen. Wenn Sie sich vermalt haben, wechseln Sie zwischen Vorder- und Hintergrundfarbe ((X)) und korrigieren den Fehler.

Hautstruktur verbessern Viele Programme, Tools und Plug-ins, die speziell auf die Weichzeichnung von Haut ausgelegt sind, tun zu viel des Guten. Denn die Hauststruktur soll nicht verschwinden, absolut glatte Haut wirkt unnatürlich und ist nur bei speziellen künstlerischen Aufnahmen sinnvoll. Eine grundsätzliche Technik bei der Porträtretusche ist das Weichzeichnen. Verschiedene Methoden führen hier zu recht unterschiedlichen Ergebnissen. Ebenentechnik und Füllmethoden spielen hierbei eine wichtige Rolle. Aber auch eine Scharfzeichnungsebene darf nicht fehlen, um eben nicht diesen strukturlosen flächigen Effekt zu erhalten. Auch für diese Bearbeitung öffnen Sie Ihr Foto in Photoshop und duplizieren den Hintergrund des Bilds zweimal. Dazu klicken Sie im  Ebenenfenster ((F7)) den Hintergrund mit der rechten Maustaste an und wählen Ebene duplizieren. Benennen Sie die Ebenen eindeutig, eine als Weichzeichnen und eine als Scharfzeichnen.  Blenden Sie die Ebene Scharfzeichnen


zunächst aus, indem Sie auf das Auge im Ebenenfenster vor der Ebene Scharfzeichnen klicken, und wechseln Sie zur Ebene  Weichzeichnen. Im Menü Filter > Rauschfilter (vormals Störungsfilter) wählen Sie  Helligkeit interpolieren aus.

 

Wählen Sie einen sehr großen Radius, im Beispiel sind es 25 Pixel. Dieser Wert bezieht sich auf ein Foto im A4-Format bei 300 dpi Auflösung. Sie müssen die Werte je nach Bildgröße und Auflösung noch anpassen.

Foto Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/100 Sek. bei f/3.2 – Brennweite 180 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

 

Unser Ziel ist es, eine möglichst gleichmäßige Fläche zu erzielen. Daher kann es nötig sein, dass Sie mit dem  AbwedlerWerkzeug ((O)) die Helligkeit von Bildflächen noch weiter angleichen müssen. Arbeiten Sie mit einer großen weichen Pinselpitze und 20% Belichtung in den Mitteltönen.






Für die Ebene Weichzeichnen erstellen Sie zusätzlich eine  Ebenenmaske. Wählen Sie die Maske aus, sie erhält einen weißen Rand, wenn sie aktiv ist.

 Mit einem mittelgroßen weichen Pinsel-Werkzeug ((B)) machen Sie nun den weichgezeichneten Bereich auf der Ebenmaske wieder sichtbar. Dabei berücksichtigen Sie nur die Haut. Übermalen Sie dazu Mund, Augen, Haaransatz und Kleidung.



Schalten Sie nun die Ebene  Scharfzeichnen durch Klicken auf das Feld für das Augensymbol wieder zu und achten Sie darauf, dass Sie auf dieser Ebene, die nun blau hinterlegt ist, arbeiten. Wählen Sie im Menü  Filter > Scharfzeichnungsfilter > Unscharf maskieren. Um die Hautstruktur extrem zu schärfen, wählen Sie

 

ganz bewusst viel zu hohe, übertriebene Werte für den Filter. Im Beispiel wurde eine Stärke von 200% bei einem Radius von 2 Pixel und einem Schwellenwert von 0 Stufen angewendet. Die Stärke des Auftrags regeln Sie allein über die  Deckkraft der Ebene Scharfzeichnen, die hier bei 30% liegt. Wenn Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind, können Sie das Foto auf die Hintergrundebene reduzieren.




Make-up und kleine kosmetische Tricks Ob das Modell nun tatsächlich ein paar Pfunde zu wenig oder zu viel auf den Hüften hat und dieses auch noch durch eine geringe Brennweite oder eine ungünstige Perspektive auf die abgebildete Person betont wird, ist im Grunde egal. Denn mit der Bildbearbeitung können Sie das schnell und einfach korrigieren. An dieser Stelle noch mal: Wenn Sie schon beim Fotografieren alle Aufnahmeparameter berücksichtigen, können Sie sich diese Arbeit sparen. Aber bei einigen Nasen oder Fettpölsterchen wird das nicht möglich sein. Oftmals ist ein Bild auch optimal gelungen, die Augen strahlen, nur fehlt um den Mund noch ein kleines Lächeln – auch da können Sie ein wenig nachhelfen. Bei der Anwendung dieser kleinen Tricks gilt: Weniger ist mehr. Auch wenn Sie Ihrer besten Freundin einen Gefallen tun möchten und sie auf einem Foto 20 Kilo abspecken lassen, wird jeder, der Ihre Freundin kennt, dies als Albernheit belächeln. Verschwinden aber geschickt nur ein paar Pfunde, werden Sie beide Lob für das vorteilhafte Foto ernten.

Transformieren 





Diese Methode, ein Porträt fülliger oder schlanker erscheinen zu lassen, ist „Quick & Dirty“ oder ich nenne Sie auch gerne „Die 5%-Methode“ und das deswegen, weil man die magische Grenze von 5% bei dieser Transformation nie überschreiten sollte. Öffnen Sie das zu bearbeitende Bild in Photoshop. Duplizieren Sie die Hintergrundebene oder wählen Sie mit (Strg)+(A) das gesamte Foto aus, da das Transformationswerkzeug nur auf Ebenen oder Auswahlen wirkt. Wählen Sie das Verschieben-Werkzeug ((V)) aus der Werkzeugleiste aus und haken Sie in den Optionen des Werkzeugs Transformationssteuerungen an. Alternativ wählen Sie im Menü Bearbeiten > Transformieren > Skalieren ((Strg)+(T)). Mit den nun sichtbaren Griffpunkten der Auswahl können Sie das Foto zerren oder stauchen. Zu schlanke Gesichter stauchen Sie am besten über die mittleren  Griffpunkte oder Sie tragen in den Werkzeugoption direkt unter  B(reite) den gewünschten Wert, maximal jedoch 105%, ein.

Bildhaftigkeit Wenn Sie Ihren Porträts mehr Tiefe verleihen möchten, geht auch das ganz schnell – mit dem Hochpass-Filter.  Duplizieren Sie zunächst Ihr Foto als neue Ebene. Wählen Sie als Füllmethode: Weiches Licht und stellen Sie eine Deckkraft von 50% ein.



  Rufen Sie im  Menü Filter > Sonstige Filter > Hochpass auf. Der Radius richtet sich nach Bildgröße und Auflösung, für das Beispielbild habe ich 200 Pixel gewählt. Falls das Bild trotz der geringen Deckkraft der Ebene zu dunkel wird, hellen Sie die Ebene über das  Menü Bild > Korrekturen (vormals Anpassen) > Helligkeit/Kontrast wieder auf.

Verflüssigen Dieses Tool ist der plastische Chirurg der Bildbearbeitung. Nasenkorrekturen, Liftings oder Botox-Spritzen und Fettabsaugen, alles ist möglich. Aber wir wollen es nicht übertreiben. Öffnen Sie im Menü Filter > Verflüssigen ((Strg)+(ª)+(X)). Im Beispiel will ich dem Modell ein kleines Lächeln ins Gesicht zaubern. Dazu verwenden Sie das  Vorwärtskrümmen-Werkzeug ((W)).  Stellen Sie die Werkzeugspitze so ein, dass sie in der Größe in etwa dem zu verändernden Bereich ent-


spricht. Ziehen Sie das Augenlied ein wenig nach oben und nach außen und ziehen Sie die Mundwinkel ebenfalls ein wenig nach oben, so dass

 





ein winziges Lächeln entsteht. Sollte der Effekt zu stark sein, lässt sich die Bearbeitung über Rekonstruieren abschwächen oder auch Alles wiederherstellen.




Wie Sie gemerkt haben, wirken sich die Änderungen auf das gesamte Bild aus, die die Pinselspitze umgebenden Pixel werden auch beeinflusst. Dies können Sie vermeiden, indem Sie den Filter mit einer Maske anwenden. Das  Fixierungsmaske-Werkzeug ((F)) arbeitet wie der normale Maskierungsmodus, mit dem Maske-lösen-Werkzeug ((D)) können Sie übermalte Stellen korrigieren. Stellen Sie mindestens eine 100%-Ansicht ein und verwenden Sie eine  kleine  Pinselgröße, um präzise arbeiten zu können. Je nach Motiv verwenden Sie das Fixierungsmaske-Werkzeug ((F)) und  kehren die Maske dann um. Oder Sie wählen Alles maskieren und arbeiten mit dem Maskelösen-Werkzeug ((D)). Danach können Sie mit dem Vorwärtskrümmen-Werkzeug ((W)) die Nase verkleinern, ohne dass das restliche Gesicht in Mitleiden schaft gezogen wird.

Augen und Zähne Das Augenweiß wirkt auf Fotos oft gräulich oder trüb, insbesondere wenn Sie größere Eingriffe bei den Farben des Fotos vorgenommen haben. Mit zwei schnellen Methoden können Sie Augen-, aber auch Zahnweiß schnell aufhellen.



1. Wählen Sie zunächst mit einem Auswahlwerkzeug oder im Maskierungs-Modus ((Q)) das Augenweiß beider Augen aus . Rufen Sie im Menü > Auswahl > Auswahl verändern > Weiche Kante ((Alt)+(Strg)+(D)) auf und stellen Sie einen Radius von 2 Pixel ein. Im Menü Bild > Korrekturen (vormals Anpassen) wählen Sie  Farbton/Sättigung. Bewegen Sie den Regler für die Helligkeit nach rechts, im Beispiel auf einen Wert von + 25. Achten Sie darauf, das Weiß nicht zu sehr aufzuhellen, damit es nicht unnatürlich wirkt. 2. Duplizieren Sie im  Ebenen-Fenster ((F7)) die Hintergrundebene und wählen Sie den Modus: Negativ multiplizieren (vormals Umgekehrt multiplizieren) mit einer Deckkraft von 50%. Nun ist das gesamte Foto aufgehellt. Füllen Sie die  Ebenenmaske mit Schwarz ((X)) ((Alt)+(Ï_)), so dass das Foto wieder seine normale Helligkeit hat. Stellen Sie nun Weiß wieder als Vordergrundfarbe ein ((D)) und entfernen Sie die Maske im Bereich der Augen und Zähne. Die Augenfarbe, sei sie durch die Bearbeitung in Mitleidenschaft gezogen oder sie passt einfach nicht zum Pulli, lässt sich ebenfalls schnell anpassen. Rufen Sie das  Farbe-ersetzen-Werkzeug (zweimal (ª)+(B)) auf und wählen Sie einen  Pinsel, der im Radius der Iris entspricht. Suchen Sie im  Farbwähler eine neue Augenfarbe aus und achten Sie beim Malen darauf, die Irisränder und die Pupille auszusparen.



 

 




304 Kapitel 18 | Schwarz-Weiß

Digitale Schwarzweißfotografie Schwarzweißfotos haben in der Entwicklung der Fotografie immer einen ganz besonderen Stellenwert eingenommen. Nicht umsonst wird die Schwarzweißfotografie als Königsdisziplin der Fotografie bezeichnet. Das plötzlich wiedererwachte Interesse daran – und das in einer Zeit, in der die Möglichkeiten der Reproduktion aller nur erdenklichen Farben ins schier Unermessliche reichen – zeugt von dem ungebrochenen Reiz der Schwarzweißfotografie. Farbfotografien sind mal warm, mal kühl, mal blass und mal grell, Schwarzweiß ist jedoch immer pures Licht und Schatten. Die Schlichtheit eines monochromen Fotos, das alleine durch diese Modulation von Licht und Schatten wirkt, macht es zu einem äußerst eleganten und zeitlosen visuellen Medium. Das Fehlen der Farben lenkt unsere Aufmerksamkeit auf andere essenzielle Bildkomponenten wie zum Beispiel Formen, Konturen, Strukturen und Texturen, die Qualität des Lichts und die subtilen Tonwertnuancen.

Mit einem ausdrucksstarken Porträt in Schwarzweiß erzielen Sie immer eine größere Aufmerksamkeit beim Betrachter. Das Foto wurde in Lightroom in Schwarzweiß konvertiert. Kamera: Fujifilm FinePix S2Pro mit 50 mm f/1.8er Objektiv – Belichtung 1/180 Sek. bei f/3.3 – Brennweite 75 mm – ISO 200. Foto: Carina Meyer-Broicher

Kapitel 18 | Schwarz-Weiß 305

Im Zeitalter der Digitalfotografie mit all ihren technischen Hilfsmitteln und Möglichkeiten feiert nicht zuletzt der Kunstdruck ein Comeback, dessen Inbegriff für die meisten fotobegeisterten Menschen nach wie vor die Reproduktion von Schwarzweißfotografien ist. Ebenso bieten sich digital viele neue Möglichkeiten, Schwarzweißbilder zu gestalten. Speziell für die Schwarzweißfotografie hergestellte Kameras werden fast ausschließlich für Satellitenfotos verwendet, weil hier der Tonwertumfang wichtiger ist als bunte Bilder. Auch Ihre DSLR „sieht“ zunächst nur Licht, das erst später in Farbwerte umgerechnet wird. Viele digitale Kameras unterstützen einen Modus, bei dem die Bilder als JPEG-Dateien in Graustufen oder Sepia gespeichert werden. Jedoch ist eine nachträgliche Umwandlung von Farbfotos in Schwarzweißbilder immer der bessere Weg.

Wie Sie lernen, in Schwarzweiß zu denken 16-Bit-Modus Konvertieren und bearbeiten Sie die Fotos, die Sie in Schwarzweiß konvertieren wollen, im 16-Bit-Modus. Das lässt Ihnen deutlich mehr Spielraum für feine Nuancen in den Grauwerten.

Die Schwarzweißfotografie erfordert ein völlig anderes Denken, als Sie es von der Farbfotografie her gewohnt sind. Jeder Farbton muss gedanklich in einen Grauwert übersetzt werden und die Verteilung von hellen und dunklen Bildelementen muss in die Bildkomposition miteinbezogen werden. Das heißt zum Beispiel, dass die Farbe Blau einen anderen Grauwert als Rot hat. Ich muss zugeben, dass es auch mir nicht immer leichtfällt, zumal ich ja noch nicht abschätzen kann, welchen Farbkanal oder welche Methode ich zur Konvertierung heranziehen werde. Da hilft mir schon eine grobe

Der Farbkreis nach Itten mit seinen zwölf Grundfarben und seine Übersetzung in Schwarzweiß. Die Komplementärfarben liegen sich im Farbkreis jeweils gegenüber.


Übersicht als Graustufenbild, um die Belichtung zur korrigieren und so mehr Zeichnung in dunklen oder hellen Bildteilen zu erhalten. Diese Übersetzung in Schwarzweiß auf dem Display lässt mir mehr Zeit, mich auf andere Bildparameter und die Komposition zu konzentrieren. So kommt es bei der Motivwahl auch mehr darauf an, dass die Kontraste und Grauwerte stimmen. Zum Beispiel hebt sich ein roter Hintergrund von einem blauen Pullover deutlich weniger ab als bei einem Farbfoto. Generell ist es bei kontrastreichen Motiven sehr viel leichter, das Bild nicht mit zu vielen verschiedenen Grauwerten zu überladen.

Schwarzweißkonvertierung mit Adobe Photoshop

Quick & Dirty Die Methoden Graustufen und Sättigung verringern ((ª)+(Strg)+(U)) wandeln Ihr Foto zwar in ein Graustufenbild um, lassen aber keine Einflussnahme auf die Steuerung der Tonwerte oder die Anpassung einzelner Kanäle zu. Die Methoden eignen sich eigentlich nur, um sich einen Überblick über das Aussehen der Fotos als Schwarzweißaufnahmen zu verschaffen, und erfordern in jedem Fall eine weitere Bearbeitung des Fotos.

In der digitalen Schwarzweißfotografie führt kein Weg an der Bildbearbeitung vorbei. Adobe Photoshop ersetzt die Dunkelkammer der analogen Fotografen. Bei aktuellen DSLRs besteht die Möglichkeit, in den Schwarzweißmodus zu schalten. So haben Sie einen ersten Eindruck, wie Ihr Foto in Schwarzweiß wirkt, aber im RAW-Format wird Ihr Bild trotzdem mit allen Farbinformationen gespeichert. Wie so häufig in Photoshop führen viele Wege nach Rom. Die Möglichkeiten zur Konvertierung sind zahlreich und die meisten Methoden lassen sich untereinander kombinieren. Ich zeige Ihnen die wichtigsten Konvertierungsarten im Überblick. Sie müssen je nach Ausgangsfoto entscheiden, welche Methode die beste für Ihr Foto ist. Mit ein wenig Aufwand gelingt es Ihnen, Ergebnisse zu erzielen, die an die Faszination analoger Bilder heranreichen. Die Methoden, die ich Ihnen vorstellen möchte, sind schnell umzusetzen und liefern optimale Ergebnisse.


Eine kontrastreiche Kombination: die Verlaufsumsetzung mit Kanalmixer Mit nur fünf Arbeitsschritten erzielen Sie mit dieser Methode eine kontrastreiche Schwarzweißumsetzung. Sie sollten auch hier mit Einstellungsebenen arbeiten, um nachträglich noch Anpassungen vornehmen zu können.


Wählen Sie im Ebenen-Fenster ((F7)) Neue Füll- oder Einstellungsebene aus. Achten Sie darauf, dass Sie Schwarz als Vordergrundfarbe und Weiß als Hintergrundfarbe eingestellt haben ((D)). Bestätigen Sie den Dialog Verlaufsumsetzung mit OK. Ab Version CS4 öffnen Sie das Fenster Korrekturen. Hier wählen Sie Verlaufsumsetzung und Photoshop legt automatisch eine neue Einstellungsebene für die Verlaufsumsetzung an. Das Ergebnis ist in den meisten Fällen noch nicht so kontrastreich und brillant wie gewünscht. Erstellen Sie eine neue Einstellungsebene, diesmal für den Kanalmixer. Der Schwerpunkt bei der Schwarzweißkonvertierung liegt in der Regel im Rotkanal. Verändern Sie die Werte für die einzelnen Farbkanäle ähnlich wie im Beispiel, +70% Rot, +30% Grün und +20% Blau. Normalerweise sollte die Summe der Farbkanäle 100% ergeben, bei der Schwarzweißumsetzung können Sie sich über diese Regel jedoch hinwegsetzen. Um noch ein wenig zusätzliche Zeichnung in den hellen Bildbereichen zu erzielen, reduzieren Sie die Konstante auf –10%. Wechseln Sie zurück zur Hintergrundebene und reduzieren Sie hier die Sättigung ((ª)+(Strg)+(U)). Dieser Schritt ist nicht bei jedem Foto notwendig, sehen Sie selbst, ob sich das Ergebnis verbessert. Die Werte im Kanalmixer sind individuell für dieses Foto gewählt. Sie stellen keinen Standard dar und müssen von Ihnen jeweils individuell für Ihr Foto angepasst werden.

Die Konvertierung mit dem Helligkeitskanal plus Gradationskurve Was liegt im Grunde näher, als die Informationen des Helligkeitskanals eines Fotos zur Konvertierung zu nutzen? Die Nutzung des Helligkeitskanals im LabModus ist eine sehr effiziente Methode, um Ihr Foto in feine Graustufen umzu-


wandeln. Wählen Sie im Menü Bild > Modus > Lab-Farbe. In der Kanäle-Palette erkennen Sie, dass die Farb- und Helligkeitsinformationen voneinander getrennt wurden. Wählen Sie in der Kanäle-Palette den Kanal Helligkeit aus. Das Bild verliert nun alle Farbinformationen. Um den Kanal weiter bearbeiten zu können, wandeln Sie das Bild in Graustufen um. Wählen Sie im Menü Bild > Modus > Graustufen. Die Umwandlung erfolgt nur auf Basis der Helligkeitsinformationen. Die Frage, ob Sie die anderen Kanäle verwerfen wollen, bestätigen Sie mit OK.

Wechseln Sie zur Ebenen-Palette ((F7)) und erstellen Sie eine Kopie der Hintergrundebene. Die Füllmethode für diese Ebene richtet sich wieder nach dem Ausgangsfoto. Im Beispiel habe ich Linear Abwedeln gewählt. Für sehr helle Fotos eignet sich der Modus Multiplizieren, für sehr dunkle Aufnahmen verwenden Sie am besten den Modus Umgekehrt multiplizieren. Den letzten Kick erhält das Foto, wenn Sie zusätzlich eine Einstellungsebene für


Konvertierung im RAW-Konverter Das Titelbild dieses Kapitels wurde ausschließlich im RAW-Konverter bearbeitet. Dieser bietet Ihnen ebenfalls komfortable Einstellungen für die Schwarzweißumwandlung, mit denen Sie jeden Kanal einzeln anpassen können und über die Teiltonung dem Bild noch eine leichte Tonung mitgeben können.

die Gradationskurve hinzufügen. Wechseln Sie zur Hintergrundebene und erstellen Sie eine Neue Füll- oder Einstellungsebene für die Gradations kurve. Definieren Sie mit der Pipette gegebenenfalls einen neuen Schwarzpunkt für das Foto und passen Sie Lichter manuell durch weiteres Aufsteilen der Kurve an.

Der Kanalmixer Der Kanalmixer bietet in der Regel die beste Ausgangsbasis für Schwarzweißumwandlungen. Dazu schauen Sie sich am besten zunächst im Fenster Kanäle das Potenzial des Rot-, Grün- und Blaukanals getrennt an. Schalten Sie mit (Strg)+(1) bis (Strg)+(3) zwischen den Kanälen hin und her. In der Regel bietet der Rotkanal das beste Potenzial für die Umwandlung. Im Beispiel ist er jedoch allein etwas zu hell. Öffnen Sie eine neue Einstellungsebene über das Menü Ebene > Neue Einstellungsebene > Kanalmixer oder schalten Sie das Ebenen-Fenster ((F7)) zu und klicken Sie Neue Füll- oder Einstellungsebene erstellen an.


Ab Version CS4 öffnen Sie das Fenster Korrekturen. Hier wählen Sie Kanalmixer und Photoshop legt automatisch eine neue Einstellungsebene für die Verlaufsumsetzung an. Photoshop bietet Ihnen im Kanalmixer verschiedene Presets für die Konvertierung. Haken Sie zunächst Monochrom an und probieren Sie dann ruhig alle einmal aus. Bei dem Beispielfoto habe ich mich für einen „Gelbfilter“ entschieden. Der Rotkanal allein war hier zu hell, der Grünkanal 310 Kapitel 18 | Schwarz-Weiß

bot eine gute Durchzeichnung und wurde mit einem Rotanteil aufgehellt. Auch hier können Sie wieder zusätzlich mit einer Einstellungsebene für Verlaufsumsetzung oder Gradationskurve arbeiten.

Schwarzweiß Ab Version CS3 hat Photoshop der immer größeren Beliebtheit von Schwarzweißfotos Rechnung getragen und einen eigenen Menüpunkt zur Konvertierung eingeführt. Im Menü Bild > Korrekturen (vormals Anpassen) wählen Sie Schwarzweiß ((Alt)+(ª)+(Strg)+(B)). Auch hier bringt Photoshop wieder einen Reihe von Voreinstellungen mit, die Sie für Ihr Foto testen sollten. Probieren Sie alle Einstellungen aus und wählen Sie die, die Ihren Vorstellungen des Fotos am nächsten kommt. Sie können dann die einzelnen Farbtöne noch anpassen, um Ihrem Foto den letzten Schliff zu verleihen. Dieses Tool bietet Ihnen zusätzlich den Vorteil, das Foto im gleichen Arbeitsschritt noch zu tonen. Haken Sie Farbton an und wählen Sie mit dem Schieberegler einen Farbton aus. Die Stärke des Auftrags bestimmen Sie über die Sättigung, oft reichen hier schon 5% aus, um das Foto spannender zu machen.


312 Kapitel 19 | Das Marketing

Das Marketing Wenn Sie Fotografieren als reines Hobby betreiben möchten, ist das eine feine Sache und Sie können sich das Lesen des nun folgenden Kapitels weitgehend sparen. Aber auch wenn Sie gar nicht die Absicht haben, Ihre Bilder oder Dienste zu verkaufen, packt es Sie eines Tages vielleicht doch und Sie möchten wenigsten die neue Kamera mit Ihrem Hobby finanzieren. Sollten Sie jedoch die Absicht haben, Fotografie als Nebenerwerb oder vielleicht später einmal als Beruf zu betreiben, ist der wichtigste Grundsatz: „Klappern gehört zum Handwerk.“ Und hier ist es nicht mit einer ordentlichen Visitenkarte getan. Im Zeitalter des Internets haben Sie unzählige Möglichkeiten, sich selbst, Ihre Dienstleistungen und Ihre Fotos bekannt zu machen. Dazu gehören die eigene Webseite, Foto foren und Wettbewerbe ebenso wie Ausstellungen.

Kamera: Sony CyberShot DSC-F828 (Bridge) – Belichtung 1/50 Sek. bei f/3.5 – EV +0,7 – Brennweite 182 mm – ISO 100. Foto: TEA

Kapitel 19 | Das Marketing 313

Die www.fotocommunity.de ist eines der größten Fotoforen und hat ca. 800.000 Mitglieder weltweit in fünf Sprachversionen (Stand 1/2009). Neben der Bilddiskussion bietet die Plattform noch zahlreiche weitere Features wie Foren, Model-Sedcards und eine eigene Homepage.

Die Fotoforen Auch wenn Sie nicht die Absicht haben, mit dem Fotografieren in Zukunft Ihre Brötchen zu verdienen, möchten Sie die Ergebnisse Ihrer Arbeit mit Sicherheit zeigen, denn niemand fotografiert für die Schublade. Im Zeitalter des Internets ist dies so einfach wie nie zuvor. Zahlreiche InternetCommunities befassen sich ausschließlich mit einem Thema: der Foto grafie. In den Fotoforen müssen Sie lediglich einen Account erstellen und können dann dort Ihre Fotos in Webauflösung hochladen. Die Bilder werden von den anderen Mitgliedern angeschaut, diskutiert und bewertet. Die meisten Foren bieten diesen Service in einem gewissen Umfang kostenfrei an. Wenn Sie mehr Leistung möchten, wie zum Beispiel eine eigene Homepage auf deren Server, können Sie eine kostenpflichtige Mitgliedschaft wählen.

Was bringt Ihnen ein Fotoforum? Mit einem Fotoforum erreichen Sie zunächst einmal Fotoenthusiasten, wie Sie selbst einer sind. Sie können Ihre Fotos dort ausstellen und erhalten so ein Feedback zu Ihren Arbeiten. Aber das ist nicht ganz einfach, denn auch dort müssen Sie sich erst einmal bekannt machen. Denn in solchen Foren, besonders dann, wenn sie sehr groß sind, geht selbst ein tolles Foto leicht in der Masse unter. Sie müssen also auf sich aufmerksam machen und das geschieht, indem Sie selbst ebenfalls die Fotos Ihrer Kollegen bewerten


oder kommentieren. In der Regel schaut der so bewertete Autor auch Ihre Bilder an und gibt Ihnen ein Feedback. Aber Vorsicht: Diese Foren bergen einen gewissen Suchtcharakter und im Handumdrehen verbringen Sie sehr viel Zeit auf den Plattformen. Und nicht immer sind die Bildkritiken sinnvoll und bringen Sie weiter. Ein Vorteil ist aber auf jeden Fall, dass Sie durch das Betrachten der Bilder der anderen User Ihr Auge schulen. Dort werden Unstimmigkeiten in der Komposition klarer als vielleicht bei Ihren eigenen Bildern und Sie können solche Fehler in der Zukunft auch bei sich vermeiden. Weitere Benefits sind die Kontakte zu anderen Fotografen, bei Treffen zu Workshops oder Stammtischen können Sie sich austauschen, Probleme klären und weiterkommen. In den meisten Communities gibt es auch Foren, die Fragen aus allen Bereichen der Fotografie und Ausrüstung beantworten. Obwohl, wie schon gesagt, in großen Foto-Communities Ihr Bild in der Masse leicht untergehen kann, haben diese den Vorteil, dass Sie auch von Verlagen und Bildagenturen besucht werden. Hier erhalten Sie also schon eher einmal die Anfrage, Ihr Foto für einen Kalender oder andere Medien nutzen zu dürfen, häufig gegen Honorar. Bei www.fotoTalk.com treffen sich Fotografen aus allen Kontinenten. Das kleine, aber feine Forum steht in 17 Sprachen zur Verfügung und verfügt über die umfangreichste Ausrüstungsdatenbank überhaupt.

Ein weiterer Vorteil für People-Fotografen liegt auch bei den Kontakten zu Modellen. Viele Hobby-Modelle stellen ihre Fotos ebenfalls in den Foren aus und über die Bilder stellen Sie schnell einen Kontakt her. Viele Plattformen haben auch eigens einen Sedcard-Bereich für Modelle.


Fotografie-Foren www.fotocommunity.de www.fototalk.com http://view.stern.de/v2 www.altphotos.com www.bilderforum.de www.bildertalk.de www.deviantart.com www.fotki.com/Germany/de/

Viele Fotografen-Communities bieten ihren zahlenden Mitgliedern zusätzliche Vorteile an. So können Sie zum Beispiel eine Homepage mit eigener Adresse mit nur wenigen Mausklicks erstellen, in Foren Fragen zur Aufnahmetechnik und Ausrüstung stellen und vieles mehr.

www.fotili.de www.fotopraxis-online.de/index. php?option=com_pictures&Itemid=200 www.fotos.sc http://fotowelt.chip.de/community/ usersuche/ www.kunstclub.com www.limelightforum.de www.panthermedia.net/index. php?page=bildagentur.php&id=10002 http://photo.net www.photocase.com www.photoforum.ru www.photographie.de/page. php?modul=Gallery www.photosig.com


Wie finden Sie das passende Forum? Dies ist sicher eine sehr individuelle und rein emotionale Entscheidung. Neben den Bilder-Communities bieten die meisten Kamerahersteller und Fotozeitschriften Ihren Kunden die Möglichkeit, Bilder zur Diskussion einzustellen. Nebenstehend finden Sie eine Auswahl von Foren. Schauen Sie sich dort einfach einmal um. Sie können die Angebote zunächst kostenlos testen, bevor Sie sich für eine Seite entscheiden und dort regelmäßig Ihre Fotos ausstellen. In einigen internationalen Foren wird ausschließlich Englisch gesprochen. Wenn Sie nicht fließend Englisch sprechen, sollten Sie lieber ein Forum wählen, indem Sie sich auch über fotografische Themen in Ihrer Muttersprache verständigen können, sonst verlieren Sie unter Umständen zu viel Zeit beim Übersetzen von Fachbegriffen. Noch ein Tipp: Verzetteln Sie sich nicht. Entscheiden Sie sich für ein oder maximal zwei Plattformen und verbringen Sie Ihre Zeit lieber mit Fotografieren. Einige Anbieter vermischen auch das Angebot von kostenloser Bilddatenbank und Forum. Achten Sie bei den AGBs darauf, was dort über die Bildrechte zu lesen ist. Eventuell stimmen Sie zu, Ihre Bilder zur kostenfreien Nutzung zur Verfügung zu stellen, indem Sie sie auf einer Plattform hochladen. Aber einige bieten so auch die Chance, Ihre Fotos direkt zu vermarkten und Sie am Verkauf zu beteiligen.

Photo Sharing Unter Photo Sharing versteht man das Herausgeben und das Übertragen von digitalen Fotos online. Sie können Ihre Fotos entweder privat nutzen, sie mit Freunden teilen oder sie veröffentlichen und für jedermann sichtbar machen. Was Sie genau alles mit Ihren Fotos machen können, ist hier abhängig von der Applikation und Webseite, die das Hochladen und die Wiedergabe der Bilder unterstützen. Der Unterschied zu Online-Fotogalerien ist minimal. Zunächst entstanden Photo-Sharing-Sites Mitte der 1990er, um Bilder online als Print zu bestellen. Seit Anfang 2000 gibt es die ersten Seiten, die ausschließlich dem Zweck dienen, dem Nutzer Fotos zentral im Internet zur Verfügung zu stellen. Photo-Sharing-Seiten bieten eine große Vielfalt an Darstellungsmöglichkeiten, wie zum Beispiel die Bildauswahl über Thumbnails oder Slideshows. Sie können die Fotos in Alben ablegen, ordnen und mit Beschriftungen wie Untertiteln und Tags versehen. Einige Photo-Sharing-Seiten bieten eine komplette Online-Organisation Ihrer Bilder an, die fast schon mit handelsüblicher Fotomanagement-Software vergleichbar ist. Die wohl bekanntesten Anbieter sind www.flickr.com sowie Picasaweb von Google (http://picasaweb.google.com).


Die Blogs Blog ist die Kurzform für Weblog, das sich aus den englischen Begriffen „Web“ für World Wide Web und „Log“ für Tagebuch oder Journal zusammensetzt. Blogs waren ursprünglich eher für Text als für Fotografie gedacht, doch mittlerweile lassen sich auf allen Blogs Bilder einfügen, einige Designs sind sogar ausschließlich für Fotografie ausgelegt. Blogs bestehen meist aus einer „endlosen“ Liste von chronologisch sortierten Postings, die in bestimmten Abständen umgebrochen werden. Der Blog bietet Ihnen einen schnelle und kostengünstige Alternative zur eigenen Homepage. Die Basisleistungen, die für Ihre Zwecke völlig ausreichen, sind kostenlos. Die bekanntesten Blog-Anbieter sind Wordpress (http://wordpress.com) und Blogger (www.blogger.com). Bei beiden Plattformen müssen Sie lediglich ein Konto erstellen und einen Namen für Ihren Blog auswählen. Wenn Sie eine eigene Domain haben, können Sie die sogar auf die Adresse des Blogs umleiten. Sie haben die Auswahl zwischen zahlreichen Designs, die teilweise unterschiedliche Funktionen mitbringen. Oben: http://cologne-photoart.blogspot. com. Bei vielen Blogs lässt sich das Aussehen der Seite individuell anpassen. Unten: http://colognephotoart.wordpress.com bietet ein Design eigens für reine Foto-Blogs.

Der Inhalt bleibt von den Layouts unberührt, so können Sie nach Herzenslust herumprobieren und sich den Blog nach Ihren Wünschen anpassen. Der Blog bietet Ihnen zusätzlich die Möglichkeit, Kommentare zu Ihren Fotos zu erhalten, sofern Sie dies möchten. Daneben können Sie auch noch ein wenig über sich selbst erzählen, Linklisten einbinden und dem Betrachter die Möglichkeit geben, den Blog zu abonnieren, also über neue Postings von Ihnen benachrichtigt zu werden.


Die Homepage Wenn Ihnen das alles nicht ausreicht oder zusagt, ist die schönste Eigenwerbung natürlich die Homepage. Wenn Sie keine natürliche Affinität zu solchen Dingen haben, sollten Sie die Erstellung besser einem Fachmann überlassen. Aber es gibt viele Möglichkeiten, mit wenigen Mausklicks Ihre Bilder zu Galerien für Ihre Internetpräsenz aufzubereiten. Und vielleicht hilft Ihnen ja ein Kollege, die Navigation und die Basis zur Einbindung von Galerien zu erstellen. Oder Sie haben bereits eine schöne Webseite, die Sie als Fotograf im Netz präsentieren soll, die Fotos auf der Seite sind aber nie aktuell. Es ist einfach keine Zeit für regelmäßige Updates übrig und eine Aktualisierung durch Ihren Webmaster ist teuer und zeitintensiv. Das kann sich jetzt im Handumdrehen ändern und kostet obendrein gar nichts, denn Ihre Bildbearbeitungssoftware bringt bereits alles Nötige dafür mit.

Galerien mit Adobe Photoshop/Lightroom erstellen Die Vorbereitungen Das Schwierigste, so ist es zumindest bei mir, ist immer die Auswahl der Fotos, die auf der Homepage gezeigt werden sollen. Legen Sie Ordner entsprechend der Galerien Ihres Webs an und legen Sie die ausgewählten Bilder dort ab. Sie brauchen nicht darauf zu achten, ob die Bilder die gleiche Größe haben, das übernimmt die Software für Sie.

Lightroom  Importieren Sie den Ordner in Lightroom und wählen Sie den Ordner aus . Im Beispiel habe ich alle Fotos des zehnten Kapitels dafür gewählt. Wechseln Sie nun von der Bibliothek zum Modul Web . Aus der  Engine oben rechts wählen Sie eine Standard vorlage für eine Flash- oder HTMLGalerie oder eine der drei Airtight-Galerien aus.

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 Kapitel 19 | Das Marketing 319

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  Lightroom bringt Vorlagen für HTML- und Flash-Galerien mit, die Sie im  Vorlagenbrowser auswählen können. Je nach Vorlage lassen sich alle Einstellungen bearbeiten, indem Sie Farben, Galerie-Layout, Text und eine Erkennungstafel eingeben . Die Vorlagen werden durch die Änderung der Einstellungen nicht geändert. Sie können die Änderungen aber als neue Vorlage abspeichern . Wenn Sie eine Vorlage ausgewählt haben, wird in der Vorschau angezeigt, ob es sich bei der Vorlage um eine FlashGalerie oder eine HTML-Galerie handelt. Alle Auswahlen und Anpassungen sehen Sie sofort auf der Arbeitsfläche , bei Galerien mit vielen Fotos kann der vollständige Aufbau ein wenig dauern. Wie Sie die Parameter für Ihre Seite verändern können, schauen wir uns jetzt am Beispiel der HTML-Galerie (Standard) an. Diese ändern Sie im rechten Modulbedienfeld  zunächst in den Site-Informationen. Hier können Sie den Titel der Seite oder Galerie ebenso wie eine ergänzende Beschreibung eingeben. Auch Ihre Kontaktdaten inklusive Emailadresse werden erfasst. Die Erkennungstafel kann eine Grafik, einen Schriftzug oder ein Logo einbinden, welches Sie vorher erstellt haben. Alle Farben der Vorlage können Sie nach Ihren Wünschen abändern . Dabei wählen Sie die Farben mit der Pipette aus oder geben den numerischen Wert unter HEX ein .


Das  Erscheinungsbild der Fotos kann ebenso wie die Anzeige der Vorschaubilder von Ihnen angepasst werden. Wenn in der linken oberen Ecke jedes Miniaturbilds eine Indexnummer angezeigt werden soll, wählen Sie Zellennummern anzeigen. Sie können das Rasterlayout auf einer Webseite festlegen, indem Sie in das Raster klicken, um die Anzahl der Zeilen und Spalten anzugeben. Ebenfalls können Sie Den Fotos Schlagschatten hinzufügen, wenn Sie die Option anhaken. Wählen Sie Abschnittsrahmen, um horizontale Linien hinzuzufügen, und Fotorahmen, wenn Sie diese Layoutänderungen wünschen. Die Farbe der Abschnittsrahmen und Fotorahmen wählen Sie dann über die Farbauswahl. Unter Bildseiten legen Sie die Größe des Fotos im Web fest. Der Wert sollte 800 Pixel nicht überschreiten. Auch hier können Sie noch einmal einen Rahmen definieren.



Sie können unter den großen Versionen der Bilder in der Galerie Titel und Bildbeschreibungen hinzufügen. Sie haben die Möglichkeit, die  Bildinformationen, die unter jedem Foto angezeigt werden sollen, entweder einzugeben oder die entsprechenden Metadaten dazu auszuwählen.  In den Ausgabeeinstellungen  definieren Sie die Qualität der Webbilder. Legen Sie hier einen Wert zwischen 60 und 100% fest. Die Metadaten können beim Export erhalten werden. Geben Sie an, ob Sie alle Metadaten oder nur die Copyright-Informationen einbetten möchten. Abschließend können Sie die Fotos noch mit Wasserzeichen versehen und schärfen. Die nun fertig definierte Galerie können Sie über FTP direkt auf ein entsprechendes Verzeichnis im Internet hochladen oder auf Ihrer Festplatte speichern.

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 Kapitel 19 | Das Marketing 321

Die Microstock-Agentur www.fotolia.de meldete im August 2008 einen Bestand von 4 Millionen Bildern, die der Kunde zu Preisen ab 1 Euro herunterladen und verwenden kann.

Bildagenturen Bildagenturen vermarkten Fotos, die bei ihnen von Hobby- oder ProfiFotografen hinterlegt worden sind, gegen eine prozentuale Beteiligung. Dieses Geschäftsmodell verfolgen die meisten Fotoagenturen. Teilweise produzieren die Agenturen jedoch auch eigenes Material mit angestellten oder freien Fotografen.

Was tut eine Bildagentur für Sie? Eine Bildagentur soll Ihre Fotos verkaufen. Im Deutschen werden die Begriffe „Bildagentur/Fotoagentur“ und „Bildarchiv/Fotoarchiv“ weitgehend synonym verwendet. Im englischen Sprachraum ist eine „photo agency“ eine Fotografenagentur und ein „photo archive“ ein reines Archiv. Unter einer Fotografenagentur versteht man ein Unternehmen zur Vermittlung der Dienstleistung von Fotografen. Fotografenagenturen vermitteln im Gegensatz zu Bildagenturen nicht die Werke von Fotografen, sondern deren Dienstleistung, vergleichbar mit Künstleragenturen oder Modellagenturen. Neben den eigentlichen Aufgaben als Fotografenagenturen – der Vermittlung von Fotografen an Kunden, Öffentlichkeitsarbeit und Werbung für den Fotografen – sind viele gleichzeitig auch als Bildagentur für ihre Fotografen tätig. 322 Kapitel 19 | Das Marketing

Reine Bildagenturen lassen sich in drei Kategorien einteilen: die Universalagentur, die Pressebildagentur und die Spezialbildagentur. Universalagenturen vermarkten Bildrechte aus den unterschiedlichsten Bereichen und Genres für vielfältige Zwecke. Pressebildagenturen bieten fast ausschließlich Pressebilder an, während Spezialbildagenturen sich einem bestimmten Thema widmen, so beispielsweise Essen und Trinken oder einem speziellen fotografischen Genre.

Die Entwicklung der Bildagenturen Die Agenturlandschaft der klassischen mittelständischen Bildagenturen hat sich in den letzten Jahren drastisch verändert. Im Zuge der Digitalisierung sind neue Agenturen entstanden, die von Anfang an ihr Bildmaterial digital angeboten haben. Darüber hinaus hat sich mit der Anzahl der digitalen Fotografen und der daraus entstehenden Bilderflut insbesondere in Deutschland der Markt der Bildagenturen explosionsartig entwickelt. Heute ist Deutschland das Land mit der international größten Agenturdichte sowie den meisten angeschlossenen Technologie-Providern. So entwickelten sich neben den klassischen Bildarchiven die sogenannten Microstock-Agenturen, auch SMRP (aus dem Engl. = Stockphoto Micropayment Royalty Free Portal) genannt. Diese Agenturen bieten Bilder ab einem Preis von unter einem Dollar beziehungsweise Euro an. Die Fotos werden meist von Hobbyfotografen zur Verfügung gestellt, die anschließend am Erlös beteiligt werden. Für die Kunden bieten diese Stocks kaum einen Service. In diesem Bereich gab es 2005 lediglich drei bis vier ernsthafte Wettbewerber, mittlerweile gibt es weltweit allerdings unzählige Plattformen. Neben den hochpreisigen klassischen Bildagenturen und den niedrigpreisigen Microstock-Agenturen entstand in den letzten Jahren eine neue Art von Agenturen, die sogenannten Midstock-Agenturen. Sie zeichnen sich einerseits durch günstige Preise aus, bieten andererseits aber einen vollwertigen Agenturservice an. Stockagencies konnten nicht nur wegen der rasanten Entwicklung der Digitalfotografie und des Internets so schnell Fuß fassen, sondern auch weil die Budgets für Werbung oder Internetauftritte bei allen Firmen extrem geschrumpft sind. So werden die Bilder für Broschüren oder das Web bei kleinen oder mittelständischen Betrieben nicht mehr extra produziert,

Die Bildagentur www.adpic.de arbeitet mit ausgewählten Fotografen zusammen und bietet Ihren Kunden auch Bildproduktionen an. Der Fotograf wird mit 50% am Bildverkauf beteiligt, die Preise starten bei 6 Euro in Webauflösung.


Bildagenturen Die Liste der Bildagenturen erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit und stellt keine Wertung oder Empfehlung dar. www.9x13.de www.aboutpixel.de www.adpic.de www.allrightimages.com www.apply-pictures.de www.aspectimages.net www.avatra.de www.berlin-downloads.de www.bilderoffice.de www.bilderbande.de www.bilderraum.info www.bildhaft.com www.bildmaschine.de www.bildunion.de www.bonbonpix.de www.ccvision.de www.charles-compere.de www.chromorange.de www.clickpictures.de www.colourbox.com http://pro.corbis.com www.crestock.com www.delipix.com www.digitalstock.de www.dilly-images.com www.dokufoto.de www.dreamstime.com www.durchdiebank.de www.eutropia.com www.eyevisto.com www.f1online.de www.fotofolio.at www.fotokurier.at 


sondern bei Bildagenturen günstig eingekauft. Auch die schnelllebige Zeit begünstigt die Bildagenturen. So kann der Designer oder die Werbeagentur die Bilder oder Entwurfsfotos bei der Agentur sofort herunterladen und dem Kunden fertiges Material vorlegen.

Wie Sie eine gute Bildagentur erkennen Welche Bildagentur für Sie die richtige ist, ist von vielfältigen Kriterien abhängig. Bei seriösen Midstock-Agenturen oder klassischen Bildagenturen müssen Sie sich bewerben. Meist möchte man sich einen Überblick über Ihr Portfolio verschaffen, besonders im Hinblick auf geeignete Stock-Fotos, Ihre freien künstlerischen Arbeiten interessieren dort wenig.

Ein weiteres Indiz sind die Verkaufspreise der Agentur. Wenn Ihre Fotos umsonst gegen eine pauschale Beteiligung angeboten werden oder Online-Galerien bieten Ihnen kostenfreien Speicherplatz an, den die Preise Sie nutzen können, um eine Auswahl Ihrer Motive zu präsentie- unter einem ren. Der Kunde der Galerie bestellt dann Ihr Foto als Poster oder Euro für die gerahmtes Bild bei der Galerie, wie hier bei www.artists.de oder Weblizenz www.mygall.net. liegen, handelt es sich um eine Microstock-Agentur. Natürlich können Sie auch hier Ihre Fotos anbieten und über die Masse ein paar Euro dazuverdienen, aber in der Regel lehnt eine klassische Bildagentur Sie dann ab, weil Microstock-

Außer in einer geringen Auﬂösung für das Internet bieten die Agenturen Ihre Fotos zumeist in vier verschiedenen Größen mit 300 dpi Auﬂösung zum Druck an, wie hier bei https://imaginery.radion.org. Daneben kann der Käufer zumeist die Bildrechte auch exklusiv erwerben.

Agenturen den Fotografen und seriösen Agenturen die Preise kaputt machen. Die Fotos, die Sie hochladen, werden bei den guten Agenturen geprüft und manuell freigeschaltet. Die Prüfung erfolgt nicht nur hinsichtlich der Erfüllung der technischen Anforderungen und korrekter Verschlagwortung Ihrer Fotos, sondern auch unter motivbezogenen und qualitativen Aspekten. Wenn Sie nur ein ganz bestimmtes Genre fotografieren, bieten Sie Ihre Fotos in Spezialbildagenturen an, die es für fast alle Bereiche von StockFotos gibt. Wir haben eine Liste von Agenturen für Sie zusammengestellt. Diese Liste ist wertfrei, alle Arten von Agenturen sind vertreten. Sie soll Ihnen lediglich bei der Suche helfen. Wenn Sie Ihre ausschließlich künstlerischen Arbeiten vermarkten möchten, gibt es auch dafür genügend Möglichkeiten. Viele Online-Kunsthandlungen oder Galerien bieten Ihnen die Möglichkeit, Ihre Bilder dort kostenfrei auszustellen. Die Bilder können dann, ausbelichtet und gerahmt, als Poster oder auf Leinwand gedruckt und auf Keilrahmen aufgezogen, dort direkt vom Kunden bestellt werden.

Welches Bildmaterial erwarten die Agenturen von Ihnen? Die Frage nach den rein technischen Anforderungen an Ihre Fotos ist noch relativ leicht zu beantworten. In der Regel werden Originaldateien in einer Mindestgröße von zehn Megapixel (nicht interpoliert) gefordert. Eine Nachbearbeitung mit einem Bildbearbeitungsprogramm wie zum Beispiel


Bildagenturen (Fortsetzg.) www.fotolia.de www.fotos-berlin24.de www.fotosearch.de www.gettyimages.com www.nunung.de www.imagepoint.biz www.imagestate.com www.intuitivmedia.de www.istockphoto.com www.jupiterimages.com www.kursiv.com www.look-foto.de www.lovelybuddha-bildagentur.de www.mattonimages.de www.onetox.com www.moodboard.com www.outdoor-archiv.de www.panthermedia.net www.peoplepix.de www.oliverw-photography.com www.photoalto.com www.photocase.de www.photokaleidoskop.de www.photolink.de www.photoactive.de www.photostock.eu www.picture-shuttle.de www.pixelio.de www.premium.de https://imaginery.radion.org www.shotshop.com www.sodapix.com www.diwiesign.com http://www.sxc.hu www.stockxpert.com www.stock4b.com http://travelstock44.de www.whitelife.com www.x-dis.de http://pro.corbis.com


Bildagenturen bieten unzählige Suchkriterien für ihre Kunden an: Neben der Suche über Keywords, Genres und Formate kann, wie hier bei www.photostock.eu, sogar nach einem bestimmten Farbton gesucht werden, den der Kunde im Farbwähler aussucht.

Adobe Photoshop ist weniger erwünscht, auf Nachschärfen sollten Sie vollständig verzichten. Dass die Fotos bei Studioaufnahmen gut ausgeleuchtet und insgesamt harmonisch wirken sollen, versteht sich von selbst. Die Fotos werden auch hinsichtlich Rauschverhalten, Tonwerten und Komprimierung überprüft. Bilder mit mehr als 400 ISO werden selten akzeptiert. Bei der Komposition ist es wichtig, dass Sie darauf achten, viel Platz für das Einfügen von Texten oder Beschnitt zu lassen. Legen Sie die Bilder einmal im Hoch- und einmal im Querformat an und fotografieren Sie nicht formatfüllend. Denken Sie auch an die Möglichkeit eines Beschnitts zum Quadrat oder in anderen Formaten. Konzeptionelle Fotografie und Bildstrecken sind bei den Kunden der Agenturen beliebter als ein einzelnes Foto und haben somit größere Aussichten, verkauft zu werden. Motive aus den Bereichen Familie, Beruf, Freizeit, Sport, Gesundheit, Food, Industrie, Umwelt und Reisen werden immer gesucht, Natur- und Blumenfotos dagegen eher weniger häufig.

Die zehn wichtigsten Eigenschaften eines StockFotos Je mehr von den folgenden Eigenschaften ein Bild (Objekt/Motiv) besitzt, umso größer ist die Wahrscheinlichkeit, dass es wirkungsvoll erscheint und verkauft wird:

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Klarheit und Einfachheit in Bezug auf Bildaufbau, Form und Farben

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Variabilität und Unverfänglichkeit, keine Markenzeichen, keine modischen Experimente, viel Raum für Beschnitt und Layout, klare Symbolik

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Grafischer Aufbau, das heißt, künstlerisch wirksame Anordnung in Bezug auf Linien, Formen und bei der Verteilung von hellen und dunklen Bildelementen

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Formen von klarem Schnitt, kühn und interessant

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Tiefe, suggeriert durch Fluchtlinien, Objekte, die in verschiedenen Ebenen angeordnet sind oder eine Luftperspektive

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Struktur, die die Oberfläche des Objekts charakterisiert und belebt

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Spontaneität und Bewegung, die die Tätigkeit und das Leben visualisieren sollen

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Einzelheiten, die sinnvoll und klar sind

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Kontrast, das heißt gute Differenzierung in Hinsicht auf Farbe, Tonwerte und räumliche Elemente

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Muster, Rhythmus und Wiederholung interessanter und verwandter Formen

Was verdienen Sie oder wie werden Sie an den Umsätzen der Bildagentur beteiligt? Die Microstock-Agenturen beteiligen ihre Fotografen oft nur über kompliziert zu durchschauende Systeme an den Verkäufen der Fotos. Selbst bei einer Zahlung von 50% des Netto-Umsatzes mit Ihren Fotos kann es eine Weile dauern, bis bei unter 50 Cent pro Foto ein Betrag herauskommt, den es sich lohnt, auf Ihr Konto zu überweisen. Midstock-Agenturen und klassische Bildagenturen beteiligen Sie in der Regel mit 50% am Umsatz Ihrer Bildverkäufe. Dabei handelt es sich dann, je nach Bildauflösung und Nutzung, um Beträge zwischen 10 und 80 Euro pro Foto. Wenn die Agentur den Kunden die Möglichkeit anbietet, das Foto auch exklusiv zu kaufen, legen Sie meist den Preis für die komplette Aufgabe Ihrer Bildrechte fest. Dabei werden Sie zwischen 30 und 50% am Umsatz beteiligt, wobei Ihr Anteil dabei gerne schon einmal über 500 Euro liegen kann.

www.picture-shuttle.de setzt bei seinem Angebot auf junge, dynamische Fotografen und deren frische Sicht auf die Dinge. Neben dem Agenturservice bietet Picture Shuttle ein Magazin und eine Galerie, in der der Kunde Ihre Bilder als Kunstwerk bestellen kann.


328 Kapitel 20 | Das Fotorecht

Das Fotorecht Als Fotorecht wird der Teil der Gesetzgebung bezeichnet, der sich mit der Aufnahme, Gestaltung und Verwertung Ihrer Fotos befasst. Das Fotorecht regelt auch das Verhältnis zwischen Ihnen als Bildanbieter und einem Bildverwerter, also zum Beispiel Ihrer Bildagentur. Einige Motive in der Fotografie sind auch durch Urheberrechte, wie zum Beispiel der Eiffelturm bei Nacht, oder durch Markenrechte geschützt. Einen großen Bereich, besonders wichtig in der People-Fotografie, nimmt auch das Persönlichkeitsrecht, also das Recht der abgebildeten Person am eigenen Bild, ein. Diese Rechte werden in Deutschland heute im Urheberrechtsgesetz festgelegt. Zu den Verwertungsrechten nach dem Urheberrechtsgesetz gehören Vervielfältigungsrechte, Verbreitungsrechte und Veröffentlichungsrechte, zu den Persönlichkeitsrechten zählen das Recht auf Anerkennung der Urheberschaft (zum Beispiel Nennung des Namens) und das Verbot der Entstellung.

Ein klein wenig sollten Sie in diese Materie einsteigen, damit sowohl Ihre Rechte gesichert sind als auch Sie die Rechte anderer nicht unwissentlich verletzen. Spiegelaufnahme – Kamera: Nikon D100 mit 80-200 mm f/2.8er Objektiv – Belichtung 1/80 Sek. bei f/2.8 – Brennweite 155 mm – ISO 1600. Foto: Carina Meyer-Broicherr

Kapitel 20 | Das Fotorecht 329

Das Urheber- und Nutzungsrecht Das Foto- und Bildrecht spielt in Ihrer täglichen Zusammenarbeit mit Presse, Verlagen und Bildagenturen eine immer größere Rolle. Dabei geht es um die Einholung der Rechte von den Agenturen oder Verwertungsgesellschaften, um Lizenzierungsgeschäfte und die presserechtlich hochkomplexen Probleme des Rechts am eigenen Bild.

Die Bildrechte des Fotografen § 1 Allgemeines Die Urheber von Werken der Literatur, Wissenschaft und Kunst genießen für ihre Werke Schutz nach Maßgabe dieses Gesetzes. § 2 Geschützte Werke (1) Zu den geschützten Werken der Literatur, Wissenschaft und Kunst gehören insbesondere: … 5. Lichtbildwerke einschließlich der Werke, die ähnlich wie Lichtbildwerke geschaffen werden …

Diese beiden Paragrafen aus dem Urheberrechtsgesetz bilden die wesentliche Grundlage für Ihre Rechte an Ihren Fotos. Das komplette Gesetz über Urheberrecht und verwandte Schutzrechte finden Sie unter www.bundesrecht.juris.de/urhg/index.html. Wenn wir uns mit dem Urheberrecht befassen, hat das eigentlich nichts mit „Copyright“ zu tun. Immer wieder findet man unter Fotos deutscher Fotografen „Copyright by“. Sofern Sie Ihre Bilder nicht auf dem angloamerikanischen Markt anbieten oder zeigen, ist dieser Satz nach deutschem Recht ohne jede Relevanz. Denn Ihre Fotos unterliegen immer dem Schutz des Urheberrechts, eine zusätzliche Kennzeichnung ist dafür eigentlich nicht erforderlich, aber zur Verdeutlichung in einigen Fällen, insbesondere im Internet, sicherlich angebracht. Das Urheberrecht regelt eindeutig, inwieweit Ihre Fotos geschützt sind. Zusammenfassend gilt Folgendes: Auch nach der Novellierung des Urhe-


berrechts ist die sogenannte Privatkopie erlaubt. Wenn jemand Ihr im Internet ausgestelltes Foto auf seinem PC speichert, sei es als Vorlage oder um es hin und wieder anzusehen, dann ist dies ausdrücklich erlaubt. Auch gegen einen Ausdruck zur Verschönerung der Privaträume ist rechtlich nichts einzuwenden. Handelt es sich dagegen um öffentliche Räume, wie eine Praxis, ein Geschäft oder Ähnliches mit Publikumsverkehr, dann liegt eine Veröffentlichung vor, die in dieser Form ohne Ihre Zustimmung verboten ist. Sie sind aber nicht bei jedem Foto, das Sie machen, automatisch auch der Urheber. Das sind Sie nur dann, wenn die Kreativleistung Ihnen zuzurechnen ist, wenn Sie also für die Bildgestaltung zuständig sind. Wenn ein Auszubildender in einer Fotografenlehre zum Beispiel ein Foto nach den Vorgaben seines Ausbilders macht, der für den Bildschnitt, den Lichtaufbau und den Motivaufbau verantwortlich ist, dann ist er nur der Auslöser, aber nicht der Urheber.

Die Nutzungsrechte an Ihren Fotos Was mit Ihren Fotos geschehen darf, legen Sie in Form der Nutzungsrechte fest, die Sie einem Nutzer oder Käufer einräumen. Das Urheberrecht selbst ist nicht übertragbar. Verträge, in denen dies vereinbart wird, sind unwirksam. Der Verkauf eines Fotos ist auch nicht gleichbedeutend mit der Weitergabe des Nutzungsrechts, denn welche Nutzungsrechte Sie einräumen, ist Ihnen frei überlassen. Sie können selbst bestimmen, ob die Nutzung nur für den Druck, das Internet oder uneingeschränkt möglich ist. Man unterscheidet generell zwischen einfachen, nicht exklusiven Nutzungsrechten und exklusiven, jedoch zeitlich oft beschränkten Nutzungsrechten. Ein einfaches Nutzungsrecht ist zum Beispiel, wenn Sie einem Fotomodell Fotos geben und es ihm erlauben, die Bilder zur Eigenwerbung auf einer Sedcard oder im Internet zu nutzen, eine Weitergabe an Dritte dagegen ausschließen. Sie können die Fotos auch einer Agentur verkaufen, die diese dann nutzt, um eine Werbeaktion damit zu illustrieren. Erteilen Sie exklusive Nutzungsrechte, dann sichern Sie dem Nutzer zu, dass Sie das Foto nicht mehr anderweitig verwenden und verwerten werden, daher sollten Sie exklusive Nutzungsrechte, wenn möglich, nur zeitlich befristet vergeben.

Was ist eigentlich CC? Im Internet haben sich für die Verwertung der Bildrechte verschiedene Standards durchgesetzt. Sofern Sie Ihre Bilder nicht besonders kennzeich-

Inzwischen gehen auch die Bilder-Communities im Internet dazu über, beim Upload Ihrer Fotos abzufragen, ob diese unter Creative Commons-Lizenzen verwendet werden dürfen.


nen, unterliegen sie in vollem Umfang dem Urheberrecht und dürfen ohne Ihre Zustimmung nicht verwendet werden. Im Zusammenhang mit der Entstehung von Wikipedia wurde die „Creative Commons“-Lizenz (aus dem Engl. = schöpferisches Gemeingut) entwickelt, die per Kennzeichnung die Nutzung Ihrer Fotos zulässt und regelt. Hierbei geben Sie Ihre Bilder zur Nutzung frei, legen aber genau fest, in welchem Umfang diese Freigabe erfolgt. Man unterscheidet dabei folgende Rechte: ●

Namensnennung: Sie erlauben die Weitergabe des Bilds unter der Bedingung, dass Sie unter dem Foto als Urheber genannt werden.

●

Keine kommerzielle Nutzung: Sie erlauben eine Weitergabe des Bilds, sofern es sich nicht um eine kommerzielle Nutzung handelt.

●

Keine Bearbeitung: Sie erlauben eine Weitergabe des Bilds, aber lassen keine Bearbeitung des Bilds zu, es muss unverändert bleiben.

Diese Rechte lassen sich beliebig miteinander kombinieren oder einzeln vergeben. Eine genaue Erläuterung dieser Rechte finden Sie hier: http:// de.creativecommons.org/about.html.

Wie Sie die Lizenzmodelle der Bildagenturen besser verstehen Wenn Sie zur Vermarktung Ihrer Fotos mit Bildagenturen zusammenarbeiten, gibt es einige Besonderheiten zu beachten, da die Bildrechte bei den verschiedenen Agenturen unterschiedlich gehandhabt werden. Generell unterscheidet man zwischen zwei Arten von Lizenzen, „Royalty Free“, kurz RF genannt, und „Rights Managed“, kurz RM genannt. Der Unterschied ist groß. Royalty Free, im Deutschen irrtümlicherweise als lizenzfrei übersetzt und bezeichnet, bedeutet, dass die Bilder, einmalig erworben, unbegrenzt oft, zeitlich unbegrenzt und in verschiedenen Medien/Branchen verwendet werden können.

Auf der Webseite von Creative Commons, http://de.creativecommons.org/about.html, können Sie sich ausführlich über die Art der Nutzungsrechte und ihrer Kombinationen informieren.


Bei Bildern mit der Lizenz „Rights Managed“, also verwalteten Lizenzen, wird von den Agenturen pro Verwendung eine von Art und Umfang sowie Verwendungszweck abhängige Nutzungs- oder Lizenzgebühr erhoben. In der Regel sind sowohl bei RM- als auch bei RF-Fotos sämtliche Rechte geklärt, so dass die Bilder in jedem Kontext und zu jedem Zweck verwendet werden können. Sofern Personen auf den Bildern sind, liegt in der Regel ein „Model Release“ vor, das die Lizenznehmer von nachträglichen

Beim Erwerb der Nutzungsrechte unter RM muss der Kunde der Agentur, wie hier bei https://imaginery.radion.org, mitteilen, wie hoch die Auflage ist, für die er das Foto einsetzt. Unter Bezug auf den Basispreis wird so die Lizenzgebühr für den Kunden errechnet.

Anspruchsforderungen der abgebildeten Personen freistellt. Für Orte und Objekte muss, falls erforderlich, ein „Property Release“ vorliegen. Bilder, die über Presseagenturen vermarktet werden, nehmen rechtlich eine Sonderstellung ein. Ist eine Person abgebildet, muss nicht automatisch ein „Model Release“ vorliegen. Es ist durch presserechtliche Grundsätze geregelt, inwieweit Personen ohne explizite Genehmigung im redaktionellen Kontext abgebildet werden dürfen. Sollen solche Motive gewerblich eingesetzt werden, ist wiederum die Einwilligung der abgebildeten Person unbedingt erforderlich. Im kommerziellen Umfeld werden sowohl RM- als auch RF-Motive eingesetzt. Tendenziell sind die Bilder im RM-Bereich exklusiver, hochwertiger und aktueller, da die Serien oft mit Blick auf aktuelle und zukünftige Trends von den Fotografen beziehungsweise den Bildagenturen produziert werden. Dies ist auch daran zu sehen, dass im RM-Bereich bei gewerblicher Nutzung meist höhere Lizenzgebühren anfallen als für RF-Lizenzen. Für weniger exklusive Verwendungen, zum Beispiel für verkaufsfördernde Maßnahmen wie Gewinnspiele, Öffentlichkeitsarbeit oder Sponsoring, geht daher der Trend zu RF-Bildern. Neben den günstigen Preisen sind die einfachere Lizenzierung sowie die zeitlich unbegrenzte Nutzung ein wichtiges Argument für die Kunden.


Das Recht am eigenen Bild und der Modellvertrag Eigentlich möchten wir doch alle das Gleiche: schöne Fotos machen, an denen wir selbst, das Modell und auch andere Betrachter ihre Freude haben. Und darum möchten wir diese Bilder auch zeigen – ob auf der eigenen Homepage, in Diskussionsforen im Internet, in Zeitschriften, Büchern, Kalendern oder gar in der eigenen Ausstellung. Das ist auch alles kein Problem, solange Sie sich ein klein wenig mit dem rechtlichen Hintergrund befassen.

Das Recht am eigenen Bild Das Recht am eigenen Bild oder Bildnisrecht ist eine besondere Form des Persönlichkeitsrechts. Hier wird geregelt, dass jede Person generell selbst darüber bestimmen darf, ob grundsätzlich Fotos von ihr veröffentlicht werden dürfen und wenn ja, in welchem Kontext. Da das Persönlichkeitsrecht in Deutschland im Laufe der Gesetzgebung quasi gestückelt geregelt wurde, finden sich die Gesetze zur Regelung des Rechts am eigenen Bild im Kunsturheberrechtsgesetz, dem Gesetz betreffend des Urheberrechts an Werken der bildenden Künste und der Photographie, kurz KUG. Auch wenn das Gesetz inzwischen 100 Jahre alt ist, gelten heute noch die §§ 22, 23 und 24 KUG, für Sie als Fotograf sind diese beiden Paragrafen wichtig:


§ 22 KunstUrhG Bildnisse dürfen nur mit Einwilligung des Abgebildeten verbreitet oder öffentlich zur Schau gestellt werden. Die Einwilligung gilt im Zweifel als erteilt, wenn der Abgebildete dafür, dass er sich abbilden ließ, eine Entlohnung erhielt. Nach dem Tode des Abgebildeten bedarf es bis zum Ablaufe von 10 Jahren der Einwilligung der Angehörigen des Abgebildeten. Angehörige im Sinne dieses Gesetzes sind der überlebende Ehegatte oder Lebenspartner und die Kinder des Abgebildeten und, wenn weder ein Ehegatte oder Lebenspartner noch Kinder vorhanden sind, die Eltern des Abgebildeten.

§ 23 KunstUrhG (1) Ohne die nach § 22 erforderliche Einwilligung dürfen verbreitet und zur Schau gestellt werden:

1. Bildnisse aus dem Bereiche der Zeitgeschichte; 2. Bilder, auf denen die Personen nur als Beiwerk neben einer Landschaft oder sonstigen Örtlichkeit erscheinen; 3. Bilder von Versammlungen, Aufzügen und ähnlichen Vorgängen, an denen die dargestellten Personen teilgenommen haben; 4. Bildnisse, die nicht auf Bestellung angefertigt sind, sofern die Verbreitung oder Schaustellung einem höheren Interesse der Kunst dient. (2) Die Befugnis erstreckt sich jedoch nicht auf eine Verbreitung und Schaustellung, durch die ein berechtigtes Interesse des Abgebildeten oder, falls dieser verstorben ist, seiner Angehörigen verletzt wird. Den gesamten Gesetzestext finden Sie unter: http://bundesrecht.juris.de/kunsturhg/index.html.

Was bedeutet das nun für Sie als Fotograf? Ihr Urheberrecht wird durch die Rechte des Modells zunächst einmal eingeschränkt. Wir hatten schon in der Street-Fotografie das Beispiel, dass Sie die abgebildete Person um Erlaubnis zur Veröffentlichung fragen müssen. Eine Veröffentlichung liegt nicht nur dann vor, wenn Sie das Foto auf Ihrer Homepage oder in Ihrer Mappe zeigen, im Grunde reicht es schon, das Bild einer dritten Person zu zeigen. Bei der Street-Fotografie treffen Sie eine mündliche Absprache mit dem Modell, die zwar durchaus Ihre


Gültigkeit besitzt, aber im Streitfall ist es nicht einfach, einen Nachweis zu erbringen. Um im Vorfeld jegliche Probleme und Missverständnisse zu vermeiden, sichern Sie sich vertraglich ab. Ein solcher Modellvertrag, eigentlich besser „Übertragung der Nutzungsrechte“, wird Model Release (aus dem Englischen = Übertragungsurkunde, Freigabe) genannt.

Das Model Release Beim Model Release handelt es sich um einen Vertrag zwischen dem Fotografen und der abgebildeten Person (dem Modell), in dem die Übertragung der Rechte an den Fotografen für die Veröffentlichung und Verbreitung der Fotos rechtsverbindlich vereinbart wird. Ohne ein solches Model Release bewegen Sie sich bei der Abbildungen von Personen, die Sie veröffentlichen oder verbreiten (egal, ob kommerziell oder nicht) rechtlich immer auf dünnem Eis. Ein solcher Vertrag gibt nicht nur Ihnen Rechtssicherheit, auch das Modell weiß genau, wie und wo Sie die Fotos verwenden möchten. Musterverträge finden Sie unter dem Stichwort „model release“ im Internet. Diese Musterverträge sollten Sie auf jeden Fall immer nach den Gegebenheiten abändern. Stellen Sie in jedem Fall klar, wozu Sie die Fotos verwenden möchten, also zum Beispiel für Ausstellungen und Publikationen, aber auch, wenn Sie die Bilder weiterverkaufen möchten oder zu welchem gewerblichen Zweck auch immer verwenden möchten. Fassen Sie die Nutzungsrechte lieber etwas weiter, denn Sie wissen nicht, ob Sie die Bilder nicht später doch auch anders einsetzen möchten, und können dann unter Umständen das Modell nicht mehr erreichen.

TFP In der Regel geht der Gesetzgeber davon aus, dass bei Fotoaufnahmen Honorare gezahlt werden, egal ob an das Modell oder den Fotografen. Solche Honorare müssen jedoch nicht zwingend in Geldform gezahlt werden. Dies ist dann der Fall, wenn Sie als Hobbyfotograf mit einem Hobbymodell auf TFP-Basis arbeiten. TFP bedeutet ursprünglich „Time for Prints“ (aus dem Englischen = Zeit gegen Abzüge) und meint, dass an Stelle eines Honorars eine entsprechende Anzahl von Fotoabzügen an das Modell geht. Statt Abzügen können auch digitale Speichermedien (ausschließlich oder zusätzlich) ausgehändigt werden (TFCD, TFDVD für digitale Bilddateien). Beide, Modell wie Fotograf, investieren also in die Sache: der Fotograf Material, Studio und Zeit, das Modell sich selbst und seine Zeit.


Auch hier legen Sie im Model Release fest, wie viele Aufnahmen das Modell als Entlohnung erhält und wie sie verwendet werden dürfen. Ebenso vereinbaren Sie wieder Ihr eigenes Nutzungsrecht. Neben dieser Art der Vergütung können Fahrtkostenerstattungen und andere Bedingungen, wie Beteiligungen des Modells bei Verkäufen, vereinbart werden. Lassen Sie Ihren Vertrag dem Modell nach Möglichkeit bereits vor dem Shooting zukommen, damit Zeit bleibt, ihn durchzulesen. Unterzeichnet werden kann er dann auch erst nach dem Shooting, dann weiß das Modell bereits, welche Fotos entstanden sind, und hat bezüglich der Nutzung ein besseres Gefühl bzw. kann auch einige Fotos von den Rechten ausschließen. Dies geschieht an Hand der Bildnummern. Einige Modelle und Fotografen aus dem semiprofessionellen und professionellen Bereich lehnen Shootings auf TFP-Basis grundsätzlich ab. Dies sollte man respektieren. Ich bin allerdings der Meinung, dass eine kreative Zusammenarbeit vom Geben und Nehmen lebt. So reduziere ich mein Honorar oder verzichte bei sehr interessanten Shootings sogar ganz darauf, wenn ich dafür die entstandenen Fotos uneingeschränkt nutzen kann.


Stichwortverzeichnis A Abblendtaste 67 Abschatter 76, 92 Abschirmklappen 72 Abstrakte Fotografie 258 Accessoires 53, 160 ACR 284 AE-L-Taste 60 Aktfotografie 118 Aktporträt 194 American Football 220 American Shot 130 Arbeitsfarbraum 274 Arbeitsporträt 159 Armhaltung 143 Attraktivität 134 Aufführungen 225 Aufhellblitz 97 Aufnahmeformat 44, 182, 199 Aufnahmeparameter 135 Aufnahmeperspektive 30 Aufnahmetechnik 210, 218, 227 Aufsicht 31 Augen 136 Augenweiß 303 Ausbessern-Werkzeug 293 Ausgabe-Farbraum 275 Ausgabeformat 44 Ausrüstung 48, 207, 212, 222, 226, 229 Ausschnitt 36, 199 Außenaufnahmen 89 Available Light 84

B Babys 166, 171 Baustrahler 104 Beauty Dish 73 Beauty-Fotografie 186 Belichtung 285 Belichtungskorrektur 62, 87 Belichtungsmesser 61 Belichtungsmessfelder 115 Belichtungsmessung 58, 109 Belichtungsreihen 62 Bereichsreparatur-Pinsel-Werkzeug 292 Best Age 174 338 Stichwortverzeichnis

Bewegtes Objekt 261 Bewegungsunschärfe 261 Bildagenturen 322 Bildaufbau 34 Bildauswahl 157 Bildbearbeitung 291 Bildbearbeitungsfilter 126 Bildelemente 138 Bildformat 45, 226 Bildgestaltung 19, 181, 209, 213, 229 Bildhaftigkeit 301 Bildkritik 9 Bildrecht 330 Bildwinkel 21 BKT 62 Blende 64 Blendenautomatik 66 Blendenreihe 65 Blendenstufen 65 Blendenwert 64 Blickpunkt 35 Blitzanlage 106, 109 Blitzbelichtungskorrektur 95 Blitzbelichtungsmesser 109 Blitzgeräte 98 Blitzkopf 106, 107 Blitzmessverfahren 95 Blitzschuh 107 Blitzsynchronanschluss 108 Blitzsynchronzeit 100, 109 Blogs 318 Bouncinglight 105 Bräute 236 Brautpaare 237 Brennweiten 20 Brennweiteneffekt 22 Brennweitenverlängerung 22 Brillen 55 Bühnenfotografie 225 Bühnenlicht 117

C Camera Tossing 262 CC 331 Close-up 130, 132

CMYK-Modus 271 Color management 268 Creative Commons 332 Crop-Faktor 22 CTB-Filterfolie 73 CTO-Filterfolie 73

D Datenimport 283 Detail 131, 151 Diagonale 39 Diffuses Licht 79 Diffusor 76, 92 Digitaler Workflow 267, 283 Diigitale Retusche 291 Dreiergruppen 162 Dreiviertelprofil 32 Durchlichtschirm 76

E Effektfilterfolien 73 einfrieren 210 Engstrahler 71 Engstrahlreflektor 71 Erotische Porträts 200 EV 62 Event-Fotografie 205 Experimentelle Fotografie 118 Exportieren 289 Exposure Value 62

F Fältchen 295 Farben 40 Farbfilterfolien 72 Farbmanagement-Richtlinen 274 Farbmanagementsystem 268 Farbmangement 267 Farbmodus 271 Farb-Proof 275 Farbräume 272 Fashion 178 Festbrennweite 22 Festtagsumzüge 245 Flächen 40

Flächenreflektor 77, 92 Formatfaktor 22 Formen 40 Fotoforen 314 Fotogalerien 319 Fotorecht 329 Fotowettbewerbe 11 Freisteller 126 Fresnel-Spot 74 Frisur 50, 144 Frontalansicht 32 Funkauslöser 108 funktionales Porträt 159

G Gamut 270 Ganzkörperporträt 131, 145 Gegenlicht 98 Gesicht 132 Gestaltungsmittel 35 Glamour 178 Gobos 71 Goldener Schnitt 41 Goldenes Dreieck 42 Goldene Spirale 42 Goldene Teilungen 42 Gradationskurve 308 Graustufenbild 307 Grobes Korn 265 Grobpixel 264 Grundlinien 38 Gruppen 162, 164

H Halbprofil 32 Halbtotale 130 Hände 143, 151 Hartes Licht 77 Hauptelement 35 Hauptlinien 38 Hautstruktur 297 Hautunreinheiten 292 Heimstudio 102 Helligkeitskanal 308 High Key 121 Hintergrund 49, 146, 148 Hintergründe 103

Hintergrundreflektor 71 Histogramm 110, 114 Historie 2 Hochaltrige 175 Hochformat 46 Hochzeiten 234 Hochzeitsgesellschaften 238 Homepage 319 Homestory 49, 159 Honeycomb 72 Hüftbild 130

I ICC-Profile 269 ICC-Profiltypen 269 Inszeniertes Porträt 161 Integralmessung 59

K Kamerablitz 95 Kamera-Farbraum 272 Kanalmixer 307, 310 Karneval 242 Kinder 166 Klassische Porträts 156 Kleidung 53, 144, 201 Kleinbildformat 21 Kolorimeter 278 Komposition 34 Kontext 159 Kontrastumfang 58 Konvertierungsoptionen 275 Konzertfotografie 228 Kopf 142 Kopierstempel-Werkzeug 294 Körperdetails 151 Körperhaltung 141 Körperspannung 141 Körpersprache 140 Kosmetische Tricks 300 Kraftlinien 38 Kreative Fotografie 257

L Lab-Farbmodus 272 Leitzahl 96 Licht 57

Lichtbündler 70 Lichtformer 70 Lichtführung 70, 195 Lichtgestaltung 184 Lichtleiter 71 Lichtmessung 61 Lichtschlucker 76 Lichtstreuer 70, 74 Lichttubus 71 Lifestyle-Fotografie 190 Linienführung 38, 183 Lizenzmodelle 332 Location 147 Low Key 113

M Make-up 50, 144, 201 Digitales 300 Manuelle Fokussierung 260 Marketing 313 Matrixmessung 61 Mehrfeldmessung 61 Messverfahren 58 Messwertspeicher 87 Messwertspeichertaste 87 mittenbetonte Integralmessung 60 Modefotografie 178 Modellvertrag 334, 336 Model Release 332, 336 Monitor-Farbraum 273 Monitorkalibrierung 278 Motivliste 48 Mund 137 Muster 40 Musterprojektoren 71

N Nahaufnahme 130, 132 Nase 137 ND-Folie 73 Nebenelemente 35 Neutralgrau 63 Normalobjektive 24 Normalreflektor 70 Normalsicht 30 Nutzungsrecht 330

Stichwortverzeichnis 339

O Oberkörperporträt 130, 139, 156 Objektive 20 Objektmessung 58 Octobox 74 On Location 188 Outdoor 89, 185

P Paare 162 Panorama 46 Paraden 245 Pastellfarbenes Verblassen 264 Persönlichkeitsrecht 329 Perspektive 30, 182, 197 Photo sharing 317 Profilansicht 33 Profilerstellung 270 Property Release 333 Punktstrahler 71

Q Quadrat 46 Querformat 45

R räumlicher Ausschnitt 37 Räumliche Tiefe 28 RAW-Entwicklung 281 RAW-Format 282 RAW-Konverter 283 Reflektor 92 Reflektoren 71 Reflektorfarbe 93 Reflexschirme 75 Reparatur-Pinsel-Werkzeug 293 Requisiten 143, 201 RF 332 RGB-Modus 271 Richtgitter 72 Rights Managed 332 RM 332 Royalty Free 332

S Schärfentiefe 66, 68 Schirme 75

340 Stichwortverzeichnis

Schmuck 54 Schnee 208 Schrägen 39 Schuhe 54 Schultern 142 Schwarz-Weiß 311 Schwarz-Weiß-Fotografie 305 Schwarz-Weiß-Konvertierung 307 Schwimmen 217 Senioren 173 Senkrechte 39 Snoots 71 Softbox 74 Softloader 71 Sportfotografie 206 Spot 71 Spotmessung 60 Street-Fotografie 249 Striplight 74 Studio 101 Studioblitzanlage 106 Studioblitzanschluss 107 Studiofotografie 102 Symmetrie 40 Synchronbuchse 108 Systemblitz 95, 99

T Teleobjektive 24 TFP 336 Totale 131 Training 10 Transformieren 300 TTL 59, 95

U Überblendung 263 Umgebung 49 Unschärfe 259 Untersicht 31 Urheberrecht 329

V Verflüssigen 301 Verlaufsreflektor 71 verlorene Profil 33 Verschlusszeit 64

Vertrag 336 Verwischen 261, 264 Viertelprofil 33 Vogelperspektive 31 Volumenlicht 105 Vordergrund 146, 150 Vorgespräch 15 Vorsatzfilter 265

W Waagerechte 39 Wabenvorsätze 72 Wassersport 212 Weiches Licht 78, 187 Weichzeichnung 264 Weißabgleich 285 Weitwinkelobjektive 23 Werbung 179 Westernanschnitt 131 Wintersport 207 Workshops 10

Z Zahnweiß 303 Zeitautomatik 67 zeitlicher Ausschnitt 37 Zeitplan 48 Zeitvorwahl 66 Zoomeffekt 262 Zoomobjektiv 22 Zweiergruppen 162

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